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出版者:华中师范大学出版社

作者:陈龙海

出品人:

页数:276

译者:

出版时间:2005-12

价格:20.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787562232704

丛书系列:文学理论批评建设丛书

图书标签:

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《中国线性艺术论》 引言 艺术，作为人类情感与智慧的结晶，跨越时空的界限，以其独特的语言诉说着文明的变迁与个体的生命体验。在中国悠久的艺术史长河中，线条作为一种最基础、最原始的视觉元素，扮演着至关重要的角色。它不仅仅是勾勒形体的工具，更是传达意境、表达情感、象征宇宙秩序的载体。本书《中国线性艺术论》旨在深入剖析中国艺术中线条的独特美学意蕴、表现手法及其历史演进，以期勾勒出中国艺术精神中那条纤毫毕现、意蕴无穷的“线”的发展轨迹。 第一章：线条的本质与哲学根源 在中华文化中，“道”是理解一切事物的核心概念，而“道”的具象化表达，常常与“线”紧密相连。《道德经》有云：“无形而能长生，无名而能万物之母。” “道”的虚无缥缈，恰如不受拘束的自由线条；“道”孕育万物，则如线条勾勒出的勃勃生机。因此，理解中国艺术中的线条，必须追溯其哲学根源。 “气”与线条的流动性： 中国古代哲学强调“气”是构成世界万物的基本元素。“气”无形无质，却无处不在，其运动变化构成了宇宙的生生不息。在艺术中，线条的流畅、顿挫、粗细、浓淡，都承载着“气”的律动。一笔下去，既是墨的痕迹，也是“气”的运行。书法中的飞白、国画中的游丝描，无不体现了对“气”的捕捉与传达。这种流动性赋予了线条以生命，使其超越了单纯的形体描摹，成为情感与精神的载体。 “阴阳”与线条的对比： 中国哲学中的“阴阳”二元对立又相互依存，构成了世界万象的运行规律。在视觉艺术中，“阴阳”的辩证关系体现在线条的刚柔、疏密、虚实、曲直之中。刚劲有力的线条象征着阳刚之气，而柔美婉转的线条则代表阴柔之美。墨色的浓淡变化，也如同光影的对比，营造出空间的层次感和体积感。这种对比的运用，使得线条的表现力更为丰富，能够塑造出多维度的视觉感受。 “虚实相生”与线条的呼吸感： “虚”与“实”在中国艺术中是相互转化的概念。画面中的实处，是可见的物象，由线条勾勒而成；而虚处，则是留白，是空间的延伸，是观者想象力的驰骋之地。线条的运用，在“实”与“虚”之间搭建起桥梁。一句诗、一幅画，留白之处往往比描绘之处更具深意，它让线条有了“呼吸”的空间，让作品充满了无限的可能性。这种“虚实相生”的哲学，使得中国线性艺术在简洁中蕴含着无穷的韵味。 第二章：书法——线条的极致表现 在中国艺术体系中，书法无疑是线条艺术的集大成者。它不仅仅是文字的记录，更是艺术家性情、学养、境界的直接流露。历代书法大家的笔墨精神，为后世线性艺术的发展提供了宝贵的范本。 笔墨的“筋骨”： 书法中的用笔，讲究“藏锋”、“露锋”、“中锋”、“侧锋”。不同的运笔方式，能够塑造出线条的不同质感。藏锋如藏玉，蕴含内敛的力量；露锋如剑刃，锋芒毕露。中锋行笔，则使线条圆润饱满，有如“屋漏痕”；侧锋运笔，则线条棱角分明，极富变化。这些技法共同构成了线条的“筋骨”，赋予了其力量感、韧性和弹性。 结构与章法的“呼吸”： 点画的组合，字的结构，以及整幅作品的布局，共同构成了书法的章法。字与字之间、行与行之间的呼应与顾盼，如同人体的呼吸吐纳，使得整幅作品充满了生命力。楷书的端庄严谨，行书的流畅洒脱，草书的奔放恣意，隶书的古朴典雅，每一种书体都体现了线条的不同表现姿态。颜真卿的雄浑，王羲之的飘逸，苏轼的丰腴，赵孟頫的秀丽，各具特色，却都跳脱出墨的束缚，直抵精神的深处。 情感的载体： 书法不仅仅是技法的展现，更是情感的宣泄。艺术家在挥毫泼墨之际，将喜怒哀乐、人生际遇注入笔端。古人评价书法“龙跳天门，虎卧凤阙”，正是对线条所能传达的勃勃生机与无穷力量的赞美。一幅好的书法作品，能够让观者感受到作者的心绪起伏，体会到其内在的精神世界。 