具体描述
李斯特是一位伟大、杰出的钢琴家，他用他超前的眼光发展了钢琴艺术与弹奏技巧。
据说当时李斯特每天都要花四、五个小时练习手指技巧。自1888年之后的12年间，他创作了多册手指技巧练习。在李斯特死后年（1887），他的学生温特博格（Alexander Winterberer）出版李斯特的这些手指练习。
钢琴家、教育家埃斯待班教授把温特博格出版的12册李斯特手指技巧练习合为一本并加以整理。本书编者在尊重原谱的基础上进一步整理和注释，省去一些被转调的重复篇幅。
从练习中不难看出李斯特非常重视手指的独立性。他用最直接和有效的方式来解决技术课题。这些练习为弹好李斯特的高难度乐曲和音乐会练习曲全面地打好了基础。
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读后感
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用户评价
这本书的书名听起来很聚焦，但内容却散漫得让人有些抓狂。我翻遍了目录，找不到任何一个章节标题是诸如“音阶练习”、“琶音技巧提升”或者“手指独立性训练”这类明确指向演奏技巧提升的字眼。相反，它更像是一部关于“身体与音乐的耦合关系”的科普读物。作者似乎更热衷于探讨神经科学、运动心理学与音乐表现力之间的交叉点。 书中大量的篇幅被用来描述人脑如何处理复杂运动指令，以及如何通过冥想和视觉化来预先构建完美的演奏过程。有一章专门讲了如何通过“镜像神经元”的激活来模拟大师的演奏，这部分内容极其新颖，读起来充满未来感，但当我合上书本，尝试去弹奏那些我一直攻克不下的段落时，我立刻意识到，理论与实践之间，横亘着巨大的鸿沟。这本书成功地让我相信，我的大脑在“想”方面比我的手指更进步了，但对于如何让我的手指跟上大脑的想象，它提供的指导是极其模糊和抽象的。它探讨了“为什么会弹不好”，却很少直接告诉我“如何才能弹好”。如果你期待一本能手把手教你具体指法和速度训练的实操手册，这本书绝对会让你感到困惑，它更像是一份关于“如何像一个高效的大脑一样思考演奏”的参考资料。
评分这本号称能“彻底革新”你对古典音乐理解的理论著作，实在是让我又爱又恨。作者以一种近乎学术论文的严谨态度，对巴赫时代到德彪西时期西方和声演变的脉络进行了梳理。书中大量的图表和复杂的和声进行分析，初看令人望而生畏，仿佛置身于一个布满古老乐谱和晦涩符号的图书馆深处。它并不直接教你如何“弹奏”或“练习”，而是专注于“理解”音乐结构背后的逻辑——为什么某个和弦会出现在那个位置，以及这种选择对听觉体验产生的细微心理影响。 比如，关于十九世纪晚期浪漫主义和声如何走向模糊与解构的部分，作者引用了大量的德语和法语文献进行交叉印证，其深度绝对不是市面上那些浅尝辄止的“音乐欣赏指南”可比拟的。然而，对于一个只想提高演奏技巧或者寻找针对性练习曲目的学习者来说，这本书的“有用性”显得非常间接。它更像是一份宏大的音乐哲学宣言，而非一本实用的工具书。我花了好几周才啃完其中关于“调式与调性张力平衡”的章节，收获是思维上的拓展，但手指上的进步，却是微乎其微。如果你对音乐史和音乐分析有着近乎痴迷的热爱，这本书是不可多得的瑰宝，能让你在知识的海洋里尽情遨游，但若期待它能让你明天就能完美演奏一首李斯特的练习曲，那恐怕要大失所望了。它提供的是知识的广度，而不是技艺的深度。
