Mies van der Rohe

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出版者:Te Neues Publishing Company
作者:Aurora Cuito
出品人:
页数:79
译者:
出版时间:2002-07-01
价格:USD 12.95
装帧:Hardcover
isbn号码:9783823855811
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

Mies van der Rohe Aquisgran, 1886-Chicago, 1969. Participant and director during the Bauhaus school period, his furniture designs intersect with funtionalist theories that searched for pieces with simplified lines without ornaments, turning the form of furniture into the key aesthetic feature, without adding decorative elements. Among his most characteristic designs stands out the chair Barcelona, created to furnish the German Pavillion in the 1929 Universal Exhibition, in which metallic tubes give way to steel forms. In 1938 he emigrated to the US, where he joined the Art Institute of Chicago.

好的,这是一本名为《结构与光影的交响:现代主义建筑的深度解析》的图书简介,完全不涉及米斯·凡德罗的书籍内容,旨在详尽阐述现代主义建筑的演变、核心理念及其对后世的影响,力求内容丰富且富有洞察力。 --- 结构与光影的交响:现代主义建筑的深度解析 图书简介 《结构与光影的交响:现代主义建筑的深度解析》是一部深入剖析二十世纪初期至中期席卷全球的建筑思潮——现代主义建筑的权威著作。本书超越了对标志性建筑的简单罗列,旨在揭示支撑这一伟大运动的哲学基础、技术革新,以及其在社会变迁中的复杂角色。它不仅是建筑学学生的案头必备,更是对城市形态、美学观念抱有深切兴趣的读者,探寻现代世界如何被“建造”出来的里程碑式指南。 第一部分:现代性的黎明——从工业革命到功能至上 本书的开篇,将读者带回工业革命的巨大变革之中。现代主义并非横空出世,而是对十九世纪末期日益膨胀、日益虚饰的学院派建筑风格的激烈反动。我们首先探讨了技术进步——特别是钢铁、钢筋混凝土和玻璃的批量生产——如何从根本上松动了传统承重墙的束缚,为建筑师提供了前所未有的自由。 技术的解放与美学的重塑: 我们细致考察了早期先驱者,如奥古斯特·佩雷(Auguste Perret)和阿道夫·卢斯(Adolf Loos),如何在其作品中实践“结构即装饰”的理念。卢斯那篇掷地有声的《装饰与犯罪》,被视为对维也纳分离派风格的彻底宣战,他呼吁回归材料的本质和形式的纯粹性。本书分析了他们如何试图通过几何的精准和材料的诚实,来净化长期被过度装饰污染的建筑语言。 流派的形成与国际主义的萌芽: 随后,焦点转向欧洲大陆的建筑教育中心。我们详细梳理了德意志制造联盟(Deutscher Werkbund)的成立背景,以及在瑞士和法国兴起的先锋运动。