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出版者:Columbia University Press

作者:David Shapiro

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1979-09-01

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9780231040907

丛书系列:

图书标签:

• 诗歌
• 美国文学
• 现代主义
• 后现代主义
• 实验诗
• 语言诗
• John Ashbery
• 文学评论
• 艺术
• 文化研究

暮色中的倒影：论二十世纪后半叶美国诗歌的演变与超越 本书聚焦于探讨美国诗歌在二战后至千禧年间，从现代主义的遗产中如何艰难地、充满张力地蜕变，最终催生出后现代主义、学院派诗歌（Poetry of Fact/Confessionalism的后继者）以及后语言主义（Post-Linguistic）等多元且相互冲突的美学转向。本书旨在梳理驱动这些变化的社会、文化及哲学背景，并深入分析那些在传统与创新之间搭建桥梁或彻底决裂的关键诗人及其作品群像。 本书并非对单一诗人或诗歌流派的专论，而是一部宏大的编年史和批判性考察，试图描绘出在信息爆炸、大众媒介渗透日益加深的时代，诗歌如何努力保有其内在的复杂性、歧义性和对语言本质的探究。我们搁置对任何特定个体诗人的深入剖析，转而关注横向的、结构性的变化。 第一部分：现代主义的黄昏与战后的焦虑（1945-1960） 二战的硝烟散去，美国文化面临着新的重塑。在“抽象表现主义”的激情尚未完全褪去之时，诗坛内部对艾略特式的宏大叙事和庞德式的神话重构产生了深刻的反思。战后一代的诗人，面对一个碎片化、充满冷战阴影的世界，感到传统的抒情声音已然失效。 本部分将详细考察“地域主义诗学”（Regionalism）的回潮，特别是新英格兰与南部诗人群体如何试图在故土的物质性和历史重量中寻找锚点，以此对抗纽约文化中心的抽象化倾向。同时，我们将探讨“纯诗”（Pure Poetry）的理论在战后如何遭遇语言学转向的挑战。结构主义的思潮开始渗透，促使诗歌不再仅仅是情感的表达，而是对语言自身运作机制的审视。这部分特别关注早期对日常语言和口语化的实验，为即将到来的“反抒情”浪潮埋下伏笔。 第二部分：语言的边界与事实的重量（1960-1975） 六十年代是美国文化剧变的十年，诗歌领域也经历了剧烈的动荡与分化。 A. 学院派的崛起与对“真诚”的质疑： 随着大学体制对诗歌创作和批评的接管，“学院派诗歌”逐渐形成。这并非一个统一的风格，而是强调技艺的精湛、对历史文本的引用、以及对诗歌形式的严密控制。本节将分析这种趋势如何导致对早期“自我表达”的警惕，转而追求一种更为客观、几乎是技术性的诗歌写作。我们探讨，当诗歌进入课堂，它如何不可避免地被标准化，以及这种标准化对诗歌创造力的双重影响——一方面是技艺的提升，另一方面是情感距离的拉大。 B. 语言的自我解构： 与学院派的务实相对立的是对语言极限的激进探索。受到欧洲先锋派（特别是Oulipo的零星影响）和新达达主义的启发，一部分诗人开始将焦点完全从“表达什么”转移到“语言如何运作”。本部分细致分析了那种故意制造的语法断裂、词汇的偶然并置以及句法结构的解体，是如何试图打破读者预设的意义链条，迫使读者直面语言本身的物质性而非其指代功能。这是一种对“可理解性”的抵制，旨在揭示语言作为工具的局限性。 C. “事实诗学”的兴起与中产阶级的私密： 这一时期，对过度浪漫化或政治口号化的诗歌的反动，催生了对“具体事实”的迷恋。诗人开始以近乎档案整理员的精确度去描摹日常场景、家居陈设乃至冗长的购物清单。我们深入考察这种“去抒情化”的写作策略，如何成为对战后美国中产阶级生活空虚感的一种微妙的批判。诗歌不再是关于崇高的“自我”，而是关于被琐碎细节所包围的、缺乏宏大叙事的个体。 第三部分：后现代的风景与文本的迷宫（1975-2000） 进入后结构主义的时代，诗歌的探索更加转向对“元叙事”的怀疑和对文本自身建构性的关注。 A. 拼贴、引用与文化挪用： 随着大众媒介产出海量信息的常态化，诗歌对现有文本的引用和拼贴变得愈发复杂。本部分考察了诗人如何戏仿、解构和重组流行文化、广告语、学术论述和历史文献。这不再是庞德式的典雅引用，而是一种更具批判性和戏谑性的“语言考古”。诗歌成为一个由无数文化碎片构成的缝合怪，反映了后现代社会中意义的无限漂移。 B. 空间感与地点的非中心化： 诗歌的地理重心开始从传统的东海岸向更广阔的地域分散。我们分析了那种着重于描绘广阔的、非历史化的美国景观——如高速公路、郊区、沙漠——的诗学。这些作品关注的是“在路上”的体验，以及在缺乏历史厚度的空间中，主体如何定位自身。语言变得更具流动性，模仿了北美大陆的广袤与疏离感。 C. 形式的内在张力： 尽管表面上出现了对传统格律的抛弃，但本书强调，在这一时期的许多重要作品中，对形式的关注并未消失，而是转向了内在的、非可见的张力。这包括对段落布局、留白、标点符号的极度敏感，以及对长句和极短句之间的呼吸节奏的精妙控制。诗歌的“音乐性”不再依赖于韵律，而是依赖于这种复杂的视觉和停顿的安排。 结论：留给未来的空白 本书的最终目的在于阐明，在二十世纪下半叶，美国诗歌经历了一次痛苦的、但充满活力的自我重塑。它摒弃了对单一“真理”的追寻，转而拥抱了歧义、碎片化和对语言工具本身的无限好奇。通过对社会背景的交叉分析和对不同诗学倾向的对比研究，我们得出一个核心论断：在那个时代，诗歌的价值不再在于它是否“表达”了什么，而在于它如何拒绝被简单地“理解”，以及它如何在拒绝中揭示了语言的未被开发的潜能。 本书旨在提供一个广阔的视角，让读者得以在不被特定诗人光环所遮蔽的情况下，理解那段时期美国诗歌如何不断地自我挑战、自我颠覆，并最终为二十一世纪的诗歌探索铺设了新的、更加复杂的舞台。

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