评分不得不说，这本书的装帧设计非常古典，纸张厚实，印刷清晰，透着一股老派学院派的气息。然而，内容上的“务实性”却是我最为诟病的一点。它仿佛是某个音乐学院教授在醉心于自己的学术研究后，仓促整理出的讲义集，缺乏明确的教学逻辑和循序渐进的引导。它更像是一个思想的“矿藏”，里面充满了各种零散的洞见和精辟的观察，但需要读者自己去挖掘和整合。 举例来说，书中对“触键深度”的探讨，居然穿插了对十五世纪鲁特琴演奏法的历史性对比，虽然有趣，但对于一个急需解决当前钢琴演奏中力度控制问题的学生来说，这种跨越数百年的对比，显得有些“跑题”。它提供的不是一个清晰的“A到B”的学习路径，而是一张充满岔路的地图，每条岔路都通向一个有趣的知识点，但你得自己决定哪条路能帮你最快到达目的地。我花了大量时间试图整理出作者的练习体系，但发现根本不存在一个统一的、可复制的体系。它更像是对各种高级练习理念的“观察报告”，而不是一套可供执行的“训练计划”。如果你喜欢在阅读中进行大量的自我构建和推导，这本书会很带感；但如果你需要的是一份清晰的、可立即上手的练习指南，那么你可能会感到非常受挫。
评分这本书的语言风格极其散文化，读起来有一种漫步在知识花园中的感觉，但这种散漫也带来了结构上的松散。作者似乎对某个特定的练习流派，比如像布索尼那种强调全面发展的理念抱有强烈的倾向，但这种倾向并未转化为清晰的章节划分或重点突出。我发现自己反复阅读那些关于“内在节奏感”和“听觉空间感”的章节，因为这些概念对我来说最为抽象也最难把握。 书中对节奏的描述，已经超越了传统的节拍概念，上升到了“时间维度上的雕塑”的高度。作者用各种隐喻，比如将节奏比作呼吸的起伏、建筑的支撑结构等等，试图引导读者超越机械的数拍子。这种描述无疑为音乐的感性理解增添了色彩，但当我试图将这些高度抽象的描述转化为具体到键盘上的动作时，我发现自己无从下手。书中几乎没有提供任何关于“如何训练手指以适应这种高级节奏观”的直接方法。它提供了一个完美的理论愿景，一个理想中的演奏状态，但对于如何搭建从当前状态到达那个愿景的桥梁，它显得力不从心，或者说，作者认为搭建桥梁这件事，是学习者自己的“悟性”问题，而非教学内容本身。因此，这本书更适合作为一种思想启发和理念提升的辅助读物，而非核心的技巧教材。
评分我是在朋友的强烈推荐下买了这本厚重的精装本，原本以为它会像那些市面上常见的“钢琴演奏秘籍”一样，用充满激情的语言和大量的练习范例来鼓舞人心。结果，这本书的风格却极其内敛、克制，甚至可以说有些冷峻。它似乎完全专注于对“方法论”本身的解构，而不是提供任何立即可用的“药方”。整本书的布局更像是哲学思辨集，充满了对“高效练习的本质”这个概念的反复叩问。 作者反复强调，所有的外部技巧都是次要的，关键在于建立一套内在的、可自我修正的“听觉反馈系统”。书中花了近乎三分之一的篇幅来讨论“如何聆听自己的演奏”，这部分内容非常深刻，它要求读者在弹奏时，不仅要关注指尖的力度和速度，更要像一个外科医生般精准地剖析声音的每一个微小瑕疵。这种要求高得令人咋舌，它几乎颠覆了我过去数十年培养起来的肌肉记忆和习惯。读完之后，我试着按照书中的“三段式内审”进行练习，结果发现速度慢得惊人，但对音色的控制确实有了一些前所未有的细微察觉。这本书的价值在于它提供了一种全新的“心智模型”，迫使你从根源上反思你的学习态度。对于那些已经达到一定演奏水平，但感觉遇到了瓶颈、需要思维跃迁的乐者来说，这本书或许是一剂猛药，但对于初学者，我恐怕要建议先找些更直接的教材。
评分真的很有用，只是弹完后生无可恋……
评分不算实用
评分还是哈农靠谱
评分还是哈农靠谱
评分乾坤大挪移: 凡人需練三十年。
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