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出版者:

作者:（俄）里姆斯基.科萨科夫

出品人:

页数:0

译者:张洪岛

出版时间:

价格:7.90

装帧:平装

isbn号码:9787103002735

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• 音乐
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《和声学实用教程》之外的音乐理论探索：一部通往深度理解的指南 导言：超越基础，直抵音乐结构的核心 在音乐学习的旅途中，《和声学实用教程》无疑为初学者和进阶者搭建了一座坚实的桥梁，使我们能够掌握和声进行、调式转换以及织体构建的基本原则。然而，音乐世界的广袤远超任何一部教程所能涵盖的范围。真正的音乐理解，需要我们跳出既定的和声框架，深入探究隐藏在音符与和弦背后的结构、历史、心理以及哲学意涵。 本书旨在填补这一空白，它不是对和声学的重复或补充，而是对音乐理论更宏大图景的一次系统性、多维度探索。我们聚焦于那些构成音乐本质，却常常在标准课程中被一带而过的领域，引导读者从“如何做”的层面，进阶到“为何如此”的思辨层面，最终实现对音乐的深度感知与创造性应用。 第一部分：音乐结构与形式的解剖学 如果说和声学关注的是垂直的音响堆叠，那么本部分则将目光投向水平的音乐布局——即乐曲是如何被构建、组织和完成的。 第一章：从动机到宏大叙事——音乐形态学的精细描摹 本章将系统梳理音乐形式的演变脉络，探讨从巴洛克时期的精细分工到浪漫主义时期无限延展的结构差异。我们将不再满足于辨认“奏鸣曲式”或“回旋曲式”的标签，而是深入剖析构成这些形式的基本元素（Motif and Phrase）是如何被发展、变异和嵌入到整体叙事中的。 动机的生命周期： 研究节奏型、旋律轮廓如何通过增值、减值、移位、倒影等手法，成为贯穿整部作品的“基因密码”。 片段的逻辑与张力： 探讨乐句在呼吸、停顿、衔接处的微妙处理，如何影响听众对音乐时间的感知。 宏大形式的内在逻辑： 以贝多芬晚期作品和斯特拉文斯基的某些作品为例，分析传统结构如何在现代语境中被解构与重构，揭示其内部的逻辑驱动力。 第二章：节奏的拓扑学——时间维度下的结构分析 节奏不仅是拍号和节拍的简单组合，它更是音乐叙事的时间框架和驱动力。本章将超越基本的节拍划分，进入节奏复杂性与组织策略的研究。 复合节奏与复节奏的哲学： 探讨不同文化背景下（如非洲复节奏、印度塔拉系统）的节奏思维，以及它们如何挑战西方音乐中匀速、线性的时间观。 计量单位的弹性： 分析不规则节拍（如5/4、7/8）的心理效应，以及作曲家如何利用节奏的“不平衡”来制造动态张力。 非欧几里得节奏： 探索在微观上被打破匀速性，但在宏观上仍保持完整逻辑的节奏组织方式，涉及梅西安的节奏模式和极简主义的循环结构。 第二部分：调性之外的色彩与空间 虽然和声学教程会详细讲解大小调体系内的功能和色彩，但本部分将把视野拓展至十九世纪末至今，那些挑战并最终超越传统调性边界的音乐语言。 第三章：色度与音高集合理论的深度剖析 本章探讨如何系统地描述和组织那些不属于传统大小调体系的音高组合。 