弋阳腔传奇演出史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:马华祥

出品人:

页数:366

译者:

出版时间:2012-10

价格:58.00元

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isbn号码:9787516117262

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• 弋阳腔
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《皖南古戏新探：徽州传统戏曲的流变与传承》 内容提要： 本书旨在对徽州地区，特别是皖南山区流传的传统戏曲形态进行一次深入、细致的考察与梳理。本书将视角聚焦于徽州历史文化背景下，土生土长的民间戏曲艺术如何萌芽、发展、演变，并最终形成其独特的艺术风貌。全书从历史文献的钩沉、民间田野调查的成果、乐器形制的考证、以及剧目文本的细读等多个维度展开，力求还原徽州戏曲艺术的真实肌理与生命力。 第一章：徽州文化语境下的戏曲起源与早期形态 本章追溯徽州地区戏曲艺术的源头。我们将探讨徽州独有的宗族文化、商业活动（如徽商的足迹）以及宗教信仰（如地方神祇的祭祀活动）对早期民间表演艺术的影响。通过对地方志、文人笔记中关于“社戏”、“雅戏”的零星记载进行考证，初步勾勒出明清时期徽州戏曲的雏形。重点分析了“腔调”与“班社”的早期组织形式，指出徽州戏曲并非单一体系，而是融合了多源流的复合体。本章特别关注了与徽州地理环境紧密相关的“山歌剧”或“山村戏”在这一阶段扮演的角色，它们如何作为底层民众情感表达的载体而存在。 第二章：剧种的形成与风格的确立：徽州戏曲谱系的初步梳理 随着社会经济的发展和戏曲艺术自身的成熟，徽州地区逐渐分化出具有相对稳定演出规范和表演体系的剧种。本章将围绕徽州几大主要的地方戏曲腔调展开分析。不同于某些周边地区成熟的单一剧种，徽州戏曲在很长一段时间内呈现出“多腔并存，互相影响”的复杂局面。 我们将详细剖析不同腔调在声腔板式、科班设置、角色行当上的差异。例如，对某些以“唱工”见长、曲调婉转、多使用“花腔”的腔调，我们着重研究其如何吸收了江淮流域的音乐元素；而对另一些节奏鲜明、发音刚劲、更贴近当地日常口语的腔调，则着重探究其对本土生活气息的保留程度。本章还将引入“行头”和“脸谱”的早期图谱，以直观展示不同腔调在视觉美学上的区别。 第三章：徽州戏班的组织、运行与社会角色 戏曲的生命力在于班社的组织与流动。本章将深入探究徽州戏班的内部结构、经济来源以及他们在地方社会中所扮演的角色。我们考察了戏班在不同季节的活动规律：春季多参与庙会和节庆演出，夏季则可能因气候原因转入室内或暂停，秋季可能跟随商贾队伍外出演出。 关于班社的构成，本书将细致描述班主、师父、台柱、武行、丑角等各个角色的职能和学徒的培养机制。徽州戏班的演出地点也极具特色，既有固定的戏台（如宗祠戏台、村口台），也有大量的“走台”和“便棚”演出。同时，本章也探讨了戏班与地方士绅、富商之间的互动关系，以及戏曲演出在地方礼仪、社会教化功能中的体现。 第四章：文本的嬗变与剧目的生命周期 徽州戏曲的剧目来源极为广泛，既有从外地经典剧目（如昆曲、弋阳腔的母体剧目）移植、改编而成的作品，也有大量取材于徽州地方民间传说、历史事件和道德故事的原创剧目。 本章的核心在于“文本的流变”。我们选取了数个在徽州不同时期、不同腔调中反复上演的经典剧目作为案例，对比分析其在口传心授和舞台实践中发生的词句增删、曲牌转换甚至故事情节的微调。这种对比研究揭示了特定地域环境对经典艺术形式的再创造能力。我们还探讨了“彩本”（演出脚本）与“抄本”（文人记录本）之间的差异，揭示了舞台实践对书面文本的“能动性”。 第五章：音乐本体的考证与乐器组合的地域特色 戏曲艺术的灵魂在于其音乐。本章从音乐学的角度切入，对徽州地方戏曲的唱腔旋律、伴奏乐器组合进行了细致的分析。 我们重点考察了徽州地区特有的几种拉弦乐器和吹管乐器。这些乐器的形制、发声特点，以及它们在不同腔调伴奏中的使用频率和地位，构成了徽州戏曲音乐独有的听觉标识。例如，某些腔调中对某一特定铜管乐器的偏爱，往往成为识别其区域风格的关键线索。本章还尝试根据现存的口传旋律片段，结合民歌采集的资料，重建部分失传或变异的声腔体系。 第六章：现代性冲击下的传承困境与保护实践 进入二十世纪，随着社会结构剧变、城市化进程加快以及新的娱乐方式的兴起，徽州戏曲艺术面临着前所未有的挑战。本章分析了这些外部冲击对戏曲生态造成的破坏性影响，包括演员断层、观众流失、以及传统演出场所的消失等问题。 然而，本书也记录了二十世纪后期至今，地方文化工作者和民间艺人为保护和抢救这些濒危艺术所做的努力。这包括：对老艺人的抢救性记录、对戏曲学校的重建尝试、以及将传统元素融入现代舞台表演的探索。本章旨在提供一个全面的视角，理解徽州戏曲在现代语境下，如何在“传承”与“创新”之间艰难求索，保持其文化基因的延续。 结语：活态的文化遗产 本书最终强调，徽州戏曲艺术并非静止的历史遗迹，而是一种活态的文化遗产。它的每一次演出，都是对历史的重述和对当下的回应。本书的撰写目的，正是为了记录和理解这一独特文化景观的过去与现在，为未来的研究和保护工作提供扎实的学术基础。 附录： 徽州戏曲重要术语解释；主要腔调代表性曲目选录；田野调查口述史摘录。

