中国画技法一点通1 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海画报

作者:梅若

出品人:

页数:91

译者:

出版时间:2006-8

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787806855812

丛书系列:

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翰墨丹青的千年传承与创新：一部关于中国古代绘画理论与实践的深度探析 书名： 翰墨丹青的千年传承与创新 作者： 佚名（或使用笔名，如：云水禅心） 页数： 约 650 页 装帧： 精装，附赠高清彩图插页 32 页 --- 核心内容概述： 本书旨在为艺术史研究者、传统绘画爱好者以及当代水墨画探索者提供一套系统、深入、富有洞察力的中国古代绘画理论与实践的综合研究。它超越了单一技法层面的介绍，聚焦于中国绘画数千年发展历程中的哲学根基、审美变迁、关键流派的内在逻辑及其对后世的深远影响。全书分为六大部分，层层递进，构建了一个宏大而精微的中国画知识体系。 --- 第一部分： 意境之源——中国画的哲学与本体论基础 (约 120 页) 本部分深入探讨了中国画区别于西方造型艺术的根本性差异，即其对“气韵生动”与“写意”的追求。 1. “道”与“术”的交织： 探讨儒家中庸之道、道家自然无为思想、佛家禅宗空性观念如何渗透入绘画的创作理念中。重点分析“天人合一”思想如何指导画家在笔墨中寻求与宇宙万物的和谐共鸣。 2. 笔墨本体论的建构： 详细解析“笔”与“墨”的物质性与精神性。笔法被视为“骨力”的体现，墨色被视为“性情”的流露。引用谢赫“六法”中的“骨法用笔”与“气韵生动”，并辅以魏晋南北朝至唐代的碑学对书法的反哺作用，阐述笔墨如何从单纯的描绘工具升华为独立的艺术语言。 3. 空间哲学与“虚实”的辩证： 重点剖析中国画独特的非焦点透视体系。论述“计白当黑”的艺术手法并非简单的留白，而是基于道家阴阳学说的空间构造，如何用“虚”来涵容无限的“实景”。通过对顾恺之《洛神赋图》局部空间处理的分析，揭示其如何营造出流动的时空感。 --- 第二部分： 早期形态的奠基与成熟——从壁画到文人画的萌芽 (约 100 页) 本部分梳理了中国绘画自史前至唐代的发展脉络，关注其社会功能与审美取向的转变。 1. 神性与世俗的交汇： 考察汉代画像砖石的叙事功能，以及六朝时期佛教艺术（如敦煌壁画）对人物造型和色彩运用的影响。讨论人物画的“传神论”在这一时期的理论成熟。 2. 唐代的辉煌与分野： 重点分析吴道子“吴带当风”的线条力量，以及李思训、李昭道的青绿山水与王维、孟浩然的诗意山水之间的初步分野。探讨唐代宫廷画院与民间画工体系的并存现象。 3. 文人画的哲学起源： 溯源魏晋名士的“胸中丘壑”，探讨士大夫阶层将绘画从“匠作”提升至“人品”层面的思想革命。介绍对隋唐五代山水画中“点景”与“主体”关系的初步探讨。 --- 第三部分： 宋代的精微与境界的確立——院体艺术与理学思潮 (约 140 页) 宋代是中国绘画的鼎盛期，本部分集中探讨学院派的写实高峰与文人画的内在觉醒。 1. 北宋山水画的范式建立： 深入分析李成、范宽、郭熙的创作风格。尤其侧重于郭熙《早春图》的“可行、可望、可游、可居”四种观赏方式，揭示宋代人对自然景观的科学观察与哲理概括。 2. 院体画的技法极致： 考察宋徽宗时期画院的制度化管理，重点剖析院体画家在描绘花鸟和界画时对细节的入微刻画，及其背后蕴含的“格物致知”的理学精神。对比徽宗瘦金体的书法与院画的精细结构。 3. 南宋“一角半边”的革新： 阐述受南迁与理学深化影响，马远、夏圭等人如何通过“边角取景”来暗示无限空间，这不仅是构图的简化，更是对有限生命体对浩瀚宇宙感悟的表达。 4. 宋代文人画的萌芽与理论深化： 探讨苏轼、米芾对“不着色相，但取意思”的提倡，及其对水墨语言的解放意义。分析米芾“刷笔”与“宿墨”对后世的影响。 --- 第四部分： 元代的转型与笔墨的自由——写意精神的全面确立 (约 130 页) 元代，绘画艺术的核心价值彻底转向“写意”，文人画完全取代了院体画的主导地位。 1. 弃“格”求“逸”： 深入剖析元四家（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的创作心态。探讨他们如何将学养、书法、诗词融为一体，使绘画成为表达个人情感与政治抱负的载体。 2. 元代笔墨技法的创新： 重点分析黄公望的“披麻皴”和“土石皴”的结构性力量，倪瓒的“折笔”与枯淡意趣。论述“笔墨趣味”如何成为衡量一位画家成就的首要标准。 3. 赵孟頫对传统的回归与重构： 探讨赵孟頫“书画同源”理论的系统性建立，及其如何将晋唐的笔法精髓“复古”化，为元明清三代的笔墨规范打下基础。 4. 早期墨戏的兴起： 简要介绍早期墨戏画家如曹知白，展示水墨语言在脱离描绘对象后所展现的纯粹性。 --- 第五部分： 明清的多元化与地域流派的纷呈 (约 110 页) 明清时期，在继承元代文人画的基础上，绘画发展出更鲜明的地域性和学院派的保守性。 1. 吴门画派的精致与文脉： 侧重沈周、文徵明、唐寅、仇英四家在继承元代笔法基础上的不同取向。分析吴门画派如何将士大夫的审美趣味推广至民间市场。 2. 松江派的笔墨实验： 重点剖析董其昌的“南北宗论”的理论构建及其对后世的影响。分析董其昌如何通过将元代经典进行“化古”处理，建立起一套属于文人的审美秩序。 3. 晚明与“怪诞”之风： 探讨徐渭、陈淳等人的大写意如何冲破传统藩篱，以狂放不羁的书法入画，表现个体生命力的爆发。 4. 清代的复古与革新： 梳理“四王”对董其昌理论的系统总结和集大成，但同时也指出其在创新上的局限性。对比“金陵画派”和“扬州八怪”的地域性反叛，特别是石涛“我自一家”的理论实践，如何将笔墨的自我表达推向新的高度。 --- 第六部分： 结语——传统图式在近现代的延续与挣扎 (约 50 页) 本部分对前文进行总结，并简要展望中国画在近现代的转型困境与新的可能性。 1. 传统图式的终结： 讨论清末民初，在西方现代主义思潮冲击下，传统笔墨语言面临的挑战。 2. 笔墨的当代诠释： 概述近现代画家（如齐白石、张大千）如何成功地将传统写意精神与新的观察视角相结合，实现对传统图式的“激活”。 3. 核心精神的永恒价值： 强调中国画所承载的“以书入画，以诗入画”的综合素养，依然是当代艺术探索的重要资源。 --- 特色与价值： 本书的价值在于其理论的深度与史料的广度的平衡。它不侧重于教授读者如何画出具体的“皴法”或“点苔”，而是致力于解析这些技法背后所代表的思想逻辑和时代精神。通过大量引用古代画论、文人信札及重要作品的理论分析，本书为读者提供了一个“知其所以然”的视角，帮助艺术爱好者和专业学者理解中国画从“技”到“道”的完整演化路径。本书的语言力求古朴典雅，注重论述的逻辑性和历史的厚重感，确保阅读体验如同研习经典一般，充满对古人智慧的敬畏与探索的乐趣。

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