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出版者:Thames & Hudson

作者:Dawn Ades

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:1999-06-01

价格:USD 16.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780500203224

丛书系列:

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《马塞尔·杜尚》：颠覆与重塑艺术的生命轨迹 本书并非一本简单罗列艺术品目录的著作，也非对某位特定艺术家的作品进行详尽学术分析的例行公事。它是一次深入的旅程，一次对艺术边界的探索，更是一场关于“观看”与“存在”的深刻对话。这本书的主角，毋庸置疑，是马塞尔·杜尚——一个如彗星般划过二十世纪艺术史的巨匠，一个以其无可比拟的智慧和近乎任性的姿态，彻底颠覆了艺术的定义、创作的本质乃至观者的角色。 我们翻开这本书，并非为了学习“读懂”杜尚的某件作品，而是为了理解他如何“看见”世界，以及他如何鼓励我们也这样做。他那些被后人奉为圭臬的“现成品”（readymades），如《泉》那般惊世骇俗，表面上看是一种“现成”的挪用，但其背后所蕴含的，是对艺术创作主体性、原创性以及艺术品价值判断标准的深刻质疑。这并非简单地将一件物品摆放在美术馆里，而是通过艺术家的选择、命名和展示，赋予其新的意义，迫使我们重新审视“艺术”究竟是什么，以及是什么让一件物品成为“艺术品”。本书将引导读者绕过那些流于表面的解读，去触碰杜尚在那一刻所抛出的哲学命题：当艺术家不再亲手制作，当创作变成一种概念，当日常物件被置于神圣的殿堂，艺术的界限在哪里？它将邀请你去感受那种强烈的挑战感，那种打破常规的冲动，以及艺术家在那一刻所扮演的“思想家”而非“工匠”的角色。 这本书不拘泥于杜尚某个特定时期的风格演变，例如他早期印象派、立体派的探索。当然，这些早期的实践为他后来的突破奠定了基础，也展示了他惊人的学习能力和对新思潮的敏锐捕捉。然而，本书的重点在于，杜尚是如何在这些相对“传统”的艺术语言中，已经开始孕育出他日后颠覆性的思想。他如何利用色彩、形式、空间来解构和重组视觉元素，这本身就是一种思维的实验。但更重要的是，他并没有止步于此，而是开始思考，这些视觉语言之外，还有什么能够成为艺术的载体？他对于“非视网膜”艺术的强调，即艺术的感知不应仅仅局限于眼睛的视觉，更应该触及智力、情感和概念层面，这一点将是本书着重深入探讨的。 我们将一起回顾杜尚一系列重要的“装置”和“概念作品”。但请注意，这里的“装置”并非现代意义上那种占据空间、多重感官体验的复杂设置。杜尚的“装置”往往是极简的，甚至是“空无”的。他如何利用空间关系、时间维度，甚至是一种“不在场”来构建他的艺术？例如，《玫瑰·斯克拉普》的“盒子”，里面装着他所有作品的缩微复制品和手稿。这与其说是一件作品，不如说是一个“作品的博物馆”，一个关于他自身艺术实践的元评论。它不再指向某个单一的艺术品，而是指向他整个艺术生涯的理念和过程。本书将细致地剖析这些作品背后的逻辑，不是为了模仿，而是为了理解那种“少即是多”的智慧，以及艺术家如何通过最精炼的表达，引发最深刻的思考。 本书还将深入探讨杜尚与“语言”的关系。他不仅是一位视觉艺术家，更是一位杰出的语言玩家。他对双关语、文字游戏、以及文字与图像之间暧昧关系的运用，达到了炉火纯青的地步。他的作品《新娘，甚至被光棍们剥光了》（The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even），又称“大玻璃”（The Large Glass），就是语言与视觉、机械与生物、理性与情欲交织的奇妙产物。它是一个极其复杂的系统，一个充满隐喻和象征的迷宫。本书将尝试剥离那些晦涩的解读，去呈现杜尚如何利用文字来挑战我们固有的认知，如何通过语言的歧义和开放性，让艺术的意义无限延伸。他不仅仅是在“画”，更是在“说”，在“思考”，在“游戏”。 我们也将触及杜尚晚年对于国际象棋的热情。许多人认为这只是他艺术生涯之外的一段插曲。然而，本书将从一个更宏观的视角来审视这一点。杜尚在国际象棋中所追求的策略、计算、以及每一次落子都可能引发的连锁反应，与他在艺术创作中所展现的思维方式有着惊人的相似之处。他将国际象棋视为一种“艺术”，一种“智力的博弈”。这种将看似分离的领域融合在一起的思维模式，正是杜尚艺术的核心特征之一。他打破了艺术与生活、艺术与游戏、艺术与科学之间的界限，展现了一种高度整合的生命哲学。 这本书的叙述方式，不会是枯燥的编年史，也不会是艰深的理论堆砌。它更像是一次与杜尚这位“智者”的对话，一次心灵的碰撞。我们将跟随他的足迹，去感受他所处的时代背景，理解他为何会做出那样看似“离经叛道”的选择。我们会看到，杜尚并非一个孤独的叛逆者，他的思想与二十世纪初涌现出的各种哲学、科学和社会思潮息息相关。他对时间的感知，他对不确定性的接受，他对现实的解构，都深深地烙印着那个时代的印记。 本书旨在激发读者自身的思考，而不是提供一套现成的答案。杜尚的伟大之处在于，他永远没有给予观众一个明确的“正确”解读。他所做的，是为你打开一扇门，让你看到一个全新的视野，然后鼓励你自己去探索。他不是一个告诉你“看什么”，而是告诉你“如何看”的艺术家。他让我们意识到，艺术并不仅仅是挂在墙上的物件，它是一种思考的方式，一种与世界互动的方式，一种关于生命本身存在状态的表达。 这本书的价值，不在于它提供了多少关于马塞尔·杜尚的“事实”，而在于它能否让你重新审视自己对艺术的理解，对创造的定义，以及对生活中那些习以为常事物的看法。它是一本关于“可能性”的书，关于打破预设，关于永不止息的好奇心，以及关于艺术家如何以其独特的方式，为我们拓展认知的边界。当你合上这本书，希望你感受到的，不是对一位伟大艺术家的崇拜，而是自己内心深处那种被唤醒的、对世界充满好奇与探索的冲动。这，或许才是马塞尔·杜尚真正的艺术遗产。

