当代美国戏剧史（1950-1995） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:南京大学出版社

作者:周维培

出品人:

页数:280 页

译者:

出版时间:1999-01-01

价格:15.00

装帧:平装

isbn号码:9787305031946

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《美国剧场的风云变幻：1950-1995》 1950年至1995年，这四十五载光阴，见证了美国戏剧前所未有的蓬勃发展与深刻变革。这是一个充满活力、多元碰撞、挑战传统、拥抱创新的时代，美国戏剧在经历了战争创伤和战后复苏后，开始以更加独立、更加尖锐、更加多元的面貌出现在世界舞台上。本书旨在勾勒出这段波澜壮阔的历史图景，探寻在时代浪潮中，美国戏剧如何演变、如何思考、如何表达。 战后余晖与新锐萌芽（1950s） 二十世纪五十年代，美国戏剧在继承了“伟大美国戏剧”传统的同时，也孕育着新的种子。田纳西·威廉姆斯和阿瑟·米勒这两位巨匠，依然是这一时期戏剧界的灵魂人物。威廉姆斯笔下那些充满感伤、欲望纠葛、边缘人物命运的女性形象，如《欲望号街车》中的布兰奇，《热铁皮屋顶上的猫》中的玛格丽特，她们的痛苦与挣扎，深刻映照了美国社会转型期的焦虑与不安。米勒则以其深刻的社会批判和对个体在社会洪流中命运的关注，在《推销员之死》之后，继续探索家庭、道德、资本主义的腐蚀性影响。然而，五十年代的戏剧舞台并非只有沉重的现实主义。随着美国经济的腾飞和文化自信的提升，一些更具实验性和喜剧色彩的作品开始崭露头角。百老汇的音乐剧依然保持着强大的生命力，不断有新的经典诞生，为观众带来视听的享受和轻松的愉悦。同时，一些非主流的、小型剧团开始在大学校园和城市角落里进行探索，为未来的戏剧革新埋下了伏笔。 反叛与解放的浪潮（1960s） 如果说五十年代是美国戏剧的承前启后，那么六十年代无疑是一场颠覆性的革命。这是一个充满社会变革、民权运动、反战思潮的年代，戏剧作为一面镜子，真实地反映了时代的躁动与不安。 “向上剧场”（Off-Broadway）与“前沿剧场”（Off-Off-Broadway）的崛起： 随着对百老汇商业化和传统模式的质疑，一大批独立剧团和剧场开始在“向上剧场”和“前沿剧场”涌现。它们打破了传统的舞台限制，采用了更具实验性的叙事结构、表演方式和舞台呈现。例如，约瑟夫·帕普（Joseph Papp）创办的纽约公共剧院（New York Public Theater），成为了许多先锋戏剧的孵化器。 荒诞派戏剧的影响： 欧洲荒诞派戏剧的思想，如萨缪尔·贝克特和尤金·尤内斯科的作品，深刻影响了美国戏剧家。他们笔下那些缺乏明确意义、人物行为怪诞、语言支离破碎的戏剧，精准地捕捉到了人类存在的荒谬感和沟通的困境，在动荡的年代引起了广泛共鸣。 黑色幽默的兴起： 爱德华·阿尔比（Edward Albee）以其尖锐的讽刺、对中产阶级虚伪的揭露，在《谁害怕弗吉尼亚·伍尔夫？》等作品中，展现了黑色幽默的强大力量。他笔下的人物，言辞犀利，充满攻击性，直击人性的弱点和社会的病态。 音乐剧的新方向： 尽管仍有传统的音乐剧作品，但六十年代的音乐剧也开始尝试更具社会意识和实验性的主题。例如，史蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）开始在音乐剧中探索更复杂的叙事和深刻的人物心理，为音乐剧的发展开辟了新的可能性。 黑人戏剧的觉醒： 民权运动的兴起，也催生了黑人戏剧的蓬勃发展。拉尔夫·埃里森（Ralph Ellison）、詹姆斯·鲍德温（James Baldwin）等作家虽然更多地活跃在文学领域，但他们的思想和对黑人身份的探讨，深刻影响了后来的剧作家。像勒罗伊·琼斯（LeRoi Jones，后改名 Amiri Baraka）等人的作品，直接挑战种族歧视，以强烈的政治性和艺术性，为黑人发声。 现实主义的反思与多元化的探索（1970s） 七十年代，美国戏剧在经历六十年代的剧烈动荡后，开始进入一个反思与整合的时期。