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出版者:Schirmer/Mosel Verlag Gmbh

作者:Giorgio Agamben

出品人:

页数:96144

译者:

出版时间:2006-9-30

价格:USD 90.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9783829602457

丛书系列:

图书标签:

• Twombly
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• 艺术
• 绘画
• 艺术史
• 现代艺术
• 抽象表现主义
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笔触的低语：关于二十世纪后半叶艺术的另类观察 本书并非一本聚焦于特定艺术家的作品集，亦非对某一特定流派的权威论述。它是一次深入二十世纪后半叶艺术思潮的侧写，一次对那些在喧嚣中寻找静默、在传统中孕育革新的艺术家群像的细致描摹。我们试图避开那些被反复书写、已被定格在艺术史教科书中的宏大叙事，转而探寻那些在主流视野之外，却同样深刻影响了当代视觉文化肌理的“间奏”与“回声”。 本书的视角聚焦于“非直接性”与“物质性中的缺席”。我们探讨的不是艺术品最终呈现的完美形式，而是创作过程中的犹豫、残留与未完成状态。艺术史的巨著往往将作品视为终结，而我们更关注那些被弃置的草稿、未被使用的颜料、被撕毁的布料，以及艺术家在创作过程中无意间留下的身体痕迹——那些构成作品“负空间”的元素。 第一章：纸上的微气候——手稿与工作的边缘 本章细致考察了数位重要（但常被低估的）战后欧洲艺术家如何运用纸张作为一种非正式的抗议媒介。与美国抽象表现主义对大型画布的执着不同，这些欧洲艺术家将纸张视为一个可供实验、自我审视的私密剧场。我们分析了在工作室档案中发现的数百张素描和速写，它们揭示了从构思到最终表达之间漫长而曲折的心理路径。 墨渍的哲学： 我们不研究墨水的颜色，而是研究墨水滴落、洇开时形成的不规则形态，以及它们如何被艺术家视为一种与“偶然性”签订的契约。这些随机性如何被纳入严谨的结构分析中？ 尺度的叛逆： 探讨了小型作品在大型艺术市场中的尴尬地位，以及它们如何在私密的观赏体验中，反而获得了比巨幅作品更强的内向穿透力。 第二章：颜料的记忆体——介质的语言转向 在战后艺术中，颜料不再仅仅是覆盖表面的着色剂，它开始承担起叙事和记忆的功能。本章特别关注那些刻意弱化传统油画光泽和厚度的实践。我们深入研究了艺术家如何使用稀释的乳胶、掺入了沙土或灰烬的混合媒介，以及这些介质如何改变了观看者对“绘画”这一概念的期待。 时间的剥蚀： 研究了使用易变、易氧化的材料（如未固定粉彩或特定类型的石墨）所带来的“预定衰败”美学。作品的价值不再仅仅在于其永恒性，而在于其对时间流逝的敏感捕捉。 底层的透明度： 探讨了艺术家如何故意制造颜料的稀薄，使画布或纸张本身的纹理、甚至背后的支撑结构显露出来。这种“透明化”策略，是对过度修饰的现代主义的反思。 第三章：身体的几何学——空间与行动的痕迹 抽象的本质在于身体的介入。本章摒弃对“运动感”的赞美，转而关注身体在空间中停留的重量和疲惫感。我们审视那些涉及重复性、仪式化动作的艺术实践，这些动作往往以极其微弱、近乎不可见的方式记录在作品表面。 重复的限制： 分析了艺术家如何通过限制自身行动范围（例如，只使用手臂长度内的笔触，或只以单一方向移动）来制造内在的张力。这种限制性如何转化为一种新的自由？ 姿态的“遗嘱”： 探讨了艺术家在作画过程中，其站立、弯腰、甚至呼吸的节奏，如何以极其细微的线条密度变化保留下来，形成一种“非意图的自传体”信息。 第四章：静默的对话——材料的拒绝与材料的融合 本章的重点是那些被艺术家拒绝使用的、或被强行置于不适环境中的材料。例如，在某些被誉为“极简主义”的作品中，我们发现的不是纯粹的材料本质，而是材料之间微妙的排斥与妥协。 拒绝的语境： 考察了艺术家如何通过“不用”某种高贵的颜料或昂贵的画布，来表达对消费主义艺术市场的抵抗，以及这种拒绝本身如何成为一种新的宣告。 边缘的材料： 关注了那些从日常生活中拾取的、带有强烈“非艺术”属性的物质（如生锈的金属片、被遗弃的包装纸）是如何被整合进创作的。这些材料的引入，并非为了猎奇，而是为了探讨“审美阈限”的扩展。 结语：未完成的建筑与持续的提问 本书最终试图构建的，是一个由“未被完整阐释的碎片”和“被忽视的倾向”所构成的艺术地图。我们相信，真正的创新往往发生在对既定范式的微小偏离之中，发生在材料的低语、笔触的犹豫和身体的克制里。这些被细致考察的实践，并非为了寻找一个新的“主义”的标签，而是为了提醒我们，艺术的生命力恰恰存在于其持续的、尚未解决的问题之中。 阅读本书，如同走进一间堆满了艺术家工作室残留物的房间，空气中弥漫着松节油、灰尘和未尽的思绪。它要求观者放下对“宏伟杰作”的期待，转而倾听那些微小、幽微，却至关重要的艺术心灵的呼吸。这是一本关于“如何去看”的书，而非“看了什么”的书。