第三章：国画中的线条：骨法与神韵 中国画，素有“水墨画”之称，其灵魂在于线条的运用。线条在中国画中，承担着勾勒物象、表现质感、营造意境等多重使命。 “骨法用笔”的精髓： “骨法用笔”是中国画创作的重要原则，强调线条的力度、韧性和造型能力。画家通过对线条粗细、浓淡、干湿、方圆的精准控制，赋予物象以骨骼。例如，描绘山石，用“披麻皴”、“斧劈皴”，线条的起伏转折，仿佛岩石的肌理；描绘树木，用“折带皴”、“牛毛皴”，线条的挺拔与柔韧，展现了树木的形态与生命力。这种“骨法”，是线条的内在支撑，是画作的生命之源。 “随类赋彩”与墨分五色： 虽然中国画以水墨为主，但对色彩的运用也极为讲究，且往往通过墨色的变化来体现。墨分五色，即浓、淡、干、湿、润，通过对这些变化的处理，画家能够创造出丰富的层次感和体积感，使得画面更加生动。线条与墨色的结合，使得物象的质感得以充分展现。例如，描绘丝绸，线条的流畅与墨色的晕染，仿佛能感受到其轻盈与光泽；描绘古铜器，线条的古拙与墨色的沉凝，则赋予了器物厚重历史感。 意境的营造与留白艺术： 中国画强调“写意”，即不仅仅描绘物象的形，更重要的是表达其神韵和意境。线条在这里扮演着至关重要的角色。艺术家通过简练的线条，捕捉物象的本质特征，并通过“留白”来营造深远的意境。一两笔勾勒出的远山，几点墨迹点染的飞鸟，都能引发观者无限的遐想。这种“计白当黑”的艺术手法，使得画面在简洁中蕴含着无穷的张力，让观者在虚实之间体味艺术的真谛。 第四章：工艺美术中的线条：装饰与象征 在中国传统工艺美术中，线条同样是不可或缺的构成要素，它不仅具有装饰功能，更承载着丰富的象征意义。 青铜器与玉器的线条之美： 中国古代青铜器和玉器，以其精湛的工艺和独特的艺术风格闻名于世。器物上的纹饰，如饕餮纹、龙纹、凤纹等，无一不是通过线条的勾勒与组合而成。这些线条有的雄浑壮丽，有的婉转流畅，有的神秘抽象，它们不仅增强了器物的视觉美感，更寄托了人们对神灵的崇拜、对自然力量的敬畏以及对美好生活的祈愿。玉器上的线条，则常常表现出温润、内敛、含蓄的美感，如“云雷纹”、“谷纹”，象征着吉祥、纯洁与永恒。 陶瓷与织绣的图案纹样： 中国陶瓷和织绣艺术，同样是线条的海洋。陶瓷器上的青花纹饰，如龙、凤、花鸟、山水，皆由线条勾勒而成，其疏密有致、变化无穷的线条，使得器物生动活泼。织绣中的图案，如缠枝莲、回纹、祥云纹，更是将线条的装饰性发挥到极致，它们不仅美化了衣物、家居用品，更蕴含着丰富的吉祥寓意，如“富贵”、“连绵”、“吉祥如意”。 建筑与家具的结构线条： 即便是在建筑和家具的结构中，线条也扮演着重要的角色。中国古建筑的飞檐翘角，斗拱飞梁，以及家具的榫卯结构，都体现了线条的力学之美与形式之美。它们既是满足实用功能的支撑，又是富有韵律感的装饰。 第五章：现代艺术的拓展与创新 随着时代的变迁，中国线性艺术也在不断地吸收外来元素，并在传统的基础上进行创新与拓展。 现代绘画中的线条探索： 现代艺术家在继承中国画线条优良传统的同时，也开始尝试新的表现方式。他们可能借鉴西方现代艺术的抽象理念，将线条进行解构、重组，创造出更为大胆、前卫的作品。同时，也有艺术家在当代语境下，重新解读中国传统线条的哲学内涵，赋予其新的生命。 设计领域的线条运用： 在当代设计领域，线条的运用也日益普遍。无论是平面设计、工业设计，还是服装设计，都离不开线条的辅助。艺术家们将线条的流畅性、力量感、装饰性等特质，巧妙地融入到设计作品中，使其更具现代感和视觉冲击力。 跨界融合与新的可能性： 如今，线条艺术的边界正在不断模糊，艺术家们开始尝试将线条与其他艺术形式进行跨界融合，如结合装置艺术、影像艺术、数字艺术等，为线性艺术注入新的活力，探索更多元化的表现形式。 结论 “中国线性艺术论”的探讨，是一场跨越千年的艺术之旅。从哲学思辨到笔墨挥洒，从器物纹饰到现代创新，线条始终贯穿于中国艺术的始终。它不仅仅是一种技法，更是一种精神，一种对宇宙秩序的体悟，一种对生命律动的赞美，一种对东方美学的独特诠释。本书正是希望通过对中国线性艺术的深入剖析，展现这条无声却又充满力量的“线”，在中国艺术史中留下的璀璨印记，以及其在当下与未来所蕴含的无限可能。

