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出版者:辽宁美术

作者:王猛主编

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2006-12

价格:15.00元

装帧:

isbn号码:9787531436843

丛书系列:

图书标签:

• 手绘
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好的，这是一本关于古典园林艺术鉴赏与实践的图书的详细介绍： --- 《雅集清赏：中国古典园林艺术的意境、技艺与传承》 卷首语：于方寸之间，观天地之大 中国古典园林，非单纯的建筑堆砌，而是哲学思想、文学美学、生态智慧与精湛工艺的完美融合体。它是一种“可游、可居、可观”的艺术空间，承载着中国人“天人合一”的宇宙观和“师法自然”的审美情趣。 《雅集清赏》并非一本枯燥的理论汇编，而是一部带领读者穿越时空，深入体验中国古典园林（以江南私家园林和皇家园林为核心）灵魂的深度指南。本书旨在揭示园林设计背后的“道”与“法”，让读者不仅能欣赏其表面的美，更能领悟其内在的意境与精神追求。 全书共分六卷，脉络清晰，图文并茂，力求涵盖园林艺术的各个维度。 --- 第一卷：意境之源——哲学、文学与园林精神 本卷着重探讨中国古典园林赖以生存的文化土壤，探究其艺术表达的底层逻辑。 1.1 道法自然：儒释道思想在园林中的投射 儒家秩序与中轴对称： 分析皇家园林和官宦园林如何体现礼制与等级，探讨对“规矩”的遵循与巧妙的打破。 禅宗空灵与留白之境： 深入解析佛教禅宗“空”、“寂”的美学如何影响叠石、理水的手法，尤其对文人园林中“以少胜多”的构图策略进行剖析。 道家逍遥与曲径通幽： 探讨道家追求的自然无为状态如何转化为园林中自由流动的空间序列和山石的野逸姿态。 1.2 诗情画意：文学的滋养与主题的构建 诗词入园： 园林命名、匾额楹联的文学考据，如何将特定的诗词意境（如“曲水流觞”、“沧浪濯足”）物化为实体景观。 借景与对景的文学张力： 分析园林如何通过视线引导，将远山、邻家、古树纳入自己的画面，形成“不出城郭而得山水之趣”的文学张力。 园林叙事学： 探讨游览路线的设计如何构成一段有起承转合的“生活史诗”。 1.3 “可游可居”的平衡艺术 解读文震亨《长物志》等经典文献中对理想居住环境的定义，探讨实用功能与审美享受的辩证统一。 --- 第二卷：造物之功——叠石、理水与植物配置的技艺 本卷聚焦于园林三大核心要素的实体操作与美学标准。 2.1 叠山立骨：太湖石的“瘦、透、漏、皱” 石材的甄选与文化价值： 详述太湖石、英德石等名石的形成地貌和市场价值变迁。 堆叠技法辨析： 详细区分南北派叠山手法（如潘 গঠ的“虚实相生”、冯煦的“势”与“情”），重点解析“借土成山”与“就地取材”的实操难度。 山体的象征意义： 论述山体在园林中作为“主体”的地位，以及其在视觉引导和气候调节中的作用。 2.2 理水成韵：水的性格与形态的塑造 动静相宜： 分析活水（溪、泉、瀑）与静水（池、湖）在园林中的功能划分。 水工的精妙： 深入探讨涵洞、驳岸、漏道等水利工程如何与景观融为一体，保证水质和声音的和谐。 镜像与虚空： 探讨水面反射如何扩大空间感，以及“镜水池”的哲学意义。 2.3 植栽寄情：花木的“品格”与四季更替 花木的象征谱系： 牡丹（富贵）、竹（气节）、松柏（坚贞）等植物的文化编码。 四季有景的配置策略： 探讨如何通过不同季节开花的树种和常绿植物的搭配，确保园林在任何时节都有核心观赏点。 植物的造型艺术： 针对藤萝、古桩的修剪艺术，及其在遮蔽视线、引导流线中的作用。 --- 第三卷：筑物立形——空间序列与单体建筑的审美 本卷聚焦于亭、台、楼、阁等实体建筑在空间组织中的角色。 3.1 空间节奏的控制：移步换景的序列 由疏到密，由明到暗： 详细解析“曲径”、“障景”、“漏窗”等手法如何控制游览者的速度和视野的开启与关闭。 开合张弛的韵律： 探讨大小庭院、内外空间（如抄手游廊）的比例关系，如何营造富于变化的节奏感。 3.2 建筑的“入景”与“借景” 亭的功用与美学： 分析方形亭、圆形亭、敞厅、伞亭在不同环境下的功能定位（休憩、观景、界地）。 楼阁的高远与涵容： 探讨楼阁作为制高点，如何实现对外部环境的“借景”和对内部空间的“俯瞰”。 轩榭的通透性： 考察“半开放空间”——轩榭，如何模糊室内外的界限，实现“与自然共生”。 3.3 装饰细节的语汇：漏窗与月洞门 漏窗的纹样解析： 探讨几何形、冰裂纹、万字纹等漏窗图案不仅是装饰，更是光影和视线的滤镜。 月洞门的意境： 分析圆形开洞在打破方正结构、营造禅意空间方面的独特作用。 --- 第四卷：地域风格的差异——南北园林的对话与分野 本卷将视角从共性转向个性，细致对比中国主要园林地域流派的特征。 4.1 江南私家园林（以苏州、扬州为代表）：精微的文人情趣 “不出城郭而获山水之趣”的实现： 聚焦于小尺度下的精致处理，对“咫尺山林”的极致追求。 水体的主导地位： 分析江南园林中水面积的比例，以及“水随地势”的自然处理手法。 4.2 皇家园林（以北京为代表）：恢弘的气度与秩序 中轴线的统领： 探讨皇家园林如何将规整的礼制美学融入山水营造，实现“大尺度的自然化”。 功能复合性： 分析皇家园林作为政治、庆典、避暑等多重功能的集成体现。 4.3 北方园林（如承德避暑山庄）：北方山川的意象提取 山势的雄浑： 探讨北方园林如何用有限的材料模仿北方山脉的宏大体量感。 宗教建筑的融合： 分析藏传佛教建筑风格对北方园林的影响。 --- 第五卷：匠心独运——工具、材料与传统营造技艺的复原 本卷深入生产层面，探讨支撑园林美学的实用技术。 5.1 筑山驳岸的工程学：泥土的力学与时间的魔法 传统夯土、砌筑的工法细节。 雨水管理和地下排水系统在古代园林中的实践。 5.2 瓦作与木作的精细化处理 歇山、悬山、庑殿顶： 古建筑屋顶形制在园林中的应用与区分。 彩画与雕饰： 探究苏式彩画、苏绣工艺在屏风、廊枋上的应用，及其对色彩的严格限制。 5.3 传统工艺的当代传承 对传统木工“榫卯”结构在园林建筑中的应用进行图解分析。 现代材料学视角下，如何评估和保护传统园林中的木构件和石材。 --- 第六卷：当代视野下的园林重塑与保护 本卷将历史考察导向未来的思考，探讨园林艺术的当代价值与挑战。 6.1 园林意境的现代转译 分析当代景观设计如何吸收古典园林的“留白”、“框景”等手法，创造适应现代生活的新空间。 探讨“新中式”设计中，如何避免对古典元素的简单符号化堆砌。 6.2 遗产保护的挑战与责任 科学监测与微气候研究： 现代技术在古建筑病害检测中的应用。 游客负荷与生态平衡： 探讨在旅游开发热潮中，如何维持古典园林生态的微妙平衡。 6.3 结语：园林与人的精神回归 重申古典园林作为精神栖息地的当代意义，鼓励读者将园林审美融入日常生活。 --- 本书特色： 图解丰富： 包含大量手绘剖面图、空间流线图和经典园林建筑的透视图。 田野考察视角： 结合对苏州拙政园、留园、颐和园、避暑山庄等经典案例的实地测绘与解读。 术语规范： 建立了一套清晰的园林名词体系，便于初学者和专业人士共同阅读。 《雅集清赏》致力于成为每一位热爱中国传统美学、渴望在钢筋水泥森林中寻得一隅心灵净土的读者的必备工具书。它是一张通往中国古典园林深层精神世界的门票。

