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出版者:湖北美术出版社

作者:钱忠平

出品人:

页数:37

译者:

出版时间:2006-8

价格:12.80元

装帧:

isbn号码:9787539418841

丛书系列:

图书标签:

• 素描
• 石膏像
• 绘画
• 美术
• 艺术
• 临摹
• 速写
• 基础
• 教学
• 技法

《雕塑的形与神：古典人体结构解析》 一部深入探索西方雕塑艺术核心的权威指南 本书并非聚焦于素描或石膏的再现技巧，而是致力于解剖和理解西方古典雕塑——尤其是文艺复兴至新古典主义时期——在塑造人体形态时所依据的深层结构、解剖学原理以及哲学意涵。我们相信，真正的雕塑艺术，其魅力源于对生命形态的深刻洞察和精准把握。 本书旨在为严肃的艺术学习者、雕塑家、美术史研究者以及所有对古典艺术怀有敬意的读者，提供一套系统而严谨的知识框架。我们绕开了速成技巧的诱惑，直抵“形”背后的“骨与肉”，以及“神”所承载的人文精神。 --- 第一部分：骨骼的几何学——人体结构的基石 本部分将古典雕塑视为一个复杂的生物力学模型，重点剖析骨骼系统在确定人体姿态（Pose）和轮廓（Silhouette）中的决定性作用。 第一章：轴线与平衡：雕塑的稳定性法则 重心与垂线： 探讨古典雕塑，如米开朗基罗的《大卫》和波留克列特斯的《持矛者》（Doryphoros），如何巧妙地运用重心偏移来制造视觉上的动态平衡。分析“对立平衡”（Counterpoise）的原理及其在不同体态中的应用。 脊柱的七段叙事： 详细解析脊柱（Cervical, Thoracic, Lumbar Sacral）在雕塑中如何体现张力与松弛。区分“S形曲线”在巴洛克（如贝尔尼尼）与古典主义（如卡诺瓦）中的表达差异。 骨盆的承重机制： 骨盆是人体雕塑的“底座”。本章深入探讨髂骨、坐骨与耻骨在承重状态（如站立、跪姿）下的空间关系，及其如何直接影响腹部与腿部的肌肉张力分布。 第二章：头颅的比例与情绪映射 头骨的几何投影： 分析希腊与罗马雕塑家如何利用“标准头骨模型”来确保面部器官（眼眶、鼻腔、颧骨）的精确位置。讨论“人头比例标准”（Canon of Head Proportion）在不同历史时期的演变。 面部肌肉的静默语言： 不仅描绘外在的肌肉块，更关注深层表情肌（如皱眉肌、颧大肌）在“永恒化”的古典面容中所经历的简化与提炼。探究为何古典雕塑中的情绪往往是“被压抑的激情”而非爆发性的。 --- 第二部分：肌肉的叙事——张力与体积的构建 如果说骨骼是蓝图，那么肌肉群就是赋予形态以生命力的载体。本章专注于如何“阅读”和“重塑”覆盖在骨骼之上的肌肉系统。 第三章：躯干的核心动力：胸腔与腹部 肋骨笼的弹性： 深入研究胸廓（Rib Cage）在呼吸运动（或静止状态）下对侧腹部和背部肌肉（如前锯肌、肋间肌）的影响。分析肌肉纤维在雕塑表面的流向和起止点。 腹肌的层次结构： 对腹直肌、腹外斜肌、腹内斜肌进行解剖学上的三维分析。探讨文艺复兴大师如何将坚硬的腹肌块转化为更具人性化的、富有转折的曲面。 背部：雕塑的“背面革命”： 强调背部（斜方肌、背阔肌、菱形肌）在三维空间中对雕塑整体动态的决定性作用。讲解如何通过背肌的收缩与放松来暗示人物的内在心理状态。 第四章：四肢的运动链条 肩关节的自由度： 肩胛骨（Scapula）的运动是上肢雕塑的灵魂。本章详细描绘肩胛骨的解剖结构，并解析三角肌、冈上肌等如何共同塑造肩部的圆润感和力量感。 手臂的扭转与堆叠： 分析肱二头肌、肱三头肌及前臂屈肌群的块面关系。重点研究“拧转”（Contrapuntal Twist）在手臂结构中的应用，如何使手臂在固定姿态下仍显现出潜在的运动能力。 下肢的支撑与延伸： 详述股四头肌、腘绳肌（腿后侧肌群）和臀大肌的体积划分。探讨小腿肌群（腓肠肌、比目鱼肌）在脚踝受力时的形态变化，这是判断雕塑是否“站稳”的关键。 --- 第三部分：材质与永恒——从石膏到大理石的转化 本卷将视角从人体本身转向艺术家如何将生物体的柔软与短暂，转化为永恒的石材。 第五章：光影的媒介：理解石材的“惰性” 从模型到雕材的减法： 阐述雕塑家如何根据大理石或青铜的物理特性（硬度、纹理、裂缝倾向）来调整原始的解剖设计。探讨“不可逆转性”如何迫使艺术家在构思阶段就将最终的体积关系确定。 表面肌理的哲学： 深入分析古典雕塑中对“皮肤”的处理。区分光滑的、如丝绸般的皮肤（常用于神祇或理想化女性）与粗粝的、带有风化的肌理（常用于战士或体现苦难的形象）。这不仅仅是技术问题，更是对人物身份的界定。 第六章：动势中的“定格”：瞬间与永恒的辩证 贝尔尼尼的“时间冻结术”： 以巴洛克大师为例，分析如何捕捉一个动作的最高张力点（如《阿波罗与达芙妮》中的变形瞬间），并将其结构转化为永恒不变的石材形态。这要求艺术家对动作的起点、过程和终点有预先的、完整的构想。 理想化的人体： 探讨古典主义如何系统性地“去除”不完美的细节——如脂肪的堆积、皮肤的瑕疵、不规则的肌肉分离——以达到柏拉图式的“完美形式”。理解这种理想化，是读懂希腊罗马雕塑精神内核的必经之路。 --- 结语：超越模仿，直抵本质 本书的目的不在于教授如何翻制一个石膏模型，而在于提供一套分析工具，使读者能够穿透石膏的白皙或大理石的冰冷，直视艺术家在创作时所面对的人类身体的内在逻辑。唯有掌握了这套结构与动势的语言，才能真正理解为何这些古典作品能够跨越千年，依然是我们理解人体美学与力量的标杆。 本书是献给那些不满足于表面视觉效果，渴望理解“为什么这样雕刻才是对的”的艺术求索者。 关键词： 古典雕塑、人体解剖学、文艺复兴结构、比例法则、动势分析、材质转化、理想化形体。

