美术之路

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出版者:辽宁美术
作者:鲁迅美术学院 编
出品人:
页数:156
译者:
出版时间:1996-2
价格:37.00元
装帧:
isbn号码:9787531413660
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

《美术之路:油画》内容简介:油画艺术产生于西方并有着悠久的历史,在各个不同的历史时期,涌现出许多的艺术流派和杰出的代表人物。他们的思想、作品都集中体现了当时的政治、经济、文化以及艺术思潮,极大地丰富和拓展了人类的精神世界。

在这漫长的历史进程中,西方的绘画大师运用他们纯熟的绘画技巧,从平面线描到深度空间;从具象绘画到抽象绘画,在我们面前展示出一条条多姿多彩的艺术长卷。这里所介绍的主要是欧洲15世纪到19世纪末的具象写实绘画。

新潮油画的出现在中国一开始就是以一种激进的态度呈现给人们,所以有许多人称之为“前卫”是因为深邃、晦涩的理性与表现绘画、曲高和寡,从而去了与现实生活的直接联系,这样一来就失去了赖以生存的土壤,这种前卫性就成了一个空壳文化,没有了生气。所以随着1989年“中国现代艺术大展》之后便结束了这段历史。

好的,这是一份关于一本名为《光影的低语》的图书的详细简介,内容将严格围绕该书展开,不涉及《美术之路》的任何信息,力求自然流畅: --- 《光影的低语:摄影艺术的视觉叙事与技术精粹》 作者: 陈默 著 出版社: 蓝鲸文化 出版日期: 2023年10月 内容概述: 《光影的低语》并非一本枯燥的技术手册,而是一部献给所有热衷于用光影捕捉瞬间、构建视觉世界的探索者们的深度指南。全书共分为四大核心板块,从追溯摄影艺术的哲学起源,到深入剖析现代数码影像的底层逻辑,再到详尽阐述构建宏大叙事的布光策略,最终落脚于如何将技术转化为个人独特审美的实践之路。 本书的核心不在于教导读者如何简单地按下快门,而在于培养一种“看见”的能力——理解光线如何塑造形体、如何传达情感,以及如何通过构图和时机的精准把握,将稍纵即逝的现实转化为永恒的视觉文本。作者陈默,以其深厚的古典艺术修养和丰富的当代实践经验,成功地将晦涩的技术语言转化为富有诗意的探索过程。 第一部分:光影的哲学与历史的沉淀(追溯之眼) 本部分深入探讨了摄影作为一门艺术形式的诞生背景及其演变历程。我们不再将摄影视为对现实的简单记录,而是将其置于人类感知和表达的历史长河中进行审视。 1.1 从“画室”到“暗房”: 追溯早期的达盖尔法、牛津法等湿版工艺,重点分析化学反应如何首次赋予了人类固定光影的能力。这一章探讨了早期摄影师们如何挣扎于漫长的曝光时间,以及这种限制如何反过来塑造了他们对“静止”主题的选择与表达。 1.2 媒介的张力: 详述19世纪末至20世纪初,摄影在艺术界地位的挣扎与确立。深入分析“皮尔士派”与“纯粹摄影”之间的路线之争。重点解析阿尔弗雷德·斯蒂格里茨(Alfred Stieglitz)如何通过《摄影作品》(Camera Work)确立摄影的“等价性”原则,强调摄影应拥有自身独特的视觉语言,而非模仿绘画。 1.3 纪实与主观性的边界: 探讨了人文摄影的兴起,如布列松的“决定性瞬间”理论,不仅仅是关于技术时机,更是关于对人类境遇的瞬间洞察。本节着重分析了卡蒂埃-布列松、沃克·埃文斯等大师的作品中,如何将客观观察融入了强烈的主观情感色彩,形成了所谓的“视觉诗歌”。 第二部分:像素的语言与感知的重构(技术的内核) 这一部分完全聚焦于现代数码影像的构成原理,旨在帮助读者超越器材参数的迷思,理解技术如何服务于创意表达。 2.1 传感器的“眼睛”: 详细解读CMOS和CCD传感器的结构差异,以及色彩滤镜阵列(Bayer Pattern)如何影响最终图像的色彩保真度与细节捕捉。这不是单纯的电子工程讲解,而是将传感器视为一种新的“感光材料”,探讨其在不同光照条件下的物理局限与潜力。 2.2 曝光三角形的深化理解: 传统上将光圈、快门、ISO视为互斥的关系,本书则将其视为一个动态平衡的“能量管理系统”。