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我得说，这本书的选材和案例的深度，远超出了我以往接触过的同类书籍。它似乎汇集了不同年代、不同地域的视觉艺术精髓，并以一种非常现代和扁平化的方式呈现出来。我尤其欣赏作者对“叙事性构图”的讲解，这部分内容极其详尽，从黄金分割的应用到更复杂的动态平衡，每一个概念都有清晰的图示来辅助理解。作者并没有停留在静态的构图讲解，而是着重阐述了如何在一条流动的叙事线索中，安排视觉重点，引导读者的目光在画面内完成一次完整的“阅读”过程。这对于漫画作者和插画师来说，简直是至关重要的。书中有一个挑战环节，要求读者仅用三种颜色来表现一个复杂的情绪场景，这极大地锻炼了我对色彩“纯粹性”的理解和控制能力。这本书的字体选择和页边距设计也体现了极高的专业素养，阅读体验非常舒适，让人愿意长时间沉浸其中。它让我深刻认识到，优秀的插画作品，其背后是严谨的视觉逻辑和深厚的文化底蕴，这本书正是这座桥梁，连接了创作者的双手与深邃的艺术思想。

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说实话，市面上关于手绘的教程汗牛充栋，大多都是重复老一套的理论，让人提不起精神。但这本书，真的像一股清新的山泉水，让人精神为之一振。它的核心魅力在于，它彻底打破了“传统”与“现代”的壁垒，大胆地将一些看似毫不相关的艺术元素融合在一起，并展示了这种融合能产生的惊人效果。我发现作者对不同媒介的理解非常透彻，书中关于水彩晕染的控制技巧，简直是教科书级别的演示，那种对水分饱和度的精准把控，让人叹为观止。更让我惊喜的是，书中还穿插了一些关于数字绘图软件中特定笔刷模拟传统工具效果的设置心得，这对于习惯于数码创作的同仁来说，提供了非常宝贵的实用信息。这本书的结构组织也十分巧妙，它不是按部就班地从A到Z教授，而是像一个艺术家的灵感笔记，章节之间相互呼应，形成一个完整的知识网络。读完之后，我感觉自己对色彩的敏感度都提高了，以前总觉得某种颜色搭配起来“怪怪的”，现在能从书中找到理论依据，知道如何通过调整饱和度和明度来让它们和谐共存。这本书对于提升艺术家的“审美阈值”具有极大的帮助，它教会我们如何去“看”艺术，而不仅仅是“画”艺术。

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这本新近入手的关于插画风格的书籍，真是让人爱不释手，尤其是对于像我这样一直在摸索如何让自己的作品更具个性和时代感的创作者来说，简直是打开了一扇新世界的大门。书中的内容不仅仅停留在基础的线条勾勒和色彩搭配上，它更深入地探讨了如何捕捉和转化当代流行文化中的视觉符号。举个例子，书中有一个章节专门分析了近年来社交媒体上爆红的那些“梗图”和表情包的视觉构成，用非常直观的图例展示了如何在保持辨识度的同时，注入作者个人的幽默感和批判性视角。我特别欣赏作者在处理人物动态时的那种松弛感，那种不刻意雕琢却又处处透露着设计巧思的笔触，让原本可能略显僵硬的人物形象瞬间“活”了起来。它不是那种教你画出完美解剖结构的教科书，而是更偏向于“如何画出有灵魂、能与观众产生共鸣”的艺术指南。我在尝试模仿书中几种不同情绪表达的脸部特写时，发现那种微妙的面部肌肉牵动和眼睛神采的处理方式，是我过去画稿中一直欠缺的“灵气”。这本书的排版设计也值得称赞，大量的彩页和高质量的印刷，使得即便是放大细节观察，也能清晰地感受到作者的笔触力度和墨水的层次变化。我感觉这不仅仅是一本绘画技巧书，更像是一本关于当代视觉语境的深度观察报告，对于想要在信息爆炸的时代做出有效视觉传达的艺术爱好者来说，绝对是案头必备的参考书。

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我拿到这本书的时候，最先被吸引的是它那本本子般朴实的封面设计，没有华丽的装饰，反而透着一股老派匠人的踏实感。然而，一旦翻开内页，那种强烈的视觉冲击力立刻就让人明白了它的价值所在。这本书的独特之处在于，它将非常复杂的视觉设计理论，拆解成了极易于理解和上手的步骤。它没有采用传统的“步骤一、步骤二”的机械式教学，而是采用了“情景模拟”的方式来引导读者。比如，它会设置一个场景：“如何在拥挤的街角捕捉到那个一闪而过的瞬间美感”，然后围绕这个主题，从构图的取舍、光影的捕捉，到色彩情绪的渲染，进行全方位的解析。这种沉浸式的教学方法，让我感觉自己不是在学习绘画技巧，而是在学习一种观察世界和记录世界的新视角。我尤其对书中关于“背景环境与主体人物的互动关系”的论述印象深刻。作者强调，背景绝非可有可无的陪衬，它需要与主体人物形成对话，共同叙事。我尝试用书中的建议重新绘制了我之前画的一幅风景人像，仅仅是调整了背景中虚化部分的色彩倾向和线条的锐度，整幅作品的层次感和故事性就立刻提升了一个档次。这本书的理论深度与实践指导达到了一个非常完美的平衡点，它既能满足资深画师对技法深度的探索欲，也能让初学者感到亲切和鼓舞，因为它教会你的不是“照着画”，而是“自己去想”。

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这本书最让我感到震撼的地方，是它对“缺陷美学”的推崇与实践。在当下这个追求极致完美和高精度渲染的时代，很多创作者都陷入了一种过度修饰的怪圈。而这本书则反其道而行之，它花了大篇幅讨论如何有意地保留那些看似“错误”的笔触、那些不均匀的上色、甚至是那些“失控”的线条，并将其转化为作品的独特风格标志。作者通过大量的案例分析，展示了粗粝感和手工痕迹如何增强作品的真实感和情感穿透力。例如，书中对于“留白”的处理，绝不仅仅是空白区域的划分，而是一种积极的构图元素，它引导观众的视线，并留下了想象的空间。我根据书中的建议，尝试将我习惯精修的线稿“做旧”，故意让线条产生一些抖动和粗细不一的变化，结果发现，原本略显平庸的人物表情，瞬间多了一种故事感和沧桑感。这本书真正做到了“授人以渔”，它没有提供一成不变的模板，而是提供了一套可以应对任何创作难题的“思维工具箱”。它鼓励创作者拥抱不完美，将每一次的“失误”都转化为下一次进步的契机，这种积极的创作哲学，比任何高深的技巧都更具价值。

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