New Oxford History of Music (The New Oxford History of Music) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford Univ Pr

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页数:0

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出版时间:1995-10

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9780198164470

丛书系列:

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• 音乐史
• 牛津
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音乐的宏大史诗：一部超越时空的听觉之旅 导言：听觉的领域与历史的脉络 音乐，作为人类情感最直接、最深刻的表达方式之一，其发展历程本身就是一部波澜壮阔的文明史。它不仅是旋律、和声与节奏的排列组合，更是社会结构、哲学思潮、技术革新以及个体精神状态的缩影。然而，要试图勾勒出一部包罗万象的音乐通史，其难度不亚于描绘整个人类历史的演变。 我们在此呈现的这部巨著，旨在以一种严谨的、富有洞察力的方式，探索音乐从其起源的模糊边缘，到二十世纪末的纷繁复杂的面貌。它并非对既有学术成果的简单堆砌，而是力求构建一个清晰、连贯且富有批判精神的叙事框架，引导读者穿越不同的时代、地域与文化，深入理解音乐的本质及其在人类社会中的核心地位。 本书的结构遵循时间轴的自然流动，但绝不拘泥于僵硬的年代划分。每一卷（或每一个主要部分）都聚焦于一个特定的历史断层或风格范式，通过深入分析代表性的作曲家、重要的作品、关键的音乐理论突破以及深刻的社会文化背景，来重塑我们对音乐史的认知。 第一部分：远古的回响与中世纪的奠基 音乐的起源深植于人类的原始经验之中，本书从人类学和考古学的角度切入，探讨早期仪式、口头传统中音乐的萌芽。我们追溯了古代文明，如美索不达米亚、古埃及以及古希腊在音乐理论（如毕达哥拉斯的音程学说）上的先驱性贡献，阐明这些早期思潮如何为后世西方音乐的理性结构奠定了基础。 随后，叙事过渡到中世纪的基督教世界。本书详细剖析了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成过程，探讨了修道院在规范化音乐实践中的关键作用。我们深入研究了九世纪前后记谱法的革命性发展——从纽姆记谱到五线谱的演变——这一技术飞跃是如何使得复杂的多声部音乐成为可能。从单音音乐到奥尔加农（Organum），再到奥尔蒂斯（Ars Antiqua）和“新艺术”（Ars Nova）的蓬勃发展，本书细致地梳理了从模糊到清晰的复调音乐的诞生轨迹，并重点分析了如佩罗坦（Pérotin）和纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）等关键人物的创新。 第二部分：文艺复兴的和谐与巴洛克的激情 文艺复兴时期（c. 1400–1600）标志着对人文主义的回归以及对人类创造力的新认识。本书着重分析了弗兰德斯画派（Franco-Flemish School）作曲家如若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）如何通过对文本的精妙处理，将复杂的对位技术与清晰的音乐结构完美融合。