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这本书的行文风格可以说是相当的“扎实”，一点不带时下流行的轻佻和浮躁气。它更像是上世纪八九十年代那些学术大家埋头苦干多年后才敢拿出的作品，逻辑严密，考证详尽，对于每一次重大的演出事件和重要人物的介绍，都有着详实的文献支撑。虽然初读可能会觉得信息密度有点大，但一旦沉下心来，就会发现作者构建了一个极其坚固的知识框架。比如在追溯某个腔调的源头时，作者会毫不吝啬地引用地方志、家谱甚至祠堂碑刻上的记载，这种多维度的交叉验证，极大地增强了论述的可信度。对我而言，这本书的价值不在于提供一个轻松的阅读体验，而在于提供一种研究地方文化现象的严谨方法论。它教会我如何透过艺术的表象，去触碰更深层的社会肌理，如何理解艺术的“生产”过程，而不仅仅是消费它的成品。

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这本书最让我感到惊喜的是它对“观众”角色的重新定位。以往很多艺术史著作往往将观众视为被动接受者，是艺术家表演的陪衬。然而，这本书却花费了相当的篇幅来描述特定历史时期，特定地域的观众是如何参与到演出过程中的——他们的喝彩、他们的叫座、他们对某个演员的狂热追捧，甚至是对舞台上情节的即时反馈，都在塑造着演出的最终形态。作者描绘的那种热烈的剧场氛围，简直让人心生向往，那不仅仅是看戏，更像是一种社区的集体仪式。书中引用的关于戏班与乡绅、戏班与地方政府之间的复杂关系，也揭示了艺术生存的现实困境与依附性。它让我们明白，任何一种地方艺术的繁荣，都离不开一个健康、活跃且有购买力的本地文化生态圈。读到这些段落时，我甚至能想象到锣鼓声是如何穿透夜色，将整个村镇的人都凝聚到那一方小小的戏台周围。

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这本关于地方戏曲发展的书，真是让我大开眼界。它没有过多地纠缠于宏大的历史叙事，而是聚焦于一出具体的剧种，那种扎根于乡土的生命力，通过作者细腻的笔触被展现得淋漓尽致。我尤其欣赏作者在描绘早期演出形态时的那种近乎人类学的细致观察，比如乐器配置的变迁、舞台空间的利用，乃至于演员的行头和妆容，都如同老照片一样被重新着色，让人仿佛能闻到那个时代特有的木屑和汗水的气味。书中穿插的一些口述史料，更是为冰冷的文字注入了热气腾腾的人间烟火，那些老艺人对舞台的执着和对观众的回应，构筑起一个立体而可感的艺术世界。对于一个业余戏曲爱好者来说，这本书提供了理解地方戏曲如何在历史洪流中自我保存和演进的绝佳范本，它让我们看到，艺术的传承绝不是一蹴而就的教条灌输，而是无数个体在特定地域文化土壤中，用血汗和激情浇灌出来的奇迹。这种深入肌理的叙述，远比泛泛而谈的艺术史要来得深刻有力得多。