阿恩海姆的音高集合（Pitch Class Set Theory）： 深入理解集合理论的数学基础，如何用集合的特征向量、分割与互补关系来分析无调性音乐（如勋伯格、韦伯恩）的内部结构。 音响空间的构建： 探讨以十二音体系为基础，如何进行音组的转换（Prime, Retrograde, Inversion, Retrograde Inversion），以及这些操作如何确保了无调性音乐的内部连贯性。 全音阶、五度圈外的探索： 分析八度对称音阶（如全音音阶、半音音阶）在德彪西、拉威尔作品中的“色彩化”功能，及其对和声“功能性”的消解作用。 第四章：调式与微音的边缘地带 本章深入那些介于传统“音符”与“噪音”之间的声音领域。 古代调式与民间音乐的活态研究： 考察非欧洲中心音乐体系（如中东的马卡姆、印度的拉格）中，调式如何与即兴、情感表达紧密结合，并将其原理反哺到西方音乐的“调式运用”上。 微分音响的感知与实践： 探讨四分之一音（Quarter Tones）以及其他微小音高间隔在二十世纪音乐中的应用（如伊夫斯、巴托克），分析人类听觉对微小音差的敏感度和反应机制。 第三部分：织体、配器与听觉心理学 好的和声需要合适的“容器”来承载。本部分关注声音的物理属性、多声部如何交织，以及听众的生理与心理如何共同参与到音乐体验的完成过程中。 第五章：织体学的精微艺术——对位法的动态研究 和声学教程通常教授严格对位法，但本章关注的是如何将对位思维应用于自由和声与管弦乐队配器之中。 旋律线间的互动张力： 研究如何通过不同声部在节奏、音域、音色上的对比和模仿，构建出清晰而富有张力的多声部织体，即使在不强调传统和声功能时。 复调的层次感构建： 分析复调织体中主导声部、次要声部以及背景支撑声部的动态平衡，探讨如何使用配器手段（如音色对比、力度变化）来清晰地划分听觉层次。 模仿与对抗： 深度分析巴赫赋格曲和二十世纪序列音乐中模仿技法的差异，理解模仿是如何从“统一性”工具演变为“结构对比”工具的。 第六章：配器法——从音色到情感的转译 配器是和声的最终呈现方式，本章将配器视为一种独立的创造性学科，超越简单的“哪个乐器演奏哪个音高”。 音色的心理学基础： 研究不同乐器（尤其是管弦乐队）的泛音结构如何影响其听觉感知（例如，圆号的温暖感与小号的穿透力），以及这些物理特性如何被转化为情感暗示。 乐器间的融合与分离： 探讨如何通过精确的音域分配、力度控制和音色混合技术，实现“融合”（Blending）和“清晰分离”（Articulation）的对立统一。 现代配器技术： 介绍如“音色组”（Klangfarbenmelodie）、“噪音与演奏法扩展”（Extended Techniques）等现代配器手法，解析它们如何拓展了音乐表达的可能性，并为读者提供实战性的配器决策框架。 结语：通往原创思维的实践路径 本书的最终目的，是为有志于深入理解和创作音乐的读者提供一个批判性的视角。它要求我们不仅要熟练掌握“和声语汇”，更要理解这些语汇背后的“语法逻辑”与“历史语境”。通过对结构、节奏、非调性系统以及音响物理的全面考察，读者将能够超越既定教程的界限，建立起一套独立、深刻且富有创造性的音乐思维体系，从而在自己的音乐实践中，实现真正意义上的自由与创新。

