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出版者:Bibliotheque de l'image

作者:Alain Weill

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2000-10-02

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9782914239172

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《巴黎时装：时代洪流中的风格图鉴》 前言 巴黎，这座城市本身便是一件流动的艺术品，而其最耀眼的星辰，莫过于那在塞纳河畔、在香榭丽舍大街、在历史悠久的沙龙中绽放的时尚之花。时装，绝不仅仅是布料的剪裁与缝合，它是一面映照社会变迁的镜子，一个承载文化情感的载体，一次次引领潮流，又一次次在历史的长河中留下属于自己的印记。本书《巴黎时装：时代洪流中的风格图鉴》，旨在深入探索自19世纪末至今，巴黎时装如何从工艺的极致追求，发展成为影响全球的文化产业，如何在每一次社会变革、技术进步、艺术思潮的浪潮中，孕育出独具魅力的风格，并最终塑造了我们对“时尚”的认知。 第一章：最后的贵族时代与新世纪的曙光 (19世纪末 - 20世纪初) 当19世纪的最后一缕阳光洒在巴黎的奥斯曼建筑上，一个时代正悄然谢幕。然而，这个时代留下的遗韵，却为巴黎时装的未来奠定了坚实的基础。高级定制（Haute Couture）的概念在此期间逐渐成型，那些技艺精湛的裁缝们，如同打造珠宝一般，用最精密的针脚、最奢华的面料，为贵族名媛们量身定制独一无二的礼服。这个时期的时装，讲究的是廓形的严谨，细节的繁复，以及对身体线条的恰到好处的衬托。紧身胸衣勾勒出沙漏般的曲线，层层叠叠的裙摆彰显着身份与地位。 然而，新世纪的到来，也带来了全新的气息。印象派绘画的兴起，模糊了轮廓，强调光影与色彩的运用，这种艺术精神也开始渗透到时装设计之中。一些前瞻性的设计师，如保罗·波烈（Paul Poiret），开始挑战传统的束缚，他解放了女性的腰身，引入了东方元素，设计出更轻盈、更自由的服装。巴黎，这座城市的魅力，开始以一种更自由、更生动的姿态展现在世人面前。咖啡馆里的谈笑风生，沙龙里的思想碰撞，都成为了孕育新风尚的温床。 第二章：两次世界大战的间歇与女性解放的步伐 (20世纪初 - 1940年代) 两次世界大战的阴影，无疑给整个世界带来了巨大的冲击，巴黎时装也不例外。战争期间，资源匮乏，人们的生活重心转向实用与节俭。服装的设计也变得更加简洁，面料的选择更加朴素。然而，即便在最艰难的时刻，巴黎的女性依旧用她们的智慧与毅力，在有限的条件下展现出优雅与坚韧。 然而，战间的时光，却是巴黎时装突破与创新的关键时期。女性地位的提升，对自由的渴望，促使她们摆脱旧有的束缚。可可·香奈儿（Coco Chanel）的出现，无疑是这个时代最耀眼的星光。她倡导简约、舒适、实用的时尚理念，用经典的斜纹软呢套装、小黑裙、珍珠项链，彻底改变了女性的着装方式。她赋予了服装一种独立、自信的精神，让女性的美不再是单纯的被动展示，而是主动的自我表达。同时，伊夫·圣·洛朗（Yves Saint Laurent）的前身，迪奥（Christian Dior）在战后推出的“新风貌”（New Look），则以其奢华的廓形、精致的剪裁，在经历战乱的人们心中点燃了对美好生活的向往，再次证明了巴黎时装的复兴力量。巴黎，在这个时期，成为了女性解放与新时代精神的代言者。 第三章：摇摆的60年代与朋克的反叛 (1950年代 - 1970年代) 20世纪60年代，是属于青年人的时代，也是一场席卷全球的文化革命。巴黎，作为时尚的中心，自然也成为了这场革命的舞台。迷你裙的出现，大胆的色彩碰撞，以及受青年文化影响的自由设计，都打破了传统的审美界限。安德烈·库雷热（André Courrèges）、皮埃尔·卡丹（Pierre Cardin）等设计师，以未来主义的视角，将科技与时尚相结合，创造出前所未有的视觉冲击。巴黎的街头，涌动着年轻的活力与创造力，时装不再是少数人的专属，而是大众表达个性的工具。 然而，革命的浪潮并未止步。70年代，一股更强烈的反叛力量在伦敦兴起，并迅速蔓延至巴黎。朋克（Punk）风格的出现，以其粗犷、破裂、DIY的特点，对既有的时尚体系发起了挑战。撕裂的衣物、金属的配饰、大胆的妆容，都在宣示着对主流文化的蔑视。尽管朋克并非完全诞生于巴黎，但它所代表的颠覆精神，却也在这个时期深刻地影响了巴黎的时装界，促使设计师们更加大胆地探索边缘与非主流的可能性。这个时期，巴黎时装的定义变得更加多元，包容了从优雅到激进的各种风格。 第四章：精英主义的回潮与商业帝国的崛起 (1980年代 - 1990年代) 当80年代的经济泡沫开始膨胀，一股新的精英主义浪潮席卷而来，也重塑了巴黎时装的面貌。奢华、权力、以及对品牌标志的强调，成为了这个时代的关键词。设计师们开始构建属于自己的时尚王国，品牌效应被前所未有地放大。乔治·阿玛尼（Giorgio Armani）以其简洁、干练、充满力量感的西装，塑造了现代都市精英的形象。而缪西娅·普拉达（Miuccia Prada）则以其独到的设计理念，在经典与前卫之间游走，为时尚界注入了新的思考。 90年代，在经历了80年代的浮华之后，一种更内敛、更强调质感和细节的风格开始流行。极简主义（Minimalism）的兴起，让设计师们回归服装的本质，注重面料的垂坠感、剪裁的精准度，以及低调的色彩搭配。然而，这并不意味着风格的沉寂，相反，这种对细节的极致追求，恰恰是巴黎时装深厚底蕴的体现。同时，全球化的进程加速，巴黎的时尚影响力也进一步扩张，奢侈品巨头开始崛起，将巴黎的时尚触角伸向世界的每一个角落。这个时期，巴黎时装在保持其艺术性的同时，也完成了商业上的巨大飞跃。 第五章：新千年与多元化的时尚图景 (21世纪初至今) 进入21世纪，巴黎时装的舞台变得更加多元，也更加充满活力。互联网的普及，社交媒体的兴起，彻底改变了时尚传播的方式。设计师们不再仅仅依赖于传统的时装发布会，而是通过各种线上线下渠道，与全球的消费者建立直接的联系。 这个时期，巴黎时装面临着新的挑战与机遇。一方面，对可持续时尚、环保理念的关注日益增强，促使设计师们在材料选择、生产方式上进行革新。另一方面，街头文化、运动风格的融入，以及来自世界各地的设计力量，使得巴黎时装的风格更加丰富和包容。从亚历山大·麦昆（Alexander McQueen）的戏剧性表达，到川久保玲（Rei Kawakubo）的解构主义，再到新兴设计师们对传统元素的颠覆与重塑，巴黎时装的定义在不断被拓展。 如今的巴黎时装，既保留了其对工艺、对经典的尊重，又展现出对未来、对创新的不懈追求。它不再是高高在上的象牙塔，而是更加贴近生活，更加个性化，也更加富有社会责任感。巴黎，依旧是那个引领潮流的时尚之都，但它的风格图鉴，正在被每一个热爱时尚、勇于表达自我的个体，不断地书写和丰富。 结语 《巴黎时装：时代洪流中的风格图鉴》，并非对某一个特定设计师或某一件作品的细致描摹，而是试图勾勒出一条从历史深处蜿蜒而来，流淌至今的时尚脉络。它关乎穿着，也关乎哲学；它关乎美学，也关乎社会；它关乎法国，也关乎世界。通过回顾这些时代变迁中的风格印记，我们得以窥见巴黎时装为何能够历久弥新，永葆魅力。它是对过往的致敬，更是对未来的启示。在这个瞬息万变的时代，理解巴黎时装的演变，便是理解一种关于优雅、关于创新、关于人性不朽追求的精神。