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读完这本书，我最大的感受是它在“地方性”与“艺术性”之间找到了一个非常微妙的平衡点。作者似乎刻意避开了那种将地方剧种“拔高”到全国性甚至世界性舞台的常见叙事模式，而是沉浸在特定地域的文化语境中，探究这些表演形式是如何回应当地的社会结构、民俗信仰乃至经济活动的。书中对几次关键性的“危机与转机”的分析，比如在特定历史时期社会对民间艺术态度的转变，以及新兴媒介对传统舞台的冲击，都处理得非常冷静和客观。它不是一本歌功颂德的赞美诗，更像是一份严肃的田野考察报告，充满了对细节的执着和对复杂性的尊重。我特别喜欢它对剧目文本与实际演出效果之间差异的探讨，很多时候，剧本上的文字远不如舞台上即兴的眼神交流和身段变化来得震撼人心，这本书恰恰捕捉到了这种“活的艺术”的魅力。它迫使读者去思考，什么是真正定义一种表演艺术的内核？是剧本，还是那一代代人传递下来的身体记忆？

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如果用一句话来总结这本书带给我的启发，那就是对“失语的艺术声音”的抢救性记录。作者显然是抱着一种抢救和保存的使命感在进行写作。书中对那些已经消逝或濒临失传的表演细节的捕捉，尤其令人动容。比如对某个特定时期某位重要演员的“绝活”的文字重构，虽然无法替代现场观看，但通过作者精确的肢体语言描述和情绪渲染，我们至少可以窥见其万一。这不仅仅是对一种表演形式的记录，更是对一段特定时间、特定人群集体记忆的备份。它让我意识到，很多珍贵的文化遗产，可能就藏在某位老人的模糊回忆里，如果再不加整理和系统梳理，它们就会随着时间的推移彻底消散。这本书的学术价值和文化抢救意义，是超越了单纯的艺术欣赏范畴的，它是一份沉甸甸的文化责任的体现。

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书虽名“演出史”，但大部分重点是在“演出”本身，史的部分并不太多。书中选取了明清两代一些传奇的本子，有描述，有原词摘引，也有一些扮相穿戴等。分析的部分其实没有什么意思，毕竟对于一出戏，仁者见仁智者见智，不需要什么专门的解读。

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书虽名“演出史”，但大部分重点是在“演出”本身，史的部分并不太多。书中选取了明清两代一些传奇的本子，有描述，有原词摘引，也有一些扮相穿戴等。分析的部分其实没有什么意思，毕竟对于一出戏，仁者见仁智者见智，不需要什么专门的解读。

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书虽名“演出史”，但大部分重点是在“演出”本身，史的部分并不太多。书中选取了明清两代一些传奇的本子，有描述，有原词摘引，也有一些扮相穿戴等。分析的部分其实没有什么意思，毕竟对于一出戏，仁者见仁智者见智，不需要什么专门的解读。

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此“专著”既然题为“演出史”，那么，史料的爬梳、历史脉络和历史语境的呈现应十分重要。然而，内容多为演出状况本身的描述，比如现场状况、场前场后表演情形等，其实根本不用此人描述，观众即可仁者见仁智者见智，自有见解。从史著应有的阐释标准来看，一部“演出史”，本来既不能缺少对具体实在之历史场景的描述，也不应欠缺时代的审美风潮的史料辨析。然而纵观该著，既缺乏“史”的观照，也缺乏时代语境的深入阐发，更无法“为戏曲史研究提供新视角，以期构建新的戏曲文学与舞台演出并重的戏曲史研究体系”。该书实乃此人文不对题，沽名钓誉之作耳。据此堪称其“代表作”的滥竽充数之作可见，此人所做学问在中国古代文学领域实在“不入流”。

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书虽名“演出史”，但大部分重点是在“演出”本身，史的部分并不太多。书中选取了明清两代一些传奇的本子，有描述，有原词摘引，也有一些扮相穿戴等。分析的部分其实没有什么意思，毕竟对于一出戏，仁者见仁智者见智，不需要什么专门的解读。