具体描述
李善杰，号玉兰堂主，1958年生于山东省文登市。1980年毕业于山东省莱阳师范学校美术班。1995年函授毕业于曲阜师范大学美术系。1993年考入中央美术学院国画系助教进修班学习研究生课程，2002年入文化部重彩（岩彩）画高级研修班深造。现为山东大学威海分校艺术学院美术设计系副主任、教授，威海市政协委员。1998年荣获“曾宪梓教育基金会优秀教师奖” 称号。 个人作品集《李善杰画集》由天津人民美术出版社出版。论文《绢后作画的尝试》、《国画教学中如何培养学生的创造力》发表于《中国美术》、《文艺研究》杂志。艺术简历及代表作品被编入《全国第二届花鸟画作品集》、《全国第五届工笔画大展作品集》、《全国当代花鸟画艺术大展作品集》、《新经典.重提学院派—全国高等美术院校中国画名师展作品集》等辞书和画集。
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读后感
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用户评价
这本《工笔花鸟画法》真是让人爱不释手，特别是它对传统笔墨韵味的解读，简直是点石成金。我一直对工笔画那种精微之处的刻画心生向往，但总觉得难以把握那种“形神兼备”的境界。这本书的作者显然是一位深谙此道的大师，他没有陷入那种僵硬的描摹，而是将写意与工笔巧妙地融合。比如，书中对不同季节花卉的用色分析，细腻到连光影的变化都考虑进去了。我记得有一章专门讲了如何通过线条的粗细变化来表现枝干的生命力，那几页我反反复复看了好几遍，每看一次都有新的感悟。尤其是那些步骤图，不仅清晰，而且配的文字说明非常到位，不是那种干巴巴的口诀，而是带着温度的经验分享。对于初学者来说，这本书提供了扎实的“内功心法”，而对于有一定基础的人来说，它更像是一本提升审美境界的“秘籍”。我尤其欣赏作者对“气韵生动”的阐释，他强调的不是技法的高低，而是画家内心的表达，这一点，在如今许多只重技巧的画册中是很难得的。
评分坦白说，我原本对市面上那些千篇一律的画法教程有点审美疲劳了，大多是“照猫画虎”式的分解，看完后感觉自己的画技虽然有所提高，但总觉得少了点“灵气”。然而，《工笔花鸟画法》这本书给我带来了耳目一新的体验。它的结构设计非常人性化，不是从最简单的线条开始，而是直接切入到如何观察自然。作者花了大篇幅去讲解如何“捕捉”鸟类的瞬间动态，比如它们梳理羽毛时的那种慵懒，或者振翅欲飞时的那种蓄势待发。这种从“生活”中汲取灵感的教学方式，极大地激发了我的创作欲。书中介绍的拓印和晕染技法，尤其让我眼前一亮，它打破了传统工笔画过于板结的固有印象，使得画面呈现出一种半透明的、灵动的质感。我尝试用书上教的方法去画一只麻雀停在柳枝上的场景，结果发现，那柳条的柔韧感和麻雀羽毛的蓬松感，都比我以前画得要鲜活得多。这本书真正做到了“授人以渔”，教我们如何真正地去看待和理解我们描绘的对象。
评分我是一个对国画历史和理论有一定兴趣的爱好者，很多画册往往只顾埋头教技法，对背后的文化意蕴一带而过。《工笔花鸟画法》的独特之处在于，它将艺术史的脉络巧妙地融入到技法教学之中。例如，在教授画梅花时，作者并未直接开始画枝干，而是先简要回顾了宋元以来文人画对梅花的精神象征意义，然后才引申到如何用“瘦硬”的线条表现那种不屈的风骨。这种“带着思想去绘画”的理念，让我的学习过程变得更加充实和有意义。我不再只是机械地模仿形状，而是开始思考，我画的这朵花，它在传统文化中代表着什么，我想通过它传达怎样的情绪。书中对不同流派在描绘花鸟时所采用的工具差异的探讨也十分精辟，比如清代院体画和晚明民间画派在勾线用笔上的哲学区别。这本书成功地将美学理论、文化内涵与实用技巧进行了一次完美的耦合，提升了读者的整体艺术素养。
评分这本书给我最大的启发在于它对“留白”的处理艺术。在传统的工笔画中，很多学习者为了追求“满”和“实”，往往会将画面塞得满满当当，失去了呼吸感。《工笔花鸟画法》用大量的篇幅探讨了如何利用空白来烘托主体，让“虚”的部分成为画面的重要组成部分。作者提供了一套非常实用的构图法则，不是生硬的几何分割，而是模拟自然界中光线和气流的分布来安排景物。有一组关于“风中竹叶”的练习，它展示了如何通过疏密有致的竹叶排布和适当的空白，营造出一种微风拂过的动态感和空间感，这种“计白当黑”的境界，我以前总是在欣赏名作时感到敬畏，却不知如何着手。通过这本书，我终于找到了一个可操作的路径，将抽象的“意境”转化为具体的落笔方向。这本书的价值在于，它不仅仅教会了我们“怎么画”，更重要的是，它教会了我们“如何去构思”，如何让画面在视觉上达到一种和谐的平衡，这对于任何追求更高艺术层次的画者都是至关重要的财富。
评分这本书的装帧和印刷质量简直是教科书级别的典范。打开书本，首先映入眼帘的便是那些高清、色彩还原度极高的范画。我们都知道，对于工笔花鸟这种对色彩要求苛刻的画种来说，印刷质量直接决定了学习效果的一半。《工笔花鸟画法》在这方面做得无懈可击，无论是孔雀翎毛上的虹彩过渡，还是蝴蝶翅膀上那细如发丝的脉络，都清晰可见，丝毫没有失真。更让我惊喜的是，它不仅仅展示了最终成品，还附带了许多“半成品”的局部放大图，这些细节图对于研究线条的力度和墨色的层次感起到了决定性的作用。我过去常常疑惑，为什么大师的画作中，同一片叶子的正反面颜色会有细微的差别，这本书通过对比展示，清晰地解释了不同底色的铺垫对最终色彩饱和度的影响。这种严谨的学术态度和对细节的极致追求，使得这本书的价值远远超出了普通绘画教程的范畴，它更像是一本珍贵的艺术品鉴赏手册。
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