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坦白说，一开始我有些担心这类深入艺术史的专著会过于学术化，读起来索然无味，但这本书完全打消了我的顾虑。作者的文字功底极佳，他使用了一种兼具诗意和精确性的语言，将复杂的艺术理论包装在引人入胜的故事叙述之中。给我留下最深刻印象的是关于他晚期作品中“空间感”的探讨。他如何通过叠加的层次、细微的颜色变化，在二维平面上创造出一种近乎雕塑般的体积感和深度，书中对此进行了极为细致的解剖分析。而且，作者非常巧妙地穿插引用了合作者、评论家乃至艺术家本人的只言片语，这些“声音”的加入，极大地丰富了文本的立体感，避免了单向度的灌输。我特别喜欢其中一章，探讨了艺术家在创作过程中对“偶然性”的控制与放任，那种在失控边缘徘徊的创作状态，被文字捕捉得栩栩如生。这本书不只是关于一位艺术家的传记，更是一部关于如何观看、如何感受艺术的指南。

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这本书的叙事节奏掌握得相当老道，它没有急于抛出结论，而是像一位经验丰富的导游，带着你慢慢走过艺术家漫长而又充满变数的创作生涯。我最欣赏的一点是，作者没有将艺术家简单地塑造成一个“天才”的标签，而是深入挖掘了他创作背后的文化基因和个人挣扎。书中花费了大量篇幅去解读他作品中反复出现的“迷宫”、“涂鸦”、“回声”等母题，并将其与地中海文明、神话传说，甚至是他个人的漂泊经历联系起来。这种多维度的解读视角，使得原本看似晦涩难懂的抽象作品，突然间变得鲜活而富有层次感。特别是对他在罗马时期所受到的影响，那种古典的严谨与自由的表达之间的张力，被描述得入木三分。阅读过程中，我常常需要停下来，反思自己对“意义”和“无意义”的传统认知。书中的插图选择非常精到，每一幅作品的呈现都恰到好处地支撑了当时的论点，仿佛在提醒读者，艺术的真正力量在于它无法被完全言说的部分。

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翻开这本关于艺术巨匠的画册，首先被一种强烈的、近乎原始的笔触感所震撼。封面那遒劲而又看似漫不经心的线条，仿佛一下子就把你拉进了某种古老的仪式现场。我尤其欣赏作者在梳理这位艺术家创作脉络时所展现出的那种细腻的洞察力，它不是那种枯燥的学院派分析，更像是与艺术家进行了一场跨越时空的对话。书中对于色彩的运用——那些看似随意的涂抹、刮擦，甚至是污渍的处理——都有着极为深入的探讨。我记得有几页专门对比了他早期受到古典主义影响的作品和晚期转向抽象表现主义的转变过程，那种从具象到符号、从叙事到纯粹情感宣泄的过渡，被作者描绘得淋漓尽致。特别是关于他如何将文字的残片、字母的碎片融入到画面中，使其成为视觉元素而非单纯的语义载体，这部分内容让我对“书写即绘画”有了全新的理解。整本书的装帧设计也堪称一绝，纸张的质感、留白的艺术处理，都完美地呼应了作品本身那种空灵而又厚重的气质。读完，感觉像是进行了一次精神上的洗礼，对视觉语言的理解被提升到了一个新的维度。

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阅读这本书的过程，与其说是学习知识，不如说是一种心境的沉淀。它以一种非常克制但又充满力量的方式，展现了如何将人类最基本的情感和最宏大的历史叙事，压缩到一张画布之上。我印象特别深的是对艺术家后期作品中“时间性”的阐释。那些仿佛被风化、被雨水冲刷过的痕迹，是如何暗示着历史的漫长和个体生命的短暂，这种宏大的对比被处理得极其微妙。作者的笔调冷静而富有同理心，他没有强迫读者去“爱上”这些作品，而是提供了一套理解和进入这些作品精神世界的钥匙。书中的一些配图，选取了非常独特的角度，揭示了作品中那些平日里容易被忽略的边缘细节，这些细节往往是理解艺术家思维跳跃的关键所在。总而言之，这是一本需要慢下来、反复品味的著作，它不仅丰富了我的艺术知识储备，更重要的是，它教会了我如何以一种更具耐心和开放性的态度去面对当代艺术中的不确定性与模糊性。

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这本书的结构安排，简直像是一部精心编排的交响乐。它没有遵循严格的编年体，而是根据不同的创作阶段和核心主题进行了灵活的划分，使得每一次的阅读体验都是一次新的发现之旅。我必须称赞作者在处理细节上的那种近乎偏执的严谨。比如，在分析某一系列作品的纸张选择时，作者不仅指出了材料的物理特性，更深挖了这种材料选择背后的哲学意味——那种对“易逝”和“持久”的辩证思考。书中对作品细节的放大和特写描述，通过文字的力量，让我仿佛真的能触摸到画布上颜料的粗粝质感。更难能可贵的是，作者成功地避开了将艺术家的个人生活过度戏剧化的倾向，而是将焦点始终牢牢锁定在创作本身——那些看似随意的线条背后，隐藏着多少次精确的取舍和深思熟虑的布局。读完，你对“留白”在现代艺术中的作用，会有全新的、更为深刻的体会。

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具有随意性特征的作品，在创作过程中各种内外因素都不容易掌控，除了肌理层次的对比，更能感受到的就是这个系列的作品—外在语言在基于力学结构基础上所赋予其自身的这层表达形式，成形拟或不成形之间的搭配，而且内空外秀，less is more—在简单的第一印象背后寻找到更为深入的东西

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