3ds Max&ZBrush次世代游戏模型贴图火星课堂 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:蒲福贵

出品人:

页数:306

译者:

出版时间:2013-1

价格:98.00元

装帧:

isbn号码:9787115295859

丛书系列:

图书标签:

• 软件教程
• 3ds Max
• ZBrush
• 游戏模型
• 次世代
• 贴图
• 美术
• 数字艺术
• 建模
• 火星课堂
• CG

《次世代游戏模型艺术：从概念到渲染的深度探索》 本书并非一本关于具体软件操作技巧的教程，而是旨在为有志于投身次世代游戏模型行业的艺术家提供一个全面、深入的视角，引领他们理解并掌握从概念设计到最终渲染的完整艺术流程。我们将聚焦于“次世代”这一核心理念，解析其在游戏美术中的独特价值与实现路径。 第一部分：次世代审美与核心理念解析 何谓“次世代”： 我们将深入探讨“次世代”在不同游戏时代下的演变，以及当前技术语境下的“次世代”所强调的真实感、细节表现、光影效果和沉浸式体验。这并非仅仅是高面数和高分辨率的堆砌，而是对艺术表现力和技术实现的深度融合。 游戏艺术风格与模型关联： 剖析不同游戏类型（如写实、奇幻、科幻、动漫风等）如何影响模型的设计理念、风格化处理和材质选择。理解风格是模型艺术生命力的源泉，并将学习如何根据项目需求，精准把握并转化艺术风格。 材质的语言： 探讨表面材质在次世代模型中的重要性。我们将分解不同材质（金属、布料、皮肤、石材、木材等）的物理特性，以及它们如何通过纹理、高光、粗糙度、反射等参数在视觉上呈现出惊人的真实感。这部分将侧重于理解材质的“本质”，而非软件中的具体参数设置。 叙事性与模型： 学习如何通过模型的设计来讲述故事，传递角色的性格、背景，场景的氛围和历史。每一个细节，从磨损的痕迹到细微的褶皱，都承载着叙事的信息。 第二部分：模型创作流程的艺术考量 概念到形态的转化： 深入分析如何从二维概念图出发，理解其背后的设计意图和艺术表达，并将其转化为具有空间感和体积感的三维形态。这包括对人体结构、机械设计、自然形态等基础知识的运用，以及如何进行二次创作和细节丰富。 拓扑结构的艺术性： 探讨什么是“干净”和“高效”的拓扑结构，以及它们如何影响模型的变形、UV展开、贴图绘制和性能表现。我们将从艺术设计的角度出发，理解优良拓扑结构对模型生命力的重要贡献。 UV展开的艺术哲学： 分析UV展开的逻辑与艺术考量。如何最大化利用UV空间，如何避免拉伸和扭曲，以及如何通过UV布局来规划贴图绘制的效率和细节表现。 高模的细节雕刻与艺术表达： 学习如何通过高精度建模，捕捉模型表面的细微之处，例如皮肤的毛孔、金属的划痕、布料的纹理等。这部分将侧重于理解雕刻的“手法”背后的“思考”，以及如何通过雕刻来增强模型的真实感和艺术感染力。 低模的优化与艺术权衡： 探讨低模制作的艺术性，如何在保证模型基本形态和可读性的前提下，进行精妙的优化，以适应实时渲染的需求。理解低模并非简单的“简化”，而是艺术与工程的巧妙平衡。 第三部分：纹理绘制的视觉魔法 PBR（物理渲染）材质原理与应用： 深入解析PBR材质系统的核心理念，包括反照率（Albedo）、金属度（Metallic）、粗糙度（Roughness）、法线（Normal）等贴图的作用，以及它们之间相互作用如何模拟真实世界的光照反应。我们将从“为什么”出发，理解PBR的逻辑。 纹理绘制的逻辑思维： 学习如何基于对模型表面材质的理解，进行有逻辑、有层次的纹理绘制。这包括基础颜色、细节纹理、污垢、划痕、磨损等元素的叠加与融合，最终构建出具有丰富视觉信息和故事性的表面。 从观察到表现： 强调从真实世界中观察材质的细微变化，并将其转化为数字纹理的能力。我们将引导读者培养敏锐的观察力，并学习如何将其艺术化地表达出来。 色彩理论在纹理中的应用： 探讨色彩的搭配、饱和度、明度如何影响模型的整体观感，以及如何运用色彩来引导观众的视线，烘托气氛，甚至传递情绪。 第四部分：渲染与呈现的艺术收官 光照的艺术： 深入理解不同类型光源（点光源、聚光灯、面光源、环境光等）的特性，以及它们如何与模型表面材质交互，塑造模型的体积感、材质感和空间感。我们将探讨“如何用光来‘塑造’模型”。 摄像机视角与构图的艺术： 分析不同摄像机视角、焦距、景深如何影响观众对模型的感知，以及如何通过构图来突出模型的重点，营造氛围，引导情绪。 后期合成的艺术化润色： 探讨如何通过后期处理，如色彩校正、对比度调整、景深效果、体积光等，进一步提升模型的最终视觉表现力，使其更具艺术感染力。 游戏引擎中的模型展现： 简要介绍模型在游戏引擎中被加载、渲染的基本流程，以及模型艺术家需要考虑的与引擎相关的优化和技术细节，以确保模型在实际游戏环境中达到预期的视觉效果。 本书旨在提供一个更宏观、更具思想性的艺术指导，帮助读者建立起扎实的模型创作理论基础和艺术判断力，从而在实践中能够更加游刃有余地运用各种工具，创作出真正具有“次世代”生命力的游戏模型。它不是一次性的技能传授，而是对一场漫长艺术探索之旅的启迪与引导。

