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出版者:山东美术出版社

作者:孙营

出品人:

页数:162

译者:

出版时间:2006-9

价格:56.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787533021849

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暮色挽歌：维多利亚时代末期伦敦的社会与精神图景 作者：阿瑟·赫斯金斯 (Arthur Hoskins) 出版社：格雷夫斯与子 (Graves & Sons) 出版年份：1898年 --- 内容提要 《暮色挽歌：维多利亚时代末期伦敦的社会与精神图景》并非一幅描绘田园风光或自然景色的画作，它是一面冷峻的镜子，反射出十九世纪末英格兰首都伦敦在急速工业化、财富急剧分化以及道德观念剧烈动荡背景下的真实面貌。本书作者阿瑟·赫斯金斯，一位在苏豪区生活了三十余年的社会观察家和业余历史学家，以其敏锐的洞察力和近乎残酷的笔触，剖析了那个时代“进步”背后的巨大阴影。 全书分为四个主要部分，层层递进，旨在构建一个立体、多维度的“看不见的”伦敦——一个被雾霾、贫困、享乐主义和深刻的信仰危机所笼罩的城市。 --- 第一部分：雾锁泰晤士——工业化的铁蹄与空间的异化 本部分集中探讨了工业革命对伦敦地理和社会结构的重塑。赫斯金斯详细记录了东区（East End）的极端贫困状况，并非仅仅是罗列统计数字，而是深入到那些被“进步”所遗忘的角落。他描绘了泰晤士河沿岸的货栈、煤渣堆积的贫民窟，以及那些常年被工厂烟囱排出的黑烟所笼罩的居住区。 作者特别关注了“空间感”的丧失。在维多利亚时代早期，城市空间尚能划分为明确的阶级区域，然而在晚期，工业的扩张打破了这种平衡。富人区的边缘与贫民窟的边界模糊不清，却又隔着一道无形的、但异常坚固的社会鸿沟。他细致考察了“黑巷”（Black Alleys）和“棚户区”（Rookeries）的生活状态，指出在这些空间中，时间似乎停滞了，道德沦丧与生存斗争成为唯一的法则。 赫斯金斯运用了大量第一手的田野记录，包括对码头工人的访谈，以及对那些在午夜钟声敲响后仍在工作的手工业者的观察。他认为，伦敦不再是一个由河流串联的有机体，而是一个由机器和资本驱动的、冷漠的巨兽。他犀利地指出，泰晤士河上的船只载满了来自帝国的财富，却也载走了这座城市良知的重量。 --- 第二部分：幽灵的宴会——上流社会的精致与腐朽 与第一部分的贫困描摹形成鲜明对比，本书的第二部分将目光转向了西区（West End）的华丽表象之下。赫斯金斯对维多利亚中上阶层的“自律”与“虚伪”进行了深刻的解剖。 他分析了维多利亚时代晚期盛行的社交礼仪、晚宴文化以及对“体面”（Respectability）的病态追求。这些仪式化的行为，在他看来，是用来掩盖深层焦虑和道德空虚的精致面具。书中重点剖析了“消遣的产业”——歌剧院、高档俱乐部和私人沙龙——这些场所是如何成为贵族阶层逃避现实、进行隐秘放纵的温床。 尤其引人注目的是，赫斯金斯深入探讨了“新贵”阶层的崛起及其与传统贵族的摩擦。这些依靠金融和殖民贸易积累财富的家庭，虽然拥有金钱，却在精神层面被老钱家族所排斥，这种阶级间的紧张关系催生了一种病态的竞争，表现为对奢靡无度的攀比。作者认为，这种对物质的过度迷恋，正是对时代精神危机的一种病态反应。 他笔下的上流社会，并非幸福的象征，而是一群被“物质的幽灵”所围困的灵魂，他们活在精致的囚笼中，恐惧着被揭露或被超越。 --- 第三部分：信仰的坍塌——世俗化与精神的真空 本书最富哲学深度的部分，是作者对维多利亚时代末期精神氛围的考察。随着达尔文主义的深入人心、考古学对圣经记载的质疑，以及科学实证主义的抬头，传统的基督教信仰体系在伦敦精英阶层和知识分子中遭受了前所未有的动摇。 赫斯金斯将其描述为“信仰的坍塌”（The Collapse of Conviction）。他记录了伦敦的教堂如何变得空旷，而取而代之的是各种新兴的、带有神秘主义色彩的思潮——从东方的哲学讨论会到对催眠术、灵媒现象的狂热追捧。这些现象，在他看来，都是人类在失去终极意义后，对任何能够提供慰藉的“新神话”的绝望抓取。 作者对那些试图在科学和信仰之间架起桥梁的“折衷主义者”表示了不屑，认为他们的努力不过是徒劳的修补。他指出，这种精神真空导致了对享乐主义（Hedonism）的纵容，因为如果生命在死后没有奖赏或惩罚，那么眼前的快乐便成了唯一的价值。这为臭名昭著的“世纪末颓废”（Fin de Siècle Decadence）思潮提供了深刻的社会背景。 --- 第四部分：迷失的肖像——城中游荡者与边缘人物 在本书的最后部分，赫斯金斯将焦点投向了那些完全游离于主流社会结构之外的人物，即城市的“边缘人”。这包括流浪儿、夜间的卖艺者、以及那些在煤气灯下进行非法交易的人群。 不同于一般的社会报告文学，赫斯金斯试图理解这些人的“非正常化”过程。他描绘了那些因家庭破裂、经济萧条或精神疾病而被迫流落街头的个体。他没有使用道德批判的语言，而是将其视为社会机器故障的直接后果。 特别值得一提的是，作者对“新女性”（New Woman）现象的关注。他记录了那些试图打破传统约束、进入大学或从事特定职业的女性，但同时也展示了她们在面对僵化的社会结构时所遭遇的巨大阻力与心理困境。她们是旧时代与新时代交替中的牺牲品，是精神觉醒却又被物质世界拒绝的“迷失的肖像”。 赫斯金斯总结道：伦敦，这座人类智慧和工业力量的奇迹之城，在暮色降临时，更像是一座巨大的、由焦虑和遗忘构筑的迷宫。它用坚硬的砖石和无形的阶级壁垒，将人们困在了各自的幻觉之中。 --- 风格与价值 本书的写作风格冷峻、客观，但又充满了古典式的悲剧色彩。赫斯金斯拒绝使用当时流行的感伤主义笔调，而是采用了一种近乎社会病理学的精确记录方式。本书对于研究维多利亚时代末期的阶级冲突、城市化进程、以及精神危机转折点的学者而言，是不可多得的珍贵文献。它为后人理解爱德华七世时代来临前，英格兰社会内在的紧张与不安，提供了独特的、充满细节的侧写。