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读完这本书，我产生了一种奇特的认知失调：既感到极度的充实，又好像什么核心内容都没被“记住”。这种“无痕的充实感”是它最迷人的特质。它不像其他艺术理论书籍那样，给你一堆可以引用的论断或固定的标签去套用世界，而是彻底清空了你的知识容器，让你不得不重新从零开始审视那些被我们奉为圭臬的“原创性”和“天才”的光环。书中对创作过程的解构，简直是现代资本主义逻辑对艺术领域渗透的精彩预演。作者笔下的人物，似乎永远在玩弄着规则制定者的游戏，他们不是在创作艺术，而是在创作关于艺术的讨论本身。我欣赏它那种近乎冷酷的幽默感，那种在严肃的理论探讨中不经意流露出的对“严肃性”本身的嘲讽。这本书让人反思，我们究竟是在欣赏作品，还是在欣赏自己“能够欣赏”作品的能力？它像一面涂了特殊涂层的镜子，映照出我们自身在文化消费中的那种优越感和盲区。我带着一种被重新格式化过的心态离开了这本书，仿佛我的感官系统被重新布线了一遍，世界不再是黑白分明的，而是充满了模糊的、却又充满张力的中间色调。

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坦白说，初读此书，我被其叙事的跳跃性和主题的散漫性弄得有些措手不及，感觉自己像是在一个巨大的、由无数概念节点构成的迷宫中摸索。作者似乎放弃了传统传记或艺术史的线性逻辑，转而采用一种近乎意识流的碎片化结构，这对于习惯于清晰因果链条的读者来说，无疑是一种挑战。书中充满了大量晦涩难懂的术语和只有圈内人才懂得的典故，使得每一次深入阅读都像是在攀登一座知识的冰山，每向上挪动一步，都需要耗费极大的心力去校准自己的参照系。然而，正是这种不妥协的难度，反而带来了一种独特的阅读快感——那种终于破解了一个复杂谜题后的瞬间释放。书中对于“时间性”与“偶然性”的讨论，尤其令人印象费思量。它没有给出任何明确的答案，反而如同一个狡黠的魔术师，在你以为看穿了手法时，又在你身后变出了一个更令人困惑的物体。它不是一本让你轻松消遣的书，它更像是一次智力上的角力，要求你全神贯注，甚至需要反复回溯，去捕捉那些稍纵即逝的意图。我喜欢这种不被喂养的感觉，作者将原材料摆在你面前，让你自己去烹饪，即使最终的成品可能带着些许生涩和未完全融合的味道。