巴黎、罗马和威尼斯等音乐中心如何在世俗与宗教音乐之间形成张力与对话，以及复调织体如何达到其巅峰状态。我们探讨了宗教改革和反宗教改革对音乐（特别是弥撒曲和经文歌）产生的巨大影响。 当时间步入巴洛克时代（c. 1600–1750），音乐进入了一个强调戏剧性、对比和情感强度的新纪元。本书的核心在于对“歌剧”（Opera）这一全新艺术形式的诞生及其早期发展的详尽考察。从佛罗伦萨的“卡梅拉塔”到蒙特威尔第（Monteverdi）的创新，我们见证了主调音乐（Tonality）体系的确立。随后的章节聚焦于协奏曲、赋格曲以及清唱剧的发展，并对巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（Handel）这两位巨匠的艺术成就进行了深入的比较分析，探讨了他们如何将巴洛克晚期的对位技巧与情感表达推向了难以企及的高度。 第三部分：古典的清晰与浪漫的解放 古典时期（c. 1750–1820）的音乐以其对形式的严谨、旋律的清晰和结构的平衡感而著称。海顿（Haydn）和莫扎特（Mozart）被视为这一风格的化身。本书详细解析了奏鸣曲式（Sonata Form）作为古典主义核心结构的重要性，以及交响曲、室内乐（特别是弦乐四重奏）如何确立了未来一百年西方器乐的典范。 浪漫主义时期（c. 1820–1910）则是一场对古典主义规范的解放运动。音乐不再仅仅是关于形式的完美，而是成为表达个体内心深处、无限的主观情感的工具。舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）如何将诗歌与音乐提升到新的亲密关系；肖邦（Chopin）对钢琴的独特贡献；瓦格纳（Wagner）对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求以及和声语言的极端拓展，都构成了这一时期的重要主题。本书亦关注了民族主义音乐思潮的兴起，如俄国“五人团”和捷克的德沃夏克（Dvořák）如何从民间音乐中汲取力量，构建独特的国家音乐身份。 第四部分：二十世纪的革新与多元化 二十世纪是音乐史上最为动荡和充满实验精神的时期。工业化、两次世界大战、大众媒体的崛起以及对前卫思想的探索，共同促使音乐领域发生了根本性的断裂。 本书首先探讨了印象主义（如德彪西 Debussy）如何模糊了既有的调性边界，接着转向了表现主义（如勋伯格 Schoenberg）的无调性探索，以及随后十二音体系（Serialism）的建立，这代表着对西方音乐核心原则的彻底颠覆。 随后，叙事扩展到欧洲之外和新兴流派。我们探讨了斯特拉文斯基（Stravinsky）的原始主义、后浪漫主义的残余力量（如马勒 Mahler），以及美国音乐在爵士乐（Jazz）和民间音乐影响下所展现出的独特活力。此外，本书还专门辟章讨论了电子音乐的早期尝试、偶然音乐（Aleatoric Music）的哲学基础，以及简约主义（Minimalism）对重复与过程的回归。 结论：未完成的交响 通过对数千年音乐实践的梳理，本书旨在揭示一个核心观点：音乐史并非一条笔直的进步阶梯，而是一个充满回响、交叉和断裂的复杂网络。从单音的虔诚到复调的逻辑，再到主观情感的洪流，直至当代无边界的实验，音乐始终是人类精神状态最诚实的回声。 这部著作的价值在于其广度和深度，它力求以清晰的学术语言，重构这一宏大叙事，使每一位对声音艺术抱有热忱的读者，都能从中获得对音乐之为人类文明核心活动的深刻理解。它是一次邀请，邀请听者不再仅仅是声音的被动接受者，而是历史的积极探索者。