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这本书最大的魅力或许在于它对“传统”这个概念的重新审视与解构。它没有简单地将中国艺术置于一个静止的、神圣化的符号系统之中，而是以一种近乎解剖学家的冷静，剖析了其内部的张力、矛盾与持续的演变。我特别留意到作者如何处理不同地域、不同历史时期艺术流派之间的对话与冲突，那种既承认差异又试图寻找共通性的努力，充满了辩证的智慧。它没有给我们一个简单的“标准答案”，而是留下了更多的思考空间，引导我们去质疑那些看似理所当然的艺术分类。这种批判性的视角，使得整本书读起来充满了活力，丝毫没有那种“老生常谈”的沉闷感。它更像是一面镜子，映照出我们自身对艺术史既有的偏见与盲区，迫使我们以一种更为谦逊和开放的心态去面对那些浩瀚的文化遗产。

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从装帧设计和排版布局来看，这本书散发着一种古典的庄重感，纸张的质地和字体的选择都透露出一种对传统的尊重，这与内容本身的严肃性是高度契合的。但奇怪的是，尽管内容如此沉重，我却从中捕捉到了一种难以言喻的、近乎诗意的流动感。作者在论述一些看似枯燥的技法演变时，笔触却能蓦然变得轻盈起来，仿佛突然间拉起了一张巨大的网，将无数分散的艺术节点温柔地连接在一起。这种叙事节奏的张弛有度，使得长篇阅读的疲劳感得到了极大的缓解。它不仅仅是在罗列事实或提出观点，更像是在带领读者进行一次漫长而富有韵律感的艺术漫步。那种从宏观的历史脉络到微观的笔触细节之间自由穿梭的能力，展现了作者极高的叙事驾驭能力。我甚至能想象，如果用朗读的方式来呈现某些精彩的段落，其效果一定会非常震撼人心。

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坦白说，这本书对于刚刚接触相关领域的读者来说，可能略显门槛过高，许多深入的背景知识需要读者自行补充。不过，对于那些已经积累了一定基础，渴望从更深层次理解中国艺术精神内核的求知者而言，这无疑是一笔极其宝贵的财富。它提供了一种全新的分析工具和思维框架，能够有效地将零散的知识点系统化、结构化。我特别赞赏其中对于材料学和工艺流程的细致描述，这些往往是艺术史研究中容易被忽略的“硬核”部分，但作者却将其提升到了与哲学思辨同等重要的地位，这充分体现了他“知行合一”的治学理念。读完之后，我感到自己的知识体系被重新搭建了一遍，看待许多古代器物和绘画时，目光中多了一层理解其物质基础与精神诉求交织的复杂性，这是一种非常扎实且令人满足的学术体验。

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这本书的文字密度实在惊人，读起来需要极大的耐心和专注力。它更像是一篇篇层层递进的学术论文集合，而非一本供人消遣的画册解读。我发现自己不得不时常停下来，反复咀嚼那些拗口的专业术语和复杂的理论框架。作者似乎在构建一个宏大而精密的知识体系，试图用一种近乎数学般的逻辑来梳理和界定某种艺术现象。这种处理方式无疑提升了作品的学术价值，但同时也为普通读者设置了不小的门槛。我欣赏这种毫不妥协的学术精神，但坦白说，在某些段落，我感觉自己像是被推到了一个知识的悬崖边上，稍有不慎便可能坠入迷茫。然而，一旦成功穿透了那些晦涩的表述，所获得的豁然开朗感又是其他任何读物难以比拟的。这本书要求你全身心地投入，与作者一同进行高强度的智力搏击，它挑战的不是你的审美，而是你的理解力与逻辑分析能力。

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初次翻开这本厚重的书，我的心头涌上一股强烈的期待。作者似乎对中国艺术史有着极为深厚的理解，行文间展现出的那种沉稳与老练，让人不由自主地想深入探究他究竟想为我们揭示怎样一番景象。从扉页到目录，我都能感受到一种严谨的治学态度，每一个章节的标题都充满了学术的重量感，仿佛在暗示着，这绝非一本轻松的读物，而是一次对艺术本质的深度挖掘。我尤其被那些涉及早期艺术形态的论述所吸引，作者似乎没有满足于表面的描述，而是试图去触摸那些早已逝去的时代脉搏，去理解古人创作时的心境与他们所处的社会语境。这种追本溯源的努力，在我看来，是任何严肃的艺术研究都不可或缺的基石。书中对于某些经典作品的解析角度，更是新颖独到，一扫往日陈旧的窠臼，让人在熟悉的图像中，重新发现了未曾察觉的纹理与深意。每一次翻页，都像是走入了一个精心构建的迷宫，既有挑战性，又充满了令人沉醉的发现的乐趣。

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当初想写这方面的论文来着……

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性呢？性在哪里？

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