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这本书的装帧设计本身就充满了某种令人玩味的疏离感，那种冷峻的、近乎医疗器械般的白色背景，配上字体锐利如刀锋的标题，让人一上手就感觉自己进入了一个精心布置的、充满智力陷阱的空间。我是在一个阴雨连绵的周末翻开它的，起初带着一种朝圣者的严肃，期望能被某种宏大叙事所吞没，然而，书中呈现的并非历史的洪流，而更像是一系列被精确切割的、闪烁着奇特光芒的碎片。作者的笔触如同精密的手术刀，毫不留情地解剖着我们习以为常的艺术定义，那种对既有体系的挑战，与其说是激进，不如说是一种近乎孩童般纯粹的好奇心驱使下的拆解。读到后半部分时，我发现自己不再试图去“理解”每一个论点，而是开始享受那种被引导着，不断质疑自己先前判断的智力游戏。它迫使你承认，艺术的价值可能并不在于它“是什么”，而在于它成功地“使你停止思考”了什么。那是一种非常个人的、私密的顿悟体验，读完后，我看着房间里的任何一件日常物品，都开始用一种全新的、带有审视意味的眼光去看待，仿佛它们随时可能被抽离出原有的功能，升华为某种纯粹的概念载体。这书就像一剂强效的清醒剂，让人对“美”这个概念产生了深刻的、甚至有点不安的怀疑。

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这本书读起来，最强烈的感受是“空气感”——一种强烈的、令人窒息的“无意义的确定性”。作者在论述过程中所展现出的那种近乎机械的冷静和精确，完全剥离了任何煽情或主观的色彩，仿佛他是在用一种客观的、宇宙尺度的视角来审视人类文明中那些最荒谬却又最被奉为圭臬的创造。我尤其对其中关于“现成品”的分析印象深刻，那段文字几乎是以一种近乎哲学辩证的方式，探讨了“制造”与“选择”之间的权力转移。它没有停留在对具体作品的赞美或贬低上，而是将焦点放在了机制本身——艺术是如何被制度化、被语言化，最终被消费的。这种抽丝剥茧的能力，令人不寒而栗，因为它揭示了我们日常生活中许多被视为神圣不可侵犯的范畴，其基础可能比我们想象的要脆弱得多。这本书的行文风格极为克制，几乎所有的能量都内敛于字里行间，要求读者自己去填补那些留白之处，去感受那些被刻意压抑的情绪暗流。读罢，我感觉自己的世界观像被一股看不见的气流轻轻吹过，表面波澜不惊，但底层结构已经发生了微妙的位移。

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这是一本需要用“身体”去阅读的书，而不仅仅是用眼睛。我发现自己时常在阅读过程中停下来，做一些看似无关紧要的动作：拿起桌上的一个笔帽，仔细端详它的边缘，然后把它放在一个完全不属于它的位置上。这种阅读体验的构建，很大程度上归功于作者对“非艺术行为”的极度推崇与细腻描摹。书中对日常动作和空间关系的探讨，极其具有画面感和空间感，让人仿佛能亲身参与到那些被记录下来的、看似平淡无奇的时刻中去。它不是在描述一个伟大的艺术家的生平，而是在重构一种看待世界的“方法论”。作者的语言像极了某种精确的测量工具，每一个词汇的选用都像是经过反复称量，没有一个多余的形容词，也没有一句可以被轻易跳过的铺垫。这种近乎仪式感的书写，反而营造出一种疏离的、超验的氛围。我不得不承认，这本书的门槛很高，如果你期待的是一本能带你轻松进入某个艺术殿堂的导览手册，那一定会大失所望。它更像是一套需要不断校准才能使用的望远镜，只有当你愿意调焦到那个特定的、略微失真的频率时，才能窥见作者试图展示的那个广袤而奇异的景观。

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