快门速度对运动的凝固与模糊、光圈对景深与通光量的控制,以及ISO对信噪比的权衡,被系统性地分解,并结合实际场景进行案例分析,例如如何使用高ISO在极暗环境下保留环境氛围,而非仅仅追求“纯净”。 2.3 色彩科学与后期炼金术: 深入探讨色彩空间(sRGB, Adobe RGB, ProPhoto RGB)的选择意义,以及色彩管理在工作流程中的重要性。后期处理章节重点讨论“非破坏性工作流程”,强调直方图的解读艺术——如何通过分析高光、阴影和中间调的分布,来还原或重塑人眼在现场的真实感受。 第三部分:构建叙事的光学装置(布光与场景设计) 如果说光影是颜料,那么布光就是运笔的策略。《光影的低语》花了极大篇幅,将复杂的影室布光理论转化为可操作的场景构建方法论。 3.1 自然光的“编辑”: 阐述如何像“雕塑家”一样对待自然光。分析正午光、黄昏光、散射光(阴天)的特性,并提供使用反光板、柔光屏、旗板等辅助工具,对自然光进行“裁剪”和“重定向”的实用技巧。 3.2 影棚灯光的层次化构建: 系统介绍三点布光(主光、辅光、轮廓光)的底层逻辑。但重点在于超越基础设置,讲解“光比(Light Ratio)”的精确控制如何直接影响画面的戏剧张力。例如,如何通过精确控制轮廓光来分离主体与深色背景,从而营造出弗里茨·朗电影中那种强烈的“光明与黑暗的对话”。 3.3 创造空间感的深度透视: 探讨焦距选择对空间感的直接影响。长焦镜头带来的压缩感如何强化情感的集中,而广角镜头带来的夸张透视如何构建环境的沉浸感。通过对比同一场景使用24mm、50mm、135mm拍摄的视觉效果,直观展示镜头语言在叙事中的决定性作用。 第四部分:从影像到遗产(艺术家的自我修养) 本书的收官部分回归到创作者的内心世界,探讨技术掌握之后,如何形成个人的视觉印记并构建长期的创作体系。 4.1 图像的“沉默语言”: 分析构图的深层心理学意义。例如,引导线如何引导观众的目光流向情感高潮;负空间(Negative Space)如何用来表达孤独、宁静或期待。强调“留白”本身就是一种强有力的信息传递方式。 4.2 系列创作与视觉连贯性: 探讨如何将一组独立的优秀照片组织成一个具有内在逻辑的“视觉系列”。这涉及主题的提炼、色调的统一性、以及叙事节奏的安排,确保作品集能够像一部完整的交响乐而非零散的音符。 4.3 抵抗“即时满足”的陷阱: 鼓励摄影师进行长期的观察训练和慢速创作。在信息爆炸的时代,真正的艺术价值往往蕴含在那些需要时间沉淀、需要耐心打磨的影像之中。本书倡导回归本质,让每一次曝光都成为对世界真诚而深思熟虑的回应。 --- 目标读者: 本书适合有一定摄影基础,渴望从技术层面迈向艺术表达的摄影爱好者、专业影像工作者,以及对视觉叙事理论感兴趣的艺术院校学生。它旨在成为一本可以长期参考、每次重读都会有新发现的“案头之书”。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本所谓的“美术之路”的书,我拿到手的时候,说实话,期待值挺高的,毕竟名字听起来就充满了探索与进阶的意味。但读完之后,我得说,我的心情就像是爬了一段陡峭的山路,结果发现山顶上只有一块平平无奇的石头。书里大篇幅都在讲一些非常基础的、可以说是人尽皆知的艺术史脉络,从文艺复兴早期的光影处理,到印象派对瞬间色彩的捕捉,再到后现代主义对既有范式的颠覆,这些内容在任何一本入门级的艺术读物里都能找到,而且通常更系统,插图也更精美。作者似乎把大量的篇幅用来罗列那些教科书上都会有的艺术家名字和他们的代表作,但对于这些作品背后更深层次的社会文化语境、艺术家的创作心路历程,甚至是他们如何应对当时的技术革新和赞助体系的变化,都没有进行深入的挖掘。比如,提到达芬奇的解剖学研究对绘画的影响时,只是简单地陈述了事实,并没有深入分析这种科学与艺术的交汇点是如何重塑了那个时代的审美标准。这种叙述方式,对于一个已经对艺术史有基本了解的读者来说,显得冗余且缺乏新意,读起来就像是在重复听一场已经听腻了的讲座,唯一的安慰可能就是纸张的质量还算过得去。

