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出版者:Book Sales

作者:Richard Taylor

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-01

价格:USD 9.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780785818052

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动画技艺百科全书：探索光影与想象的无限可能 《动画技艺百科全书》是一部旨在全面深入地剖析动画制作方方面面的权威性参考书。它并非一本故事集，也不是一部艺术画册，而是一份详尽的技术指南，一份献给所有热衷于将静态画面赋予生命，将奇思妙想转化为跃动影像的创作者、爱好者以及学术研究者的工具书。本书力求提供一个清晰、系统且深入的框架，帮助读者理解、掌握并创造出令人惊叹的动画作品。 一、 动画的基石：原理与发展 在深入探讨具体技法之前，本书首先会铺陈动画产生的基本原理。我们将追溯动画的起源，从早期光学玩具的实验，如佐特罗普（Zoetrope）和费纳奇斯托（Phenakistoscope），到卢米埃尔兄弟（Lumière brothers）的电影诞生，再到迪士尼（Disney）等先驱者在逐帧绘制和关键帧技术上的突破。我们会详细解析“视觉暂留”和“phi现象”等核心视觉感知原理，解释它们如何被巧妙运用，使一系列静态图像在人眼中产生连贯的运动错觉。 本书将引导读者了解不同动画时代的标志性技术进步。从手绘赛璐珞动画的黄金时代，到定格动画（Stop-motion animation）的物质性魅力，再到计算机图形学（Computer Graphics, CG）的崛起如何彻底改变了行业面貌。我们会探讨早期动画师如何克服技术限制，用非凡的创造力创造出至今仍为人称道的经典；也会分析数字化浪潮如何带来新的工具、新的可能性，同时也提出了新的挑战。 二、 传统动画的艺术与工艺 即使在CG技术日益普及的今天，传统动画的技法依然是理解动画语言不可或缺的组成部分。《动画技艺百科全书》将投入大量篇幅，系统梳理和讲解这些经典方法。 逐帧动画（Frame-by-Frame Animation）： 这是最基础也是最具挑战性的动画形式。本书将详细解析绘制原理，包括如何设计关键帧（Keyframes）和中间帧（In-betweens），如何运用“延时”和“加速”来表现动作的节奏感。我们将深入研究“12条动画基本原则”（12 Principles of Animation），如挤压与伸展（Squash and Stretch）、预备动作（Anticipation）、弧线（Arcs）、二次动作（Secondary Action）、延时（Timing）、夸张（Exaggeration）、扎实的造型（Solid Drawing）、面向观众（Staging）、对称与不对称（Straight Ahead Action and Pose to Pose）、聚焦与模糊（Slow In and Slow Out）、重叠与跟踪（Overlapping Action and Follow Through）、以及声音与动作的配合（Appeal）。每一条原则都将配以丰富的实例分析，揭示其在塑造角色性格、增强动作表现力方面的关键作用。 剪纸动画（Cut-out Animation）： 这种形式通过移动预先制作好的二维或三维物件的各个部件来实现动画。本书将探讨剪纸动画的材料选择、关节设计、以及如何通过精巧的构图和光影处理来赋予纸片生命。 粘土动画/定格动画（Claymation/Stop-Motion Animation）： 粘土动画以其独特的质感和可塑性吸引着无数创作者。本书将详细介绍粘土材料的选择、模型的制作、拍摄过程中可能遇到的挑战，以及如何利用微小的动作变化创造出细腻逼真的表演。同时，也会涵盖木偶动画、道具动画等其他定格动画形式，分析其各自的特点与表现力。 沙画动画（Sand Animation）： 这种如行云流水般的动画形式，通过在玻璃板上移动沙子来创作。本书将解析其拍摄技巧，以及如何通过光线的变化和沙粒的堆积来营造梦幻般的视觉效果。 其他传统技法： 我们还将涉猎如墨水动画（Ink Animation）、木偶动画（Puppet Animation）等，展现传统动画的多样性与实验性。 三、 数字动画的革新与演进 计算机图形学的出现，为动画创作带来了前所未有的效率和表现力。本书将系统阐述数字动画的核心技术和流程。 二维数字动画（2D Digital Animation）： 矢量动画（Vector Animation）： 介绍基于数学公式的矢量图形在动画制作中的优势，如何实现无损缩放和流畅的线条运动。 位图动画（Bitmap Animation）： 讲解像素级动画的制作流程，如何利用数字绘图板和动画软件进行逐帧绘制，以及如何在数字环境中模拟传统绘画的笔触和质感。 骨骼绑定与形变（Skeletal Rigging and Deformation）： 深入剖析如何为二维角色建立骨骼系统，通过控制骨骼的运动来驱动角色的形变，从而实现更高效、更自然的动画制作。 软件与工具： 介绍主流的二维动画制作软件，如Adobe Animate (Flash)、Toon Boom Harmony、Spine等，分析它们的功能和适用场景。 三维数字动画（3D Digital Animation）： 建模（Modeling）： 详细介绍多边形建模（Polygon Modeling）、NURBS建模（Non-Uniform Rational B-Splines）、数字雕刻（Digital Sculpting）等主流建模技术，以及如何创建出细节丰富、结构精确的3D模型。 纹理与材质（Texturing and Materials）： 讲解如何为3D模型添加颜色、图案和表面细节（纹理贴图），以及如何设置材质属性（如反射、折射、透明度、凹凸感等），使模型呈现出逼真的质感。 骨骼绑定与蒙皮（Rigging and Skinning）： 详尽阐述在三维环境中创建骨骼系统（Rigging），以及如何将模型网格（Mesh）与骨骼关联起来（Skinning），使其能够被动画师操纵。 动画制作（Animation）： 探讨三维动画的关键帧设置、路径动画、程序动画（Procedural Animation）等技术。重点讲解如何运用虚拟摄像机（Virtual Camera）和灯光（Lighting）来构建场景，并通过角色动画、场景动画、镜头运动等要素来讲述故事。 渲染（Rendering）： 解释渲染的基本原理，即计算机将3D场景信息转化为二维图像的过程。介绍不同渲染引擎（Render Engines）的特点，如基于光线追踪（Ray Tracing）、光栅化（Rasterization）等，以及如何调整渲染参数以获得高质量的最终图像。 后期合成（Compositing）： 讲解如何将渲染出的三维元素与背景、特效等其他素材结合，实现最终的视觉效果。 软件与工具： 介绍主流的三维动画制作软件，如Autodesk Maya、Blender、3ds Max、Cinema 4D等，以及相关的渲染器和后期合成软件。 四、 特殊效果与后期制作 无论是传统动画还是数字动画，特殊效果（Special Effects, VFX）的运用都能极大地提升作品的视觉冲击力和故事表现力。 特效（Effects Animation）： 涵盖火、水、烟、爆炸、魔法等自然现象和超现实元素的动画表现。我们将分析如何通过粒子系统（Particle Systems）、流体模拟（Fluid Simulation）、布料模拟（Cloth Simulation）等技术来创建逼真的特效。 运动捕捉（Motion Capture）： 介绍如何通过捕捉真实演员的动作，并将其应用到虚拟角色身上，从而获得极其自然流畅的动画。 合成技术（Compositing Techniques）： 深入讲解抠像（Chroma Keying）、遮罩（Masking）、色彩校正（Color Correction）、景深（Depth of Field）等后期合成技术，以及它们在融合不同视觉元素、调整画面氛围中的作用。 声音设计与音效（Sound Design and Sound Effects）： 虽然本书的重点是视觉动画，但优秀的音效是动画不可分割的一部分。我们将简要探讨声音设计如何在烘托气氛、增强动作表现、塑造角色情感等方面发挥关键作用。 五、 动画制作流程与行业洞察 《动画技艺百科全书》还将提供对动画制作全流程的全面梳理。从概念构思、剧本创作、故事板绘制（Storyboarding），到角色设计、场景设计、模型制作，再到动画表演、特效制作、剪辑、配音、混音，最后到最终的发行。我们将解析不同规模的动画工作室如何组织团队，如何分工协作，以及项目管理在动画制作中的重要性。 本书还可能包含对动画行业发展趋势的探讨，如虚拟现实（VR）和增强现实（AR）动画的可能性，人工智能（AI）在动画制作中的潜在应用，以及独立动画师和小型工作室的创作生态。 结论 《动画技艺百科全书》将是一本兼具深度、广度和实用性的百科全书。它不仅是学习动画技法的宝库，更是激发创意、理解动画艺术演进、以及洞察未来发展方向的窗口。无论您是怀揣梦想的初学者，还是经验丰富的专业人士，亦或是对动画艺术充满好奇的观众，都能在这部作品中找到所需的知识、启发和乐趣，共同探索光影与想象交织而成的无限可能。