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我在学习素描的道路上摸索了很久，尝试过不少教程，但总是觉得缺少了点什么。直到我看到了这本书，我才找到了那个“缺失的一环”。它不仅仅是教你如何画出石膏像的形体，更重要的是，它深入浅出地讲解了光影在塑造形体中的作用。作者用非常生动的语言和精辟的图例，解释了不同光源下，石膏像表面光线的变化是如何产生明暗关系的，以及这些关系如何帮助我们理解体积感。特别是对于体积的塑造，书中提供了非常多实用的技巧，比如如何通过排线的疏密、方向来表现光滑的表面和粗糙的材质，以及如何在转折处处理好明暗交界线。这些讲解让我豁然开朗，之前画的石膏像总是显得扁平，现在我终于明白了问题出在哪里，并且有了解决的方法。

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总而言之，这本书给我带来的收获是全方位的。它不仅在绘画技巧上给予了我实质性的帮助，更重要的是，它改变了我对学习和艺术的认知。我曾经以为素描就是枯燥的模仿，但这本书让我看到了素描的无限可能。它让我学会了如何去观察，如何去思考，如何去感受。这本书就像一位循循善诱的良师益友，在我迷茫的时候指引方向，在我进步的时候给予鼓励。我会将这本书珍藏起来，并且在未来的绘画学习中，反复阅读和实践其中的内容，相信它将陪伴我走得更远。

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这本书的价值远不止于教授绘画技巧，它更像是一次关于“如何学习”的启蒙。我发现书中渗透着一种严谨的治学态度，作者在讲解每一个知识点时，都力求做到精准和深入。他不仅仅是告诉你“怎么做”，更重要的是告诉你“为什么这么做”。例如，在讲解透视原理时，他会从几何学和视觉心理学的角度去解释，这让我对透视有了更深刻的理解，而不是死记硬背规则。此外，书中还穿插了一些关于艺术史和艺术哲学的小故事，这些内容虽然看似与绘画技巧无关，但却极大地丰富了我的艺术视野，让我感受到绘画不仅仅是技术，更是一种对世界理解和表达的方式。