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对于我这样一位有着十几年音乐学习经历的演奏者来说，能够遇到一本真正能触及灵魂的和声学教材是多么幸运。《和声学实用教程》做到了这一点。它不仅仅是关于“怎么做”，更在于“为什么这么做”。书中对于一些核心和声概念的阐释，既精准又富有哲理，让我对许多以往似懂非懂的理论有了豁然开朗的感受。作者的笔触充满了对音乐的热情和深刻洞察，他在讲解过程中，常常会将和声的运用与音乐的情感表达、曲式结构紧密结合，让我意识到和声不仅仅是音响的叠加，更是音乐叙事的重要组成部分。我尤为喜欢书中关于“和声色彩”的论述，它让我意识到，不同的和弦组合能够带来多么丰富的情感体验，而这恰恰是音乐最迷人的地方。这本书的深度和广度都令人称道，它在涵盖基础理论的同时，也对一些更高级的和声技巧进行了探讨，并且始终保持着清晰的思路和严谨的态度。我将书中一些关于“借用和弦”和“减七和弦”的讲解运用到了我的即兴演奏中，效果斐然，大大拓展了我的音乐表达的可能性。这本书无疑是献给所有热爱音乐、渴望深入理解音乐的读者的珍贵礼物。

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当我拿到《和声学实用教程》这本书时，我本来并没有抱有太大的期待，因为我曾阅读过不少关于音乐理论的书籍，其中很多都以晦涩难懂而著称。然而，这本书的开篇就给了我一个惊喜。作者没有上来就抛出一堆专业术语，而是从一个非常引人入胜的角度切入，探讨了和声在音乐中的作用。整本书的结构设计得非常巧妙，每一章的内容都环环相扣，能够引导读者逐步深入。我特别欣赏书中对各种典型和声进行分析的深度和广度，它不仅仅列举了常见的和弦组合，还深入剖析了这些组合背后的音乐逻辑，以及它们如何被作曲家用来表达特定的情感和意境。书中的乐谱例证清晰明了，而且选取的乐曲范围非常广泛，涵盖了古典、浪漫以及部分现当代音乐，这使得学习过程充满了趣味性和挑战性。我常常会一边阅读，一边对照着原曲去聆听，这种“理论与实践相结合”的学习方式，极大地提升了我对和声的理解力和敏感度。这本书真正让我体会到了，音乐不仅仅是音符的堆砌，更是声音的艺术，而和声，则是这门艺术的灵魂。

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这本书真是太棒了！我一直对音乐充满热情，但总觉得自己在理论方面有些欠缺。偶然间发现了《和声学实用教程》，简直是我的救星！这本书的语言非常通俗易懂，一点都没有枯燥乏味的理论术语堆砌，而是用非常生动的例子来解释复杂的概念。一开始我担心自己基础薄弱，看不懂，但读了之后发现完全是多虑了。作者的讲解循序渐进，从最基础的和弦构成讲起，逐步深入到各种和弦的连接、转位、以及更复杂的和声进行。我尤其喜欢书中大量的例题和练习，让我可以立即将学到的知识付诸实践，加深理解。每次做完练习，我都能清晰地感受到自己在音乐理解上的进步。我曾尝试过其他和声学教材，但都因为过于晦涩难懂而半途而废。而这本《和声学实用教程》则让我真正体验到了学习的乐趣。它不仅仅是教会我“是什么”，更是教会我“为什么”以及“如何运用”。现在，我都能自己分析一些简单的乐曲的和声结构了，这对我来说是巨大的突破。无论是初学者还是希望巩固和声学基础的音乐爱好者，我都强烈推荐这本书。它会让你对音乐的理解上升到一个全新的高度。

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我一直以为和声学是高深莫测的学问，只有音乐学院的学生才能学好，但《和声学实用教程》彻底改变了我的看法。我是一名业余音乐爱好者，平时喜欢弹弹吉他，但总觉得自己的演奏缺乏灵魂。读了这本书之后，我才明白，原来我一直忽略了和声的重要性。作者用非常朴实、接地气的语言，将那些看似复杂的和声原理讲得明明白白。我最喜欢的是书中关于“听”的和声学讲解，它教我如何去辨别不同的和弦，如何去感受和声的色彩变化。这让我更能体会到音乐的情感表达。书中的练习题也非常贴近实际，我经常会尝试用吉他去弹奏书中的例子，然后对比书中的分析，这种“边学边练”的方式让我很快就掌握了书中的知识。现在，我弹奏的歌曲，不仅仅是把音符弹出来，而是能够感受到和声带来的那种厚度和层次感，这让我更加享受音乐。这本书的另一个优点是它的“非学院派”风格，它更注重培养读者的音乐感知能力，而不是死记硬背理论。对于和我一样的业余爱好者来说，这本书简直是福音，它让我有机会更深层次地去理解和感受我喜爱的音乐。

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作为一名音乐专业学生，我对和声学的要求一直很高，尤其需要一本能够兼顾理论深度和实践应用的书籍。《和声学实用教程》这本书的出现，无疑为我带来了惊喜。它并非是市面上那些泛泛而谈、理论性过强的教材，而是真正做到了“实用”。我喜欢作者在讲解每一个和声概念时，都辅以大量具体的音乐实例，并且这些实例都来自于经典曲目，这使得抽象的和声理论变得鲜活而具象。书中的分析非常细致，能够让我清晰地看到各种和弦如何相互作用，营造出不同的音乐情绪和色彩。此外，我特别欣赏书中关于和声写作的指导，它不仅仅教授了基本的规则，更引导我去思考和声的逻辑性和创造性。这对于我进行音乐创作非常有帮助。我已经将书中的一些和声进行模式运用到了自己的作品中，收到了非常好的效果。这本书的排版也很舒服，清晰易读，图片和谱例的质量也很高，方便我学习和参考。总的来说，《和声学实用教程》是一本性价比极高的和声学教材，对于我这样需要系统学习和深入理解和声学的学生来说，无疑是事半功倍的利器。

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