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这本《XX百科全书》绝对是动漫制作爱好者的案头必备，我拿到手就忍不住翻了好几页。首先映入眼帘的是对“光影艺术在二维动画中的应用”那一章的深度剖析，作者简直是把每一个光束的走向都拆解得清清楚楚，从古典油画的布光逻辑到赛璐珞时代的色彩处理，再到如今数字绘景中如何模拟自然光线的散射效果，简直是一部浓缩的视觉科学史。尤其让我印象深刻的是关于“环境烘托气氛”的论述，它不仅仅停留在“用深蓝色表示夜晚”这种初级概念上，而是深入探讨了不同色温、饱和度如何潜移默化地影响观众的心理预期，举例的电影片段分析得入木三分，完全能感受到作者对每一帧画面的极致追求。随便翻到任何一页，都能找到针对特定技术难点的详尽解答，比如如何在手绘逐帧动画中保持角色运动的流畅性和重量感，那部分内容对于正在学习骨骼绑定和关键帧设置的新手来说，简直就是醍醐灌顶的秘籍，完全颠覆了我过去对动作设计的刻板印象。这本书的体量之大，内容之广，让人不禁感叹作者在动画理论和实践上倾注的心血，绝对不是那种浮光掠影的入门指南，而是真正能让你技艺更上一层楼的硬核参考资料。