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说实话,这本书的装帧设计与其内容形成了巨大的反差。封面那种深沉的墨绿色配上烫金的字体,透着一股子严肃和权威感,让人误以为里面收录了独到的见解和前沿的理论。然而,当你真正深入阅读时,会发现其论述的深度完全配不上它的外表。它大量依赖于二手资料的引用和总结,缺乏任何原创性的批判视角。我特别关注了其中关于“媒介与技术对艺术创作形态的颠覆”这一章节,期待能看到一些关于数字艺术、装置艺术在空间感知上带来的新冲击的讨论。结果呢?作者只是简单地提了提摄影术的出现如何冲击了写实绘画,然后就止步不前了。对于当代艺术实践中,艺术家如何运用新的材料、新的传播渠道来创作和展示作品,完全是空白。这使得整本书在探讨“路”的时候,似乎只停在了上个世纪中期,对当代艺术世界的蓬勃发展视而不见,或者说,根本无力去捕捉它的脉动。这样的“美术之路”,更像是一条被封存的旧路,而不是一条通向未来的探索径。

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最让我感到困惑的是,这本书似乎陷入了一种“面面俱到,实则无物”的尴尬境地。它试图涵盖太多的艺术流派和时期,结果就是每一个部分都只是浮光掠影,无法提供任何能让我产生深入研究兴趣的抓手。比如,当它谈及中国传统水墨画的“气韵生动”时,用词非常谨慎,显得捉襟见肘,远不如它在阐述西方文艺复兴透视法时来得自信和详细。这种对非西方艺术的论述,常常流于表面的符号介绍,缺乏文化背景的支撑和哲学层面的探讨。对于一个希望通过这本书拓展视野、了解不同文明艺术精髓的读者来说,这本《美术之路》给出的指引是严重失衡的。它似乎更专注于某一个既定的、西方中心的话语体系内打转,对于真正多元化的“艺术之路”来说,这条路无疑是太窄了,也太偏离了方向。我希望读到的是一条更广阔、更具包容性的艺术探索之旅,而不是这份略显陈旧的、有明显倾向性的艺术导览。

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从一个纯粹的审美体验角度来看,这本书的文字风格极其枯燥,缺乏感染力。它更像是一份为应付考试而准备的复习大纲,而不是一本旨在激发读者热情的艺术读物。所有的描述都保持着一种教科书式的客观和冷漠,充斥着大量的术语堆砌,却很少使用能够唤起视觉想象力的生动语言。例如,描述莫奈的《日出·印象》时,它会说“该作品运用了松散的笔触和非传统的色彩组合,成功捕捉了光线在水面上的瞬时反射效果”,这种描述是准确的,但它无法让你闻到海风的味道,看不到阳光穿透薄雾的迷离感。我更喜欢那些能够将艺术家的灵魂和他们的作品用文字编织在一起的叙述,能够让人在阅读时,仿佛能听到画笔在画布上摩擦的声音,或者感受到雕塑家手中泥土的温度。这本书则完全缺失了这种“共情”的桥梁,读起来让人昏昏欲睡,很难将阅读变成一种沉浸式的艺术体验。

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我花了整整一个周末啃完了这本“美术之路”,最大的感受就是一种强烈的失落感,仿佛被领进了一个豪华的展览馆,却发现所有展品都被白布盖着,只允许你在外面走一圈。它试图构建一条从古典到当代的“路”,但这条路的设计缺陷太明显了。路标指示不清,有些路段过于拥挤,信息密度过大,比如在讲到立体主义的几何解构时,文字描述晦涩难懂,根本无法帮助我清晰地在脑海中重建作品的结构逻辑。更要命的是,它在某些关键的转折点上处理得过于草率。例如,从现代主义到战后艺术的过渡,那是艺术观念发生巨变的关键时期,但这本书里,对杜尚的小便池和波普艺术的挪用现象,只是蜻蜓点水地提了一下“对艺术定义的挑战”,然后就急匆匆地转向了抽象表现主义的笔触力度。这种对20世纪下半叶艺术思潮的“跳跃式”处理,完全辜负了“之路”这个名字所承诺的连贯性和引导性。它没有引导我思考,反而让我感觉自己是在看一份被删减了核心内容的导览手册。

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