画家锦囊经典幅式图鉴

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出版者:河南美术出版社
作者:梁燕,西子主编
出品人:
页数:255
译者:
出版时间:2006-6
价格:15.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787540114473
丛书系列:
图书标签:
  • 绘画
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具体描述

手卷、纨扇、折扇、册页都是文人雅士们的把玩之物,静坐焚香,品茗赏画,悠然平淡的艺术氛围自然会弥漫在这些幅式的绘画里。

  本篇仅就传统国画幅式的发展历史略作梳理,探索员画习俗与幅式的相互影响,以此说明幅式本身具有独立的美感,以后各章还将进一步展开阐发。

  立轴、长卷、扇面、斗方……中国画自有独特的幅式文化。画家立意,幅式在先。

  本书精选历代构图精品,按幅式类归编排。既可参其构图创意,亦可览其风格流变。各章附以幅式史话,以飨读者。

山水之间:中国传统文人画的意境与笔墨探微 一部深入探索中国山水画历史、哲学与技法的大型著作 本书并非描摹具体画作的技法手册,亦非针对特定画派的考据之作,而是一部旨在阐释中国传统文人画(尤其是山水画)精神内核、哲学基础与审美范式的深度论述。它试图搭建一座桥梁,连接古代文人画家们所追求的“胸中山水”与当代读者对东方艺术精神的理解。 引言:从“摹古”到“造境”——文人画的内在驱动力 中国山水画的独特之处,在于它自诞生之初就承载了超越纯粹视觉再现的使命。本书开篇即探讨了魏晋南北朝以来,随着玄学与禅宗思潮的渗透,山水画如何从“格物致知”的写实(如青绿山水早期的探索)逐渐转向“寄情山水”的抒情。我们详细剖析了“外师造化,中得心源”的辩证关系,指出文人画的最高境界并非对自然景观的复制,而是对自然“气韵生动”的捕捉与个人性情的投射。 第一章:哲学基石——道、禅与“虚”的构建 本章深入考察了影响中国文人画创作的两个核心哲学思想:道家的“道法自然”与佛家的“空寂”观念。 1.1 道家宇宙观与山水布局: 我们分析了《道德经》中关于“有无相生”、“大音希声”的论述如何体现在画面结构中。山水画中的“留白”并非技法上的缺失,而是“虚”这一哲学概念的视觉化呈现——它是呼吸的空间,是观者精神可以进入的无限可能。通过对董源、巨然等早期山水画中对迷蒙烟霭处理的分析,阐释了如何用“虚”来统摄“实”,以体现宇宙的整体性与不可言说性。 1.2 禅宗意境与简笔的抉择: 元代以后,水墨的普及标志着文人画彻底脱离了官方院体的桎梏。本章集中探讨了禅宗“直指人心”的理念如何促使画家追求笔墨的简练与纯粹。水墨的浓淡干湿,不再仅仅是描绘物象的工具,而是表达心境的载体。例如,苏轼提出的“论画以形似,见与儿童邻”的思想,强调的是对事物本质的把握,而非表面形态的雕琢。 第二章:笔墨的语言学——线条、皴法与“书画同源” 中国画的技法,本质上是一种视觉化的书法。本章跳脱出单纯的技法讲解,将其置于艺术语言学的范畴内进行考察。 2.1 笔墨的“性格”: 我们系统梳理了中国画用笔的“十八描”等传统分类,但重点在于分析不同线条所蕴含的人格特质。如李唐、马远的“斧劈皴”所展现的刚劲、峻峭,与董源的“披麻皴”所体现的温润、厚重,反映了画家不同的生命体验与时代背景。这些“皴法”是画家在处理山体结构时,对力感与时间感的独特理解。 2.2 水墨的晕化与“墨分五色”的科学性: 水墨的运用并非简单的灰度变化,而是对光影、湿度、空气流动的精妙捕捉。本章探讨了画家如何通过对水分的精确控制,实现“墨分五色”的丰富层次。这其中蕴含着对自然界材料特性的深刻洞察,即如何在有限的材料中,创造出无限的视觉变化与空间纵深感。 第三章:空间与时间的交织——传统山水的结构逻辑 与西方绘画追求的单点透视不同,中国山水画构建了一种多维度的、流动的空间结构。 3.1 散点透视与“可游可居”的邀请: 本书详细分析了“散点透视”(或称移动视点)在山水画中的运用。通过高远、平远、深远等几种主要视角的灵活切换,画面不再是某一瞬间的凝固,而是容纳了时间序列的体验。观者被邀请进入画面,可以从山脚仰望,亦可穿越云雾俯瞰,实现一种“可游”的动态审美过程。 3.2 诗、书、印的“共时性”布局: 山水画的完成形态是“诗、书、画、印”的四位一体。本章重点分析了题跋(诗文)与画面的关系。题跋不仅是对画面的注解,更是画家心境的直接抒发,它与图画共同构成了一个信息复合体。题跋的行草书体,其笔墨的韵律与画作的线条形成了相互呼应与补充,体现了中国艺术对多媒体融合的早期实践。 第四章:师承与创新——历代山水画派的风格演变 本章不作简单的流派罗列,而是聚焦于创新如何打破陈规,融合前人精髓的过程。 4.1 北宋的“全景式”与南宋的“边角式”: 对比范宽、郭熙等北宋大家追求的雄浑、完整、囊括万象的“全景式”构图,与南宋李唐、马远、夏圭等人所采用的“边角式”或“一角半边”构图,展示了时代变迁对审美取向的深刻影响。前者体现了盛世的自信与对宏大叙事的追求,后者则反映了在动荡中对局部意境的深沉凝视。 4.2 元四家对笔墨精神的回归: 重点分析了黄公望、倪瓒等元代画家如何进一步强化“以书入画”的理念,使笔墨彻底成为抒发个性的手段,而非单纯的描绘工具。倪瓒的“折带皴”与疏冷构图,正是其淡泊、遗世独立人格的极致表达。 结语:当代语境下山水精神的再激活 本书最后展望了中国传统山水画的精神在当代艺术中的延续与转化。我们探讨了如何理解并重新激活这种“意在笔先”、“物我两忘”的东方审美情趣,以应对现代社会信息爆炸所带来的精神碎片化。它旨在引导读者,不是学习如何“画”出山水,而是学习如何通过山水来“观照”自我与世界。 本书适合对象: 艺术史研究者、中国哲学爱好者、致力于理解东方美学体系的文学与文化研究人员,以及对传统水墨艺术有浓厚兴趣的专业画家与爱好者。本书提供的是一种思维框架,而非即用的操作指南。