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这本书不仅仅是一本技法书，更是一本能够激发你创作灵感的宝库。书中收录了许多不同风格和年代的石膏像作品，这些作品的赏析让我大开眼界，也让我对石膏像的艺术价值有了更深的认识。我尤其喜欢书中关于“情感表达”的讨论，作者认为，即使是冰冷的石膏，也可以通过绘画者的理解和表现，传递出丰富的情感。这让我开始思考，绘画不仅仅是模仿，更是与对象进行心灵的对话。在阅读这本书的过程中，我不仅学到了绘画技巧，更重要的是，我的艺术感受力得到了极大的提升。

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在阅读这本书的过程中，我最大的感受就是作者是一位真正懂绘画，并且懂得如何传授绘画的人。他的语言通俗易懂，没有那些过于专业的术语，即使是对艺术领域不太熟悉的人，也能轻松理解。更重要的是，他能够抓住学习者在绘画过程中最容易遇到的困惑，并给出切实有效的解决方案。例如，在讲解鼻子和嘴巴的刻画时，书中提供了非常多不同角度和不同表情的示范，并且详细分析了这些部位的结构和光影特点。这让我之前一直觉得很难处理的五官部分，现在变得清晰明了，不再是让我头疼的难题。

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这本书给我最大的启发在于它对于“练习”的强调。作者反复提到，绘画是一门实践的艺术，光看不练是远远不够的。书中提供了大量的练习题和案例，鼓励读者动手去画。我按照书中的要求，坚持每天练习，发现自己的进步非常明显。特别是书中的一些“挑战性”的练习，比如要求在限定时间内完成一幅石膏像的速写，这些练习不仅锻炼了我的速度，更重要的是锻炼了我的概括能力和快速抓住形体特点的能力。这本书让我明白，真正的进步来自于持续不断的实践和反思。

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这本书最让我印象深刻的是它对“质感”的细腻处理。画石膏像，不仅仅是画它的形状，更要画出它那种冰凉、光滑、坚硬的质感。书中详细讲解了如何通过笔触的轻重缓急、线条的粗细变化以及不同区域的明暗对比来表现石膏的材质感。比如，在表现高光部分时，作者会强调留白和提亮，而在阴影部分则会通过细腻的排线来塑造体积感和层次感。我之前总是把石膏像画得像一团模糊的白色，现在我明白了，关键在于对光影的理解和对笔触的运用。读完这本书，我感觉自己对“质感”这个概念有了全新的认识，并且能够更自信地将其运用到我的绘画创作中。

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这本书对于初学者来说，简直就是福音。我之前完全没有素描基础，拿到这本书时还有些担心自己会看不懂。但事实证明，我的担心是多余的。作者的讲解逻辑非常清晰，从最基础的笔触练习开始，一步步引导读者去认识石膏像的结构，然后是明暗关系，最后到整体的塑造。每一步都有详细的步骤图解，并且标注了关键的注意事项。我尤其欣赏书中对于“观察”的强调，作者反复提醒我们要用“看”而不是“想”来画，教会我们如何去分析石膏像的形体结构和光影变化。跟着书中的练习，我发现自己的观察能力和手上的控制能力都有了显著的提升，不再像以前那样凭空想象，而是能够真正地“看见”和“画出”眼前的对象。

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这本书的装帧设计真的很有品味，封面那柔和的石膏色调，搭配上简洁却又不失艺术感的字体，一眼望去就给人一种宁静而专注的学习氛围。翻开书页，纸张的质感也相当不错，厚实而细腻，即使是反复翻阅，也不会轻易损坏。书中插图的印刷效果更是令人惊喜，色彩还原度很高，石膏像的轮廓线条清晰锐利，光影的表现也十分到位，能够直观地感受到作者在描绘过程中对细节的把控。我尤其喜欢它采用的那种略带米黄的纸张，长时间阅读也不会感到刺眼，让我在夜晚也能沉浸在学习的乐趣中。更值得一提的是，它的开本大小也很适合握持，无论是放在桌上还是随身携带，都非常方便。整个包装给人的感觉就像一件艺术品，还没开始阅读，就已经被它的美学所吸引，迫不及待想要一探究竟。

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这本书的结构安排非常合理，读起来一点也不枯燥。作者将复杂的绘画知识分解成一个个小的模块，每个模块都讲解得非常透彻。从简单的几何体练习，到复杂的石膏头像，循序渐进，让读者能够一步步建立起自信。我特别喜欢书中对于“整体”和“局部”关系的讲解。很多时候，我们容易陷入对局部细节的描绘，而忽略了整体的协调性。这本书教会我如何先把握好大的形体和明暗关系，然后再去深入刻画局部，这样画出来的作品才更加和谐统一。而且，书中提供的示范作品也极具参考价值，无论是构图还是用笔，都值得我们学习和借鉴。

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