一方面，现实主义戏剧依然占据重要地位，但其手法和关注点开始发生变化；另一方面，多元化的戏剧表达方式和主题得到了更广泛的探索。 对社会问题的深刻挖掘： 尽管“政治正确”的讨论尚未普遍，但许多剧作家开始将目光投向社会边缘群体和被忽视的问题。例如，对女性主义的关注开始在戏剧中显现，对性别歧视、家庭暴力等议题的探讨日益增多。 新现实主义的演进： 现实主义并未消失，但其表现方式更加细腻和内省。剧作家们不再满足于简单的社会批判，而是深入挖掘人物的内心世界和复杂的人际关系。对日常生活的真实描绘，以及对人物细微心理的捕捉，成为这一时期现实主义的重要特征。 黑色喜剧的延续与深化： 黑色幽默依然是许多剧作家表达对现实不满的方式。但其表达更加含蓄，有时甚至带有一丝悲凉。对人类存在的荒谬感和生活的不确定性的描绘，在这一时期得到了更深层次的展现。 实验戏剧的持续发展： 尽管百老汇依然是主流，但实验剧场的发展势头不减。各种形式的肢体剧、多媒体剧、即兴剧等层出不穷，不断挑战观众的观剧习惯和审美认知。安迪·沃霍尔（Andy Warhol）等艺术家对戏剧的跨界尝试，也为戏剧带来了新的视觉元素和观念。 女性主义戏剧的兴起： 随着女权运动的深入，女性剧作家开始发出自己的声音，探讨女性的生存状态、性别权力关系以及身份认同。玛莎·诺曼（Marsha Norman）的《晚安，母亲》等作品，深刻揭示了母女之间的复杂情感和女性的困境。 少数族裔戏剧的拓展： 除了黑人戏剧，其他少数族裔的戏剧也开始得到更多的关注。对拉丁裔、亚裔等族裔文化、身份和历史的探讨，为美国戏剧注入了更多元的色彩。 后现代的解构与跨界融合（1980s-1990s） 八十年代和九十年代，美国戏剧进入了一个后现代的语境，解构、拼贴、跨界融合成为重要的特征。与此同时，商业化与艺术性的平衡、传统与创新的碰撞，也构成了这一时期戏剧发展的复杂图景。 后现代主义的影响： 后现代主义思潮的渗透，使得戏剧叙事更加碎片化、非线性。对宏大叙事的质疑，对文本多义性的强调，以及对观众主动参与解读的鼓励，成为这一时期戏剧的显著特点。 类型剧的创新与商业化： 百老汇依然是商业戏剧的重镇，但涌现了许多在艺术性和商业性上取得成功的作品。例如，音乐剧在技术运用和舞台呈现上有了极大的飞跃，一些作品将经典故事进行现代解读，或是探讨更具争议性的主题。 新一代剧作家的崛起： 托尼·库什纳（Tony Kushner）的《在天堂之美》（Angels in America）等作品，以其宏大的史诗格局、对政治、性、宗教、艾滋病等议题的深刻探讨，标志着新一代剧作家在思想深度和艺术追求上的突破。大卫·马梅（David Mamet）则以其独特的语言风格和对男性世界、权力关系的精准刻画，获得了极高的声誉。 多元文化戏剧的繁荣： 亚裔、拉丁裔、原住民等不同族裔的戏剧创作活动日益活跃，他们从自身的文化视角出发，讲述自己的故事，为美国戏剧的多元化注入了更丰富的能量。 肢体剧、行为艺术与装置艺术的融入： 舞台表演的界限变得模糊，肢体剧、行为艺术、装置艺术等多种艺术形式与戏剧发生了深度融合。一些剧团更加注重视觉呈现和身体表达，试图以更加直接和感官的方式与观众沟通。 技术的力量： 科技的进步，如灯光、音响、多媒体技术的运用，为戏剧的舞台呈现带来了前所未有的可能性，使得许多曾经难以实现的舞台效果得以实现。 主题的拓展与深刻化： 艾滋病危机、后殖民主义、全球化等时代议题，开始越来越多地出现在戏剧作品中。剧作家们以更加敏锐的视角，关注当代社会的重大挑战，并试图在舞台上寻找解答。 结语 从战后现实主义的深刻反思，到六十年代的反叛与解放，再到七十年代的多元探索，以及八十、九十年代的后现代解构与跨界融合，1950年至1995年间的美国戏剧，始终与时代同频共振，以其丰富多样的形式和深刻的思想内涵，不断挑战边界，拓展可能。这段历史，不仅是美国戏剧发展史上的辉煌篇章，更是理解当代美国社会文化变迁的一扇重要窗口。本书将深入剖析这一时期的代表性剧作家、重要作品、艺术流派和时代思潮，力求呈现一幅全面而生动的美国戏剧画卷，带领读者穿越戏剧的时光隧道，感受那段激荡人心的岁月。