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这本书的排版和资料整合能力简直令人叹为观止，简直就是一部活的历史博物馆。我随手翻到中间关于“早期电影动画的材料科学”那部分，内容之详尽，远超我之前看过的任何行业史书籍。它不仅仅罗列了时间线，而是深入挖掘了不同胶片和颜料配方对最终画面质感的影响。比如，它详细描述了上世纪三四十年代，动画师们如何应对颜料在不同温度和湿度下发生的微妙化学变化，以及这些变化如何无意中创造出某些经典作品独特的“陈旧感”。书中还收录了大量罕见的、来自于各个国家档案馆的草图和测试片段的分析，很多都是我从未在公开场合见过的早期概念设计。对于一个热衷于研究“媒介本身如何影响艺术表达”的人来说，这简直就是一座宝藏。更值得称赞的是，它对不同媒介之间的跨界影响也有深刻洞察，比如将传统版画的颗粒感如何成功地移植到后来的数码合成中，这种对技术演变脉络的追踪，既有学术的严谨性，又不失阅读的趣味性。

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我是一个专注于3D角色动画的从业者，原本对这种看起来“很古典”的百科全书持保留态度，但不得不承认，它在讲解“角色重量与动力学感知”的部分，给了我极大的启发。它没有直接教我如何设置物理参数，而是从基础物理学和人体工学角度出发，阐述了“为什么”某个动作会显得沉重或轻盈。书中有一段分析了角色在不同重力环境下的运动轨迹对比，并且用简洁的几何图形解释了力线在角色身体上的分布，这比我过去看过的任何一本“动力学教程”都要直观和深刻。最让我惊喜的是，它还涉及了非物理层面的“心理重量感”，即角色在表达恐惧或悲伤时，即便没有明显的物理动作，其肢体语言如何通过微小的重心偏移和惯性变化来传达出一种精神上的负担。这种对物理世界与内心世界的深度耦合的探讨，极大地拓宽了我对“表演性动画”的理解边界，让我开始思考，我的3D模型在表达情绪时，是否足够“真实地感受到”那种压力。

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我最近在尝试进行一些复杂的角色绑定和布料模拟，本来以为会在这本书里找到很多关于特定软件插件的教程，结果发现它的侧重点完全不同，倒是让我从另一个维度审视了我的工作流程。我尤其欣赏它对“叙事性运动”的哲学探讨。这本书似乎更像是一本关于“如何用心灵去驱动画面运动”的著作，而不是单纯的“如何操作软件”。例如，它花了不少篇幅讨论“停顿”的力量，如何在高速动作间隙插入一个极短的、精确的静止帧，来放大冲击力或表达角色的内心挣扎，这种对时间艺术的精妙把握，在许多快餐式的教程中是完全被忽略的。书中对比了不同文化背景下对“速度感”的表达差异，比如东方古典戏曲的身段与西方皮影戏的夸张形变，它们如何通过不同的节奏和重心转移来建立观众对角色状态的认知。读完这些章节，我感觉自己不再是一个单纯的技术操作工，而是一个更懂得如何用“时间雕塑”来讲述故事的创作者。这种提升是立体的，它让我反思自己动画节奏的松紧度，而不是仅仅关注于如何把关键帧插得更密。

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这本书的结构设计非常巧妙，它并不是一个简单的技术词典，而更像是一本不断自我参照的复杂系统地图。我注意到，当它讨论到某一特定动画风格（比如动态模糊的运用）时，它会非常自然地引用前面关于“视觉暂留”的理论基础，然后再链接到后面关于“高帧率与低帧率叙事效果对比”的章节。这种高度的内部关联性，使得读者在阅读过程中，可以清晰地追踪到一个概念是如何在不同的技术层面上被构建和应用起来的。我特别欣赏它对“动画的伦理学反思”那一章的克制和深刻。它没有进行空泛的道德说教，而是通过分析历史上某些引起争议的动画手法（比如对暴力或刻板印象的处理），探讨了创作者在运用这些强大视觉工具时的责任边界。这种知识的广度和深度交织在一起，让我感觉自己手中捧着的不仅仅是一本工具书，更是一部关于视觉艺术如何塑造我们认知的思想指南。它教会我的，是如何更有意识、更负责任地去创作每一个画面。

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