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这本《风景画研究》真是一次意料之外的惊喜！我原本以为这会是一本枯燥乏味的学术论述，充斥着晦涩的理论和难以理解的术语。然而，当我翻开第一页，就被作者那生动流畅的笔触深深吸引。他并没有直接跳入技法和风格的分析，而是从风景画的起源讲起，将我们带回了那些古老的东方山水画卷，以及欧洲文艺复兴时期对自然世界前所未有的探索。作者以一种几乎是叙事的方式，描绘了艺术家们如何在画布上捕捉流动的光影，如何在笔触间传达自然的呼吸。 他对于不同时代、不同地域的风景画流派进行了细致入微的梳理，从印象派对光线的迷恋，到后印象派对情感的表达，再到象征主义对神秘境界的追求，每一个流派的演变都仿佛在眼前展开。我尤其喜欢作者对莫奈和塞尚的对比分析。他没有简单地将他们归为同一类，而是深入挖掘了莫奈在捕捉瞬间光影的“看得见”的真实，以及塞尚在追求形式结构“看不见”的秩序之间的差异。读到这里，我仿佛能亲身站在莫奈的吉维尼花园前，感受那摇曳的睡莲和变幻的光线；也能站在塞尚的圣维克多山下，体会那层层叠叠的色彩和坚实的体积。

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这本书的语言风格极具感染力，作者以一种非常 personal 的方式与读者交流，分享他对风景画的热情和思考。他不仅仅是在介绍历史上的作品，更是在邀请我们一起走进那些画家的内心世界，去感受他们创作时的灵感与力量。 他对于 Claude Lorrain 的分析，将这位巴洛克时期画家对理想化风景的描绘，与他所处的时代背景下的哲学思想和社会价值观紧密联系起来。作者的洞察力让我惊叹，他能够将艺术与更广阔的世界巧妙地联系起来，让我们看到风景画背后更深层的意义。

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《风景画研究》为我打开了一个全新的视角去欣赏艺术。我一直对那些描绘自然风光的画作情有独钟，但总觉得缺少一种更深层次的理解。这本书恰好弥补了我的遗憾。作者在探讨不同画家对“水”的描绘时，展现了水作为生命之源、时间的象征以及情感载体的多重含义。 他详细分析了水彩画和油画在描绘水面时的不同效果，以及水在不同艺术家作品中如何传递出不同的情感氛围。从 Constable 笔下宁静的河流，到 Turner 笔下汹涌的海洋，每一个细节都被作者挖掘出丰富的文化和心理内涵。这本书的魅力在于，它不仅教会你“看”风景画，更教会你“理解”风景画。