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让我感到惊喜的是，本书在对工作流的把控上展现出的专业度和前瞻性。在这个迭代速度极快的游戏制作领域，很多资料很快就会过时，但我从这本书中感受到的却是对核心制作理念的坚守与对最新行业标准的兼顾。特别是关于次世代流程中，不同软件之间的桥接处理，比如Max到ZBrush再到Marmoset Toolbag的流程衔接，那些潜在的导出设置和兼容性陷阱，作者都提前进行了细致的预警和解决方案的提供。这体现了作者不仅仅是掌握了工具，更是深刻理解了整个工业化生产线的运作模式。对于需要频繁在不同阶段切换工作的读者而言，这种“全景式”的流程梳理，简直是避免了无数次的试错和返工，极大地提高了学习效率和实际项目中的可靠性。

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如果要用一个词来概括我的阅读感受，那一定是“踏实”。市面上的速成教材太多，承诺几天内让你做出“惊艳”作品，结果往往是徒劳无功。而这本教材给人的感觉是，它为你铺设了一条坚实可靠的“康庄大道”，每一步都需要你投入时间和精力去打磨，但每一步的积累都是货真价实的技能提升。我尤其喜欢书中穿插的一些“陷阱提醒”和“优化技巧”小栏目，这些往往是论坛里大神们互相交流的经验结晶，被系统地整理出来，省去了我们自己去大海捞针的时间。总而言之，这本书的厚度与内容的深度是成正比的，它不是一本用来翻阅一小时就束之高阁的书籍，而是一本可以陪伴我在未来很长一段时间内，不断参照、不断学习和不断提升的“案头工具书”。

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坦白说，我原本对这类技术手册的阅读体验总是抱持着一丝警惕，生怕内容过于干涩，充满了晦涩难懂的术语堆砌。然而，这本关于3ds Max与ZBrush结合的教程，却以一种极其“接地气”的方式，将复杂的流程拆解成了易于消化的步骤。我特别欣赏作者在讲解雕刻细节和拓扑优化时的那种细腻笔触，完全不像那种冷冰冰的软件功能罗列。比如，在处理角色皮肤的微小瑕疵和硬表面模型的磨损痕迹时，书中提供的思路非常具有启发性，它不仅仅告诉你“怎么做”，更重要的是解释了“为什么要这么做”，这种深层次的原理讲解，才是区分“工具使用者”和“艺术创作者”的关键。我尝试着按照其中一个基础角色的案例进行初步的步骤跟进，发现即便是初次接触某些高级功能，也能因为详尽的图文对照而快速上手，那种茅塞顿开的感觉，是很多网络教程都无法给予的。这套体系化的教学方法，极大地降低了从概念到成品之间的那道“理解鸿沟”。

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这本书的价值，绝不仅仅停留在教会读者如何操作软件的层面上，它更像是一部关于“审美与效率”的综合指南。我发现作者在章节的穿插中，巧妙地融入了大量关于如何进行艺术化决策的思考，这在我以往阅读的技术书籍中是比较少见的。例如，在讨论贴图绘制的章节时，它并没有直接跳到Substance Painter的具体笔刷设置，而是先探讨了什么是“有故事感的材质”，如何通过高光、粗糙度和颜色分布来烘托角色的背景和环境。这种先立意、后执行的讲解逻辑，无疑是更高明的教学策略。我个人认为，对于想进入游戏行业的人来说，光有技术是不够的，如何用技术去服务于美术风格的统一性，才是核心竞争力。这本书在培养读者的“美术眼光”方面，确实做得非常出色，它引导我们去思考，如何让模型从“完成品”进化为“具有说服力的艺术品”。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种深邃的太空蓝与金属的质感交织在一起，立刻就把人拉进了一个充满未来感的数字艺术世界。我拿到实体书的时候，首先就被它厚实的纸张和精良的印刷质量所折服，这绝对不是那种廉价的培训资料能比拟的。我一直对次世代模型的制作流程充满好奇，尤其是那些在顶级游戏作品中看到的、细致入微的材质表现，总觉得是个遥不可及的领域。这本书的排版布局非常清晰，每一个章节的过渡都显得自然流畅，像是有一位经验丰富的导师在旁边耐心引导。虽然我还没有深入到实操环节，但光是阅读前几章对基础理论的阐述，就让我对PBR流程有了更系统、更深入的理解。那种将概念理论与实际操作紧密结合的编排方式，让人感觉每翻一页都在向专业水准迈进。对于我这种有一定基础，但渴望突破瓶颈的业余爱好者来说，这种高品质的呈现本身就是一种激励，它让我对接下来的学习充满了信心和期待，感觉自己手里捧着的不仅仅是一本书，更像是一张通往高阶制作的邀请函。

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