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翻开这本《 Parisian Fashion》，我原本期待的是一场关于高级定制、香榭丽舍大街的流光溢彩的视觉盛宴，或是对某位传奇设计师生平的深度挖掘。然而，我得到的却是一部关于十九世纪末巴黎社会变迁的史诗。作者以极其细腻的笔触，描绘了奥斯曼男爵改造巴黎的宏大叙事下，那些隐秘在光鲜亮丽背后的市民生活。书中花了大量篇幅探讨了煤气灯下的咖啡馆文化如何催生了新的审美趣味，以及工人阶级如何通过模仿上流社会的着装风格，进行无声的阶级抗议。我尤其喜欢他对“美好年代”初期，女性服饰中紧身胸衣逐渐松绑那一细节的关注，这不仅仅是时尚的演变，更是对传统束缚的反叛的隐喻。书中引用了大量当时报纸的轶事和私人信件，让历史仿佛触手可及，每一个章节都像一个精心打磨的微型剧本，充满了生活的质感。它探讨了时尚如何成为社会权力和经济地位的即时编码，远超出了单纯的“穿什么”的范畴，而是“如何存在”的哲学命题。对巴黎的城市规划如何影响了人们的“看”与“被看”的互动，那种空间叙事的手法，真是令人拍案叫绝，我原本以为这会是一本轻快的时尚读物，结果却收获了一部扎实的社会史著作，深度与广度都远超预期。