重点分析了勒·柯布西耶(Le Corbusier)在其早期理论《走向新建筑》中提出的“机器美学”和“五个要点”——底层架空、自由平面、自由立面、横向长窗和浮屋顶。这些理论不仅是设计原则,更是一种社会乌托邦的宣言,旨在用标准化、高效的建筑来解决日益增长的城市人口的居住危机。 第二部分:关键学派的理论辨析与实践分析 本书的第二部分是全书的核心,它对构成现代主义建筑谱系的几个主要流派进行了深入的、对比性的研究,旨在区分其细微的哲学差异和地域性变体。 荷兰的风格与“新客观性”(Nieuwe Zakelijkheid): 我们将目光投向荷兰,分析格里特·里特维尔德(Gerrit Rietveld)和风格派(De Stijl)运动如何将抽象的二维艺术——以蒙德里安为代表——转化为三维的建筑实体。里特维尔德的红蓝椅和施罗德住宅(Rietveld Schröder House),展示了对正交网格的彻底解构,强调了空间流动的动态平衡,这与德语区的严谨功能主义形成了鲜明的对比。 德国包豪斯学派的教育与实践: 包豪斯(Bauhaus)不仅仅是一所学校,它是一个社会实验场。本书详尽考察了其三任校长——格罗皮乌斯、汉耶尔和密斯——如何不断调整其教学方针,最终将“艺术与技术的新统一”推向极致。我们分析了包豪斯在德绍的校舍设计如何完美地体现了对工业生产方式的整合,以及其在流亡美国后对北美建筑教育产生的持久影响。 英国的本土反应与现代性的调和: 与欧陆的激进主义不同,英国现代主义采取了一种更为谨慎的、带有本土特色的路径。我们研究了阿奇·莱昂内尔·斯科特(A.L. Nagear Scott)和马塞尔·布鲁尔在英国的探索,他们试图在国际风格的简洁与英国传统的砖石肌理、气候适应性之间寻求一种微妙的平衡。 第三部分:全球扩张、社会影响与批判性审视 随着二十世纪三十年代政治动荡和知识分子的大规模迁徙,现代主义建筑成为了全球性的“国际风格”(International Style)。第三部分探讨了这种风格如何跨越大西洋,并在不同文化土壤上生根发芽。 新大陆的适应与尺度问题: 在美国,现代主义与资本主义的结合催生了摩天大楼的成熟形式。本书分析了如何从早期的“装饰艺术”风格过渡到真正纯粹的玻璃幕墙建筑。我们审视了公共建筑、大学校园和郊区住宅(如明尼阿波利斯·明尼苏达大学)的设计如何反映了美国对效率、规模和技术优越性的追求。 批判性回顾:从乌托邦到异化: 到了二十世纪六十年代,现代主义的早期乐观主义开始受到严峻的挑战。本书大胆地提出了对“国际风格”的批判性反思。我们探讨了简·雅各布斯(Jane Jacobs)在《美国大城市的生与死》中对大规模、均质化城市规划的抨击,分析了大量标准化高层住宅项目在实际操作中如何导致社区割裂、街道活力丧失的“现代主义的反效果”。书中深入探讨了后现代主义思潮的兴起,正是基于对现代主义“少即是多”口号下所隐藏的教条主义和人文关怀缺失的反思。 结语:遗产与未来对话 最终,《结构与光影的交响》总结了现代主义建筑不可磨灭的遗产。它不仅奠定了我们今天所见绝大多数商业和公共建筑的基础语法,更重要的是,它确立了建筑师思考空间、结构、光线和材料关系的新范式。本书引导读者超越对简单几何外壳的迷恋,去理解隐藏在清晰线条背后的哲学挣扎、技术边界以及对一个更美好、更理性世界的集体梦想。它邀请读者,以更深刻的眼光,重新审视我们身处的现代环境,并在对其进行批判的同时,承认其无可争议的创造性力量。 --- 主要探讨主题: 工业材料对传统美学的冲击 功能主义在不同地域的文化适应性 包豪斯教育体系的理论与实践 二十世纪中期城市规划中的结构性失误 现代主义建筑对后世(特别是后现代主义)的启发与反作用力 本书篇幅详实,配有大量珍贵的历史照片、建筑图纸及概念草图分析,是全面理解这场改变世界的建筑革命的权威之作。