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读后感

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用户评价

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这本书的编排方式极具匠心,它没有采用流水账式的介绍,而是将不同的幅式按照某种主题或风格巧妙地串联起来。这种编排方式让我能够更清晰地看到不同时代、不同流派的艺术家们在幅式上的探索与创新,以及他们之间相互影响、相互借鉴的痕迹。我惊喜地发现,原来许多看似独立的艺术手法,在历史的长河中竟然有着如此深刻的联系。通过这本书,我仿佛置身于一个巨大的艺术对话之中,聆听不同时期、不同地域的艺术家们在幅式上的交流与碰撞。这种宏观的视野让我对整个艺术史的发展脉络有了更清晰的认识,也让我更加佩服那些伟大的艺术家们,他们在有限的幅式中,展现出了无限的创造力。

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我一直以为自己对艺术已经有了相当的了解,但这本书的出现,彻底颠覆了我的认知。它如同一个魔法口袋,每一次翻阅都能从中发现新的惊喜。我常常会被一些看似普通的幅式所吸引,然后随着作者的深入解读,我才恍然大悟,原来其中蕴含着如此精妙的设计和深刻的寓意。这本书的语言风格非常独特,既有学院派的严谨,又不失文学的优美,读起来让人感到一种愉悦的智识体验。作者在描述幅式时,总是能够用最恰当的词语,勾勒出最生动的画面,让我仿佛亲眼目睹了作品的诞生过程。

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这本书不仅仅是一本图鉴,更像是一本“观画指南”。它教会我如何去“看”,如何去“读”一幅画。在我阅读之前,我可能只是被画面的色彩或主题所吸引,但在阅读之后,我学会了从幅式的角度去审视作品,去理解画家是如何通过构图、透视、色彩的运用,来引导观众的视线,来传达情感,来构建画面的叙事性。这种“观画术”的提升,让我觉得自己与艺术的距离更近了,也让我对未来的每一次观展都充满了新的期待。我感觉自己被赋予了一种新的能力,一种能够真正走进艺术灵魂深处的钥匙。

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我是一个非常注重学习过程中的“体验感”的人,而这本书在这一点上做得非常出色。它没有使用生涩难懂的专业术语,而是用一种非常亲切、流畅的语言,将复杂的艺术理论变得易于理解。读这本书,就像是与一位博学多才的朋友在进行一次深入的艺术交流,他会耐心地解答你的疑问,也会和你一起分享他对艺术的热爱。我喜欢这种互动式的学习体验,它让我感觉自己不是在被动地接受知识,而是在主动地探索和发现。