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我得承认，阅读这本书的过程充满了挑战，它的语言风格极其晦涩、充满后结构主义的理论术语，读起来更像是在啃一本法国哲学家的著作，而不是一本面向大众的文化评论。作者热衷于使用复杂的句式和陌生的专业词汇来解构他所观察到的一切。比如，他会用“符号学的异化”来形容一条裙子的褶皱，或者用“能指的漂移”来解释某一种帽子款式的流行与衰亡。我必须频繁地停下来查阅背景资料，才能理解他构建的理论框架。然而，一旦你适应了这种独特的语境，你会发现其洞察力是惊人的。他成功地将美学分析提升到了形而上学的层面，探讨了“美”这种概念在现代性进程中是如何被不断定义、解构和重塑的。书中对“蒙太奇”手法在早期时尚摄影中的应用进行了精彩的论述，分析了摄影师如何通过剪辑和构图来人为制造一种“永恒的优雅感”。这本书极大地拓宽了我对文化批评边界的认知，它要求读者带着批判性的、去中心化的视角来审视一切既定的“美”的范式。

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令人意外的是，这本书充满了对“流浪者”（Flâneur）哲学的致敬与反思，探讨了在城市空间中漫步的观察者如何构建他/她的社会图景。作者将注意力完全放在了那些行走在巴黎街头的人们，而不是那些在沙龙里坐着的人。他关注的是鞋子的磨损程度、风衣的褶皱、雨伞的开合瞬间，这些都被视为个体叙事和身份构建的文本。书中对“行走的身体”如何与城市空间进行动态的、非语言的对话进行了深入的探讨，这种“身体政治学”的视角令人耳目一新。有一章专门描述了巴黎的电车系统如何改变了人们的通勤节奏，以及这种节奏如何反过来影响了日常着装的实用性需求。这本书的风格是高度主观的，几乎带着一种诗意的、近乎浪漫的散文体，充满了对“瞬间”的捕捉和对“运动”的赞美。它让我意识到，时尚的历史，其实就是人类在城市中移动的历史，是一种永不停歇的、充满能量的动态过程。

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这本书的叙事节奏如同塞纳河畔的晨雾，缓慢而富有层次，充满了令人沉思的间隙。与其说它是一部关于“时装”的记录，不如说它是一部关于“记忆”的考古学报告。作者似乎对服装本身兴趣不大，反倒是对服装背后的“气味”——旧皮革的味道、香水与烟草混合的复杂气息，以及新印染布料散发出的化学味道——进行了近乎偏执的描摹。这种感官层面的描写，让我仿佛能穿越时空，站在1890年代的街角，真实地感受那份历史的粗粝感。书中有一段关于巴黎裁缝店的内部运作的描写，详述了学徒们如何夜以继日地工作，以及他们对设计草图的敬畏与迷恋，这种对“手艺人”精神的歌颂，在这个流水线时代显得尤为珍贵。它没有华丽的图版，没有T台秀的激情澎湃，有的只是对一件旧大衣的纤维结构、磨损程度的冷静分析，以及通过这些物理痕迹来推断其主人生平的严谨推理。读完后，我对于“风格”的理解从表面的装饰性，转向了内在的结构性和历史的重量感，这绝对是一本需要反复研读，才能体会其中深意的学术性读物。

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这本厚重的书，与其说是关于“巴黎”的，不如说是关于“光线”的。作者花了近三分之一的篇幅，来探讨光线如何塑造了巴黎的视觉文化，特别是从自然光到人工照明的转变，对室内设计和服装面料的色彩表现力产生了何种颠覆性的影响。他详细比较了不同类型玻璃窗折射光线的差异，以及早期的镁光灯对模特的皮肤色调造成的影响，简直像一位痴迷于物理学的艺术家。书中穿插了大量的建筑学和光学知识，让我这个对科学不甚了解的读者，也对如何“看”产生了全新的敬畏感。他认为，时尚的本质，其实是对光线的捕捉和反射的艺术。书中甚至有一章专门分析了特定年份的黄昏时分，塞纳河畔特定角度的金色光芒，是如何成为当时画家和摄影师追求的终极背景的。读完此书，我再看任何历史图片时，都会不自觉地分析那光线的来源和质量，它彻底改变了我观察世界的方式，而这种改变，与巴黎的衣着款式本身几乎没有直接关系。

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