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坦白说，这套书并非轻松的读物，它的学术深度和内容的丰富性，要求读者具备一定的音乐基础和耐心。但我认为，正是这种不回避复杂性的态度，才使得它成为一本真正有价值的音乐史著作。作者们在处理一些前沿性的音乐理论和复杂的曲式结构时，并没有选择简化，而是通过严谨的分析和翔实的例证，引导读者去理解。例如，在讲解德彪西的音乐时，书中对和声语言的分析就非常到位，让我理解了他如何打破传统调性束缚，创造出独特的色彩感。而对于勋伯格的十二音技法，虽然概念抽象，但书中结合具体的乐谱片段进行的解读，使得我能够逐步掌握其核心思想。阅读过程中，我经常需要停下来，去查找相关的音乐片段，或者回顾之前的章节，以求更深入地理解。这种“慢读”的过程，虽然耗时，但却让我受益匪浅，每一次的“顿悟”都带来巨大的成就感。这本书无疑是一部值得反复品读的经典，它不仅仅提供知识，更培养一种深入理解音乐的思维方式。

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这套书给我带来的最深刻感受，是一种对音乐作为人类精神载体的高度尊重。作者们并没有将音乐仅仅视为一种娱乐形式，而是将其置于人类文明发展的宏大叙事之中。他们探讨了不同历史时期音乐所扮演的角色，从宗教仪式到政治宣传，从情感表达的媒介到社会变革的催化剂。阅读过程中，我经常会联想到书中提到的某个乐章，并试图去体会作曲家在创作时所要传达的情感和思想。例如，在读到贝多芬的《第九交响曲》时，作者们对其中“欢乐颂”的解读，让我对人类对自由、平等、博爱的永恒追求有了更深层次的理解。本书的跨学科视野也令人称赞，它将音乐学与文学、哲学、社会学、艺术史等领域巧妙地融合，为读者呈现了一个多维度、立体化的音乐世界。这本书让我重新认识了音乐的深度和广度，它不仅仅是音符的组合，更是人类情感、思想和历史的凝聚。每一次阅读，都像是一次灵魂的洗礼，让我对音乐，乃至对人类文明本身，有了更深刻的敬畏。

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一本史学巨著，其厚重程度和广博的视野令我深深折服。从古希腊的雅典音乐到中世纪的格里高利圣咏，再到文艺复兴的复调艺术，本书为我打开了一个浩瀚的音乐史画卷。每一章节都仿佛一次深入的学术考察，作者们不仅梳理了音乐风格的演变，更将其置于当时的社会、文化、宗教背景下进行解读，让我得以窥见音乐如何与时代脉搏同频共振。读到巴洛克时期，维瓦尔第、巴赫、亨德尔的创作在书中得到了精妙的分析，从赋格的精巧结构到歌剧的戏剧张力，都让我感受到那个时代音乐的辉煌。而古典主义时期，海顿、莫扎特、贝多芬的创新则被赋予了新的理解，不仅仅是旋律的优美，更是形式的革新和情感的表达。我特别喜欢其中关于早期音乐文献的考证，那些古老的乐谱和手稿，在作者的笔下焕发出生机，让我仿佛能听到来自遥远年代的回响。本书的排版也相当考究，大量的音乐片段插图和精美的版式设计，都极大地提升了阅读体验。即使我并非音乐学专业人士，也能从中获得深刻的启发和知识的满足，它填补了我对西方古典音乐早期发展历程的诸多空白。

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作为一名对爵士乐和摇滚乐情有独钟的音乐爱好者，我最初对这套史书抱有一丝疑虑，担心它会过于侧重古典音乐而忽略了近现代的流行音乐。然而，随着阅读的深入，我的顾虑被完全打消。本书对20世纪的音乐发展进行了详尽的描绘，从印象派的色彩斑斓，到表现主义的内心情感宣泄，再到序列主义的严谨结构，都给予了充分的篇幅。更令我欣喜的是，书中对爵士乐的起源、发展以及不同流派的演变有着精彩的论述，从蓝调的忧郁诉说到摇摆乐的活力四射，再到比波普的复杂即兴，都让我对这一音乐形式有了更深的认识。关于摇滚乐的部分，虽然篇幅相对较少，但也清晰地勾勒出了其发展脉络，从早期布鲁斯摇滚到迷幻摇滚，再到朋克和新浪潮，作者们对其社会文化影响的分析也颇具见地。这本书让我明白，即使是看似“非学院派”的音乐，也有其深厚的历史根源和艺术价值，都值得被认真地审视和研究。

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这本书的价值，绝对不仅仅在于它所承载的音乐史信息，更在于它所提供的一种看待音乐发展的方式。作者们并没有简单地罗列作曲家和作品，而是试图挖掘潜藏在音乐结构、和声色彩、节奏变化背后的深层原因。例如，在探讨中世纪音乐时，他们详细阐述了教会音乐如何成为当时音乐创作的主导力量，以及世俗音乐如何在夹缝中寻求发展。这种宏观与微观相结合的叙述方式，让我对音乐史的理解不再是片段式的记忆，而是形成了一个连贯的、有机的整体。特别是关于音乐理论发展的部分，对十二音体系、十二平均律等概念的解释，虽然略显学术化，但清晰的逻辑和丰富的案例，让我得以理解这些理论是如何深刻地影响了后来的音乐创作。书中对不同文化区域音乐的比较研究，也为我提供了新的视角，让我意识到西方音乐并非孤立发展，而是与其他文化相互影响、借鉴。每次翻开这本书，都像是在进行一场与历史对话的智力探险，总能在不经意间发现新的惊喜和深刻的洞见。

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