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我曾经对一些抽象的风景画感到困惑，总觉得它们脱离了对真实的描绘。然而，阅读了这本书后，我开始理解到，即使是最抽象的风景画，也蕴含着艺术家对自然世界的深刻理解和情感表达。 作者在探讨“天空”的意象时，以现代抽象画家的作品为例，说明了色彩、线条和构图如何在不描绘具体景物的情况下，依然能够传达出对天空某种感受的抽象化表达。他的理论引人深思，让我对现代艺术有了更深的理解和欣赏。

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这本书的叙述方式非常独特，作者并不拘泥于传统的学术体例，而是将他对风景画的热爱，以及对自然世界的深刻感悟，融入到每一段文字之中。他没有直接列举技法，而是通过对具体画作的深入剖析，让我们体会到技法背后的情感与思考。 例如，他对于梵高笔下《星夜》的解读，不仅仅是关于颜色的碰撞和笔触的狂放，更是关于梵高在那个艰难时期，如何在内心深处寻找慰藉与希望。作者的文字充满了诗意，读起来让人心潮澎湃，仿佛置身于那些画作之中，与艺术家一同感受那份对美的追求。

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让我印象深刻的是，作者在阐述风景画的演变过程中，巧妙地将不同画家的创作理念与当时的社会思潮联系起来。他分析了洛可可时期风景画的装饰性，以及浪漫主义时期对自然神秘力量的崇拜，是如何受到当时社会审美趣味和哲学观念的影响。 他对于 Caspar David Friedrich 的分析尤其让我震撼。Friedrich 那些孤独的旅人背对着我们，眺望着远方的风景，不仅仅是描绘自然之美，更是对人类在宇宙中的孤独感和对精神家园的追寻的隐喻。作者的观点总是那么新颖，能够从独特的角度挖掘出作品的深层含义。

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我对这本书的爱不释手，因为它让我对“风景”这个概念有了全新的认识。作者在探索“山”的描绘时，不仅谈论了山峦的壮丽，更探讨了山在中国文化中作为稳定、权威和精神寄托的象征。 他细致地分析了不同画家笔下“山”的构图和色彩运用，以及这些元素如何共同营造出一种宏伟或宁静的氛围。他的分析总是那么深入且富有启发性，能够让我们从更广阔的视野来欣赏艺术作品。

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这本《风景画研究》的价值在于，它不仅仅是一本关于绘画技巧的书，更是一本关于如何感受和理解世界，以及如何在艺术中找到共鸣的书。作者在谈论“树木”的描绘时，并没有停留在植物学的层面，而是深入探讨了树木在不同文化中作为生命、力量和连接的象征。 他对比了中国山水画中苍劲古朴的松树，以及西方风景画中形态各异的橡树或柳树，并分析了这些树木在不同画家笔下所传达出的独特意境。他的文字充满了人文关怀，能够将冰冷的理论转化为鲜活的生命体验。

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我一直以为风景画的魅力在于其直观的美感，但这本书彻底颠覆了我的认知。作者通过对不同画家笔下“天空”的描绘，展现了天空在不同时期、不同艺术家眼中所承载的象征意义。有的天空是宁静的画布，映照着世间的平和；有的天空是激荡的舞台，预示着命运的转折；有的天空则充满了神秘的色彩，引人无限遐想。 他对于 Turner 的作品的解读尤其深刻。Turner 那些如梦似幻、模糊了界限的风景，不仅仅是对光线和色彩的极致追求，更是对人类在浩瀚自然面前的渺小与敬畏的表达。作者的文字如同画笔，细腻地勾勒出艺术家们的内心世界，让我们感受到他们创作时的激情与困惑。读这本书，就像是在与一位博学多才的向导一起，穿越艺术史的长河，欣赏那些永恒的风景。

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更令我着迷的是，作者并没有将风景画仅仅视为一种视觉艺术，而是将其置于更广阔的历史、文化和哲学背景下进行审视。他探讨了工业革命对人类与自然关系的影响，以及这种变化如何在风景画中得到反映。那些曾经被赞颂的田园牧歌，在机器时代的阴影下，是否也染上了新的忧虑？他引用了大量不同艺术家的访谈和手稿，让我们得以窥见他们创作时的心路历程。 例如，他对于康斯太勃尔笔下英国乡村的细腻描摹，不仅仅是对自然景色的忠实再现，更是对那个时代英国人身份认同和土地情感的深层表达。作者的分析充满了洞察力，他善于在看似简单的画面中发现复杂的意义，将我们带入一个更加立体和丰富的艺术世界。这本书不仅仅是关于风景画的技术，更是关于我们如何看待和理解我们所处的自然环境，以及艺术家如何通过他们的作品与这个世界对话。

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