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读后感

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用户评价

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这本书的叙事结构,说实话,初读时有些挑战性,它没有采用那种流水账式的生平介绍,反而更像是一部精心编排的建筑思想的“奏鸣曲”。作者显然更热衷于挖掘密斯设计背后的哲学内核,而非简单罗列项目的时间线。那种对“皮肤与骨架”关系的长篇论述,读起来需要极高的专注力,仿佛进入了一个纯粹的逻辑迷宫,每一个论点都层层递进,精确得像一条焊接的钢梁。我发现自己不得不时常停下来,对照着附录中的一些模型照片去理解作者是如何将抽象的理念转化为具体的空间实践的。它不是一本让你轻松消遣的读物,它更像是教科书之外的“大师笔记”,那种对材料本质的执着、对结构逻辑的极致推崇,都以一种近乎冷峻的笔调被剖析开来。对于那些想真正理解密斯如何思考空间、如何看待现代性的人来说,这本书提供了极其深刻的洞见,但也要求读者拿出与之匹配的耐心和学术精神。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴,从拿到它沉甸甸的分量,到指尖触及那细腻的哑光封面,就预示着这不是一本普通的建筑图录。内页的纸张选择极具匠心,墨色浓郁而富有层次感,即便是简单的平面图,在这样的载体上也能散发出一种历史的厚重感。我尤其欣赏编者在版式布局上的大胆与克制,大量的留白并非浪费,而是一种呼吸的空间,让每一张图片、每一段引文都能以最佳的状态呈现在读者面前,迫使你慢下来,去品味那些线条的精确与空间的哲学。翻阅过程中,我仿佛能从那些黑白照片中听到密斯作品里那种寂静的宏大,感受到钢与玻璃之间微妙的张力。对于一个业余爱好者而言,这本书更像是一件值得珍藏的艺术品,它不仅仅是知识的载体,更是一种对现代主义精神的致敬与重温,每一次翻阅都是一次沉浸式的体验,让人对“少即是多”的真谛有了更深层次的理解。

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这本书的最终篇章,关于密斯晚年对高层建筑的思考,给予了我极大的启发。它不再聚焦于具体的建筑实例,而是升华为一种对城市形态、社会责任以及“永恒建筑”的哲学思辨。那种对“普适性”设计的追求,在面对快速城市化和技术迭代的挑战时,显得既前瞻又充满矛盾性。作者用一种近乎散文诗的笔调,探讨了密斯如何试图用永恒的比例去应对瞬息万变的现代生活。这种结尾的处理非常高明,它没有给出一个简单的结论,而是留下了一个开放的命题,鼓励读者自己去思考,在当代语境下,密斯的遗产该如何被重新解读和继承。读完后,我感觉自己不仅了解了一位建筑师的作品,更像是在与一位世纪伟人进行了一场关于建造与存在的深刻对话。

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阅读这本书的体验,更像是在参与一场高质量的学术研讨会,而非单纯的阅读。书中引用的文献资料和历史档案的丰富程度令人咋舌,那些跨越半个世纪的信件摘录、会议记录,为我们构建了一个立体的密斯形象,远比我们通常在建筑史中看到的那个面目模糊的“极简主义大师”要鲜活得多。其中关于密斯在美国的教学理念那几章,简直是宝藏,它揭示了这位大师在传授技艺的同时,如何潜移默化地塑造了一代建筑师的思维方式。我发现,作者在引用历史材料时,保持了一种近乎考古学家的严谨,确保了信息的准确性和原始语境的再现。这使得整本书的论证具有极强的说服力,它让你相信,你正在接触的,是第一手的、经过时间检验的智慧结晶,而不是二手转述的观点。

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我对这本书中对不同时期设计理念演变的梳理印象尤为深刻,特别是关于“柏林德国展馆”与“芝加哥普鲁特·伊戈中心”两组案例的对比分析,简直是教科书级别的跨越式比较。作者巧妙地避开了简单的优劣评判,而是将重点放在了时代背景、功能需求以及密斯个人审美心境的微妙变化上。例如,他对密斯从欧洲古典主义的严谨向美国现代主义的开放性过渡的论述,是通过对细节处理的微小差异来体现的,这种细腻的观察力令人拍案叫绝。我尤其喜欢作者对“表皮”处理的深入解读,那种将结构暴露无遗、让光线成为主要材料的手法,在不同项目中的应用与演化,被梳理得脉络清晰。这本书的好处在于,它让你意识到,所谓的“风格”并非一成不变,而是设计师在特定语境下,对其核心理念进行持续试验和调整的结果。

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