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收到这本书后,我迫不及待地翻阅,立刻就被它的内容所吸引。它所阐述的关于“幅式”的理念,对于我这样一位对艺术充满兴趣但又缺乏专业知识的爱好者来说,无疑是一场及时雨。这本书的讲解清晰明了,条理分明,将复杂而精妙的艺术构图原理,以一种极其易于理解的方式呈现在读者面前。我尤其赞赏作者在分析经典作品时所展现出的独到见解,那些我以往可能只是匆匆一瞥的细节,在经过作者的解读后,立刻焕发出了新的生命力,让我看到了艺术作品更为深邃的一面。它不仅仅是一本图鉴,更像是一本艺术的“启蒙书”,帮助我打开了通往更广阔艺术世界的大门,让我对未来的学习和探索充满了信心和动力。

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我是一个对细节有着近乎苛刻追求的人,而这本书恰好满足了我对“细节”的执念。它在幅式解读上,几乎到了锱铢必较的地步。无论是人物的眼神、衣物的褶皱,还是背景的光影,甚至是一些在画面边缘几乎难以察觉的痕迹,都被作者一一捕捉,并赋予了合情合理的解释。我惊叹于作者的耐心和细致,他仿佛拥有放大镜般的眼睛,能够洞察一切被隐藏的细节。这种对细节的极致追求,让我对艺术的理解更加深入,也让我明白,真正的美,往往就藏在那些不经意间被忽略的角落里。

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这本书的装帧精美得令人爱不释手,拿到手的那一刻,我就被它沉甸甸的质感和古朴典雅的封面设计所吸引。书页的纸张厚实而富有弹性,触感温润,翻阅时发出轻柔的沙沙声,仿佛能穿越时空,回到那个艺术家们挥洒灵感的年代。封面上的“画家锦囊经典幅式图鉴”几个字,以一种低调而充满力量的书法呈现,没有丝毫的浮夸,却透露出一种对艺术的敬意和对经典的传承。我尤其喜欢它采用的某种传统的装订方式,书脊处微微的弧度,以及边缘恰到好处的泛黄,都让这本书充满了历史的厚重感和艺术的温度。每一页的排版都经过精心设计,留白恰当,文字与图像的呼应自然流畅,没有一丝一毫的突兀。即使我还没有开始深入阅读,光是翻看这本书本身,就已经是一种视觉和触觉上的享受,它不仅仅是一本书,更像是一件值得珍藏的艺术品,摆在书架上,本身就是一道亮丽的风景线,让我对即将探索的艺术世界充满了期待和好奇。

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我很少会因为一本书而改变自己长期以来对某种事物的看法,但这本“画家锦囊经典幅式图鉴”做到了。它以一种前所未有的深度和广度,重新审视了我以往所认识的许多艺术作品。我曾经认为一些作品的幅式是理所当然的,是艺术家们顺手为之的,但通过这本书的解读,我才意识到,每一个幅式的背后,都隐藏着无数的考量和精心的设计。它让我重新认识了艺术的伟大之处,也让我对那些伟大的艺术家们产生了更深的敬意,他们的每一次落笔,都充满了深意。

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我一直对那些能够触及艺术灵魂深处的作品情有独钟,而这本书恰好做到了这一点。它并非简单地罗列名画,而是通过一种独特的视角,将那些经典的幅式娓娓道来,仿佛为每一幅画注入了生命。我惊叹于作者对细节的敏锐捕捉,那些在画作中被忽略的笔触、光影的处理、色彩的微妙变化,都被赋予了新的解读。当我沉浸在其中时,我感觉自己不再只是一个旁观者,而是能够感受到画家创作时的心境,理解他们为何选择这样的构图、这样的色彩,以及这些选择背后所蕴含的深层含义。这本书让我看到了艺术的逻辑,看到了美是如何被构建的,也看到了艺术家们在创作过程中所经历的思考、挣扎与突破。它不仅仅是知识的传递,更是一种情感的共鸣,一种对艺术精神的深刻领悟,让我对那些流传千古的作品有了全新的认识和更深切的敬畏。

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坦白说,我起初被这本书吸引,是因为它承诺能够揭示“经典幅式”的奥秘。然而,当我真正投入其中时,我发现它所提供的远不止于此。它是一扇窗,透过这扇窗,我看到了艺术背后更广阔的天地。这本书让我开始思考,究竟是什么让一幅画成为经典?是技法的炉火纯青?是情感的真挚流露?还是思想的深刻洞见?作者并没有给出简单的答案,而是引导读者去发现,去感受,去形成自己的判断。我喜欢这种开放式的解读,它鼓励我独立思考,也让我更加珍视自己与艺术之间的独特连接。

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