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坦率地说，我原本以为这是一本枯燥的学术专著，充斥着晦涩的理论术语，但翻开之后才发现，作者的笔触充满了激情与洞察力。它更像是一部引人入胜的“幕后故事集”，讲述了那些不甘平庸的艺术家们如何在僵化的体制内杀出一条血路。我尤其欣赏作者对于不同流派之间内在联系的挖掘，比如先锋派对后现代主义戏剧的渗透，这种层层递进的分析，使得原本看似零散的剧目变得井然有序。书中对于剧场实践的描述也极为生动，不仅仅是“演了什么”，更重要的是“如何演”以及“为什么那样演”。例如，书中对某些以非线性结构著称的剧作家的处理方式，显示了作者深厚的戏剧鉴赏功底，能够穿透文本的迷雾，直抵其艺术内核。这本书极大地拓宽了我对美国戏剧多元性的认知，让我看到了一个远比我想象中更为复杂、更具反叛精神的舞台世界。

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这部作品的叙事视角非常独特，它深入剖析了战后美国社会在文化和政治上的巨大变迁，尤其关注那些在舞台上勇敢挑战传统观念的剧作家们。作者没有停留在对剧本内容的简单复述，而是巧妙地将剧作家的个人生活、当时的社会背景，以及戏剧理论的发展脉络编织在一起，形成了一幅宏大而又细腻的时代画卷。阅读过程中，我仿佛置身于那些充满张力的剧场之中，亲眼目睹了美国梦的裂痕如何被舞台灯光无情地揭示出来。从尤金·奥尼尔晚期影响力的延续，到爱德华·阿尔比对中产阶级虚伪性的尖锐解剖，再到后来的实验剧场的兴起，每一步的转折都交代得逻辑清晰、论据充分。特别是对某些关键剧目首演时引发的争议和反响的描述，详实到让人可以感受到那种文化冲击的力度。这本书的价值在于，它不仅是戏剧史的梳理，更是理解特定历史时期美国精神面貌的一把钥匙。它提醒我们，戏剧从来不只是娱乐，更是社会良知的瞭望塔。

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从一个普通戏剧爱好者的角度来看，这本书的魅力在于它成功地将“历史性”与“可观赏性”完美地融合了。它清晰地梳理了从二战后集体主义叙事逐渐瓦解，到个人主义和碎片化叙事占据主导地位的整个过程，而戏剧正是这一转变最敏感的晴雨表。作者对于“剧场空间”本身的关注也令人耳目一新，不同的剧场（如百老汇、外百老汇、实验剧场）如何承载和塑造了不同的艺术表达，这一点被分析得丝丝入扣。书中对于几位关键性导演的介绍，也展现了他们如何通过对舞台调度和视觉呈现的创新，极大地改变了观众的接受方式。总的来说，这本书为我提供了一个全新的、多维度的视角来欣赏和理解那些看似熟悉的舞台作品，它不仅仅是一部梳理性的历史，更是一部启发思考的艺术宣言，让我对美国舞台艺术的生命力有了更为坚定的信心。

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这本书带给我一种强烈的冲击感，因为它迫使我重新审视那些我过去可能只是“听说过”的剧作家和作品。作者在论述过程中展现了一种近乎于侦探般的求真精神，对一些长期存在于研究界中的“定论”提出了令人信服的质疑和修正。我特别喜欢它对“美国戏剧的本土性”这一概念的探讨，作者没有简单地将其归结为对欧洲传统的模仿或反叛，而是深入挖掘了美国特有的历史创伤、移民经验以及资本主义精神对舞台艺术形态的塑造作用。行文风格上，它摒弃了学院派的故作高深，转而采用了一种近乎对话式的、充满激情的阐释方式，使得即便是复杂的戏剧结构理论也能被清晰地传达出来。全书的节奏把握得极好，起承转合之间，将一部跨越半个世纪的文化史诗徐徐展开，令人手不释卷，想要一口气读完。

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这本书的结构安排非常精妙，它没有采用简单的时间轴推进方式，而是围绕几个核心的“主题断层”来组织内容，这使得阅读体验充满了发现的乐趣。比如，探讨身份政治如何在舞台上找到立足点的那一部分，作者对比了不同族裔剧作家在处理同一社会议题时的视角差异，分析得鞭辟入里，极具思辨性。我特别留意到作者在引用一手资料时的审慎态度，大量的访谈记录和演出评论被巧妙地穿插其中，增强了文本的现场感和可信度。对于那些刚刚接触美国戏剧研究的读者来说，这本书无疑是一份极佳的导航图，它不仅告诉我们“发生了什么”，更重要的是解释了“为何发生”，并且提供了理解这些现象的理论框架。读完之后，我感觉自己对美国当代文化中“冲突与对话”这一母题有了更深刻的理解，这得益于作者高超的文本驾驭能力。

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一个圣代的价钱

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书太老了，不过基本上总结了所有美国有名的戏剧家，找不到作者写可以看看

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