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出版者:清华大学出版社

作者:何洁

出品人:

页数:131

译者:

出版时间:2006-12

价格:36.00元

装帧:

isbn号码:9787302131670

丛书系列:

图书标签:

• 数字图形
• 图形构成
• 设计基础
• 视觉传达
• 艺术设计
• 平面设计
• 构成原理
• 设计元素
• 创意设计
• 图像处理

《数字图形构成》 内容简介： 本书是一部关于数字艺术创作的实践指南，深入浅出地探讨了数字图形的构成要素、表现形式及其在当代设计领域的广泛应用。作者以严谨的理论基础为支撑，结合丰富的案例分析，系统地梳理了从二维平面图形到三维空间视觉的演进过程，旨在为读者提供一套全面而系统的数字图形创作方法论。 全书共分为四个部分，层层递进，由表及里地剖析数字图形的内在逻辑和外在表现。 第一部分：数字图形的基石——点、线、面与色彩的重塑 本部分首先回溯了图形构成最基本的视觉语言，即点、线、面。不同于传统艺术中的物理线条和色块，本书重点阐述了在数字媒介下，这些基本元素如何通过算法、像素排列、矢量路径等方式被重新定义和构建。读者将了解到如何运用数字工具精确控制点的坐标、线的粗细与曲率，以及面的边界与填充。 在此基础上，本书深入探讨了色彩在数字图形构成中的关键作用。从RGB、CMYK等色彩模型的原理出发，详细介绍了色彩的心理学效应、色彩搭配的理论与实践，以及如何在数字环境中精准地实现色彩的还原与表达。我们将学习如何运用色彩的饱和度、明度、色相来营造不同的氛围和情感，并掌握利用色彩对比、和谐与统一来增强图形的表现力。此外，还将介绍色彩系统在品牌识别、用户界面设计等领域的实际应用。 第二部分：形式的语言——肌理、空间与动态的编织 在掌握了基本构成要素后，本部分将聚焦于数字图形的形式感塑造。首先，本书将引导读者探索数字肌理的生成与运用。通过程序化纹理、噪点、高斯模糊等技术，读者将学会创造出细腻或粗犷的表面质感，为二维图形增添深度和触感，或为三维模型赋予写实或抽象的材质表现。 接着，本书将重点讲解数字空间感的营造。在二维平面中，通过透视、重叠、虚实结合等手法，可以创造出模拟三维空间的视觉效果；而在三维数字环境中，则会详细介绍建模、布线、光照、材质等关键技术，以及如何通过构图和视角来引导观众的视觉流向，构建出令人信服的空间场景。 最后，本部分将触及数字图形的动态维度。从简单的动画循环、关键帧动画，到复杂的物理模拟和粒子系统，本书将介绍如何为静态图形注入生命力，创造出引人入胜的动态视觉体验。这部分内容将为理解数字叙事、交互设计和视觉特效打下基础。 第三部分：数字媒介的赋能——软件、算法与交互的融合 本部分将视线转向实现数字图形构成背后的技术支撑。书中将不拘泥于对单一软件的介绍，而是侧重于讲解不同类型数字设计软件（如矢量图形编辑软件、位图编辑软件、三维建模与渲染软件）的核心功能和工作流程，以及它们如何协同工作，实现复杂的图形创作。 此外，本书还将探讨算法在现代图形设计中的重要性。从基于规则的程序化生成，到利用机器学习进行创意辅助，读者将了解算法如何能够极大地扩展创作的边界，实现更加高效和富有想象力的图形设计。 最后，本部分还将触及交互设计在数字图形构成中的地位。如何通过图形设计来提升用户体验，如何在动态交互中展现图形的魅力，以及用户界面（UI）和用户体验（UX）设计中的图形元素扮演的角色，都将得到深入的讨论。 第四部分：数字图形的应用——设计、艺术与未来的展望 在掌握了理论和实践方法后，本书的最后一章将聚焦于数字图形在各个领域的实际应用。我们将深入探讨数字图形在平面设计（海报、宣传册、包装）、网页设计、移动应用设计、品牌视觉识别系统（VI）中的核心作用，以及如何运用数字图形来构建清晰、有效且具有吸引力的信息传达。 同时，本书还将关注数字图形在当代艺术创作中的表现。从数字绘画、插画，到电脑生成艺术（CGI）、虚拟现实（VR）和增强现实（AR）艺术，以及数据可视化等前沿领域，都将通过丰富的案例展示数字图形作为一种强大的艺术媒介，如何拓展人类的感知边界，激发新的创作灵感。 最后，本书将对数字图形技术的未来发展趋势进行展望，包括人工智能对图形创作的影响、沉浸式媒体的发展以及数字资产的未来价值等，鼓励读者在不断变化的数字环境中保持学习和探索的精神。 《数字图形构成》旨在成为数字艺术和设计领域的初学者和实践者的一站式学习资源，通过理论与实践的结合，帮助读者构建扎实的数字图形知识体系，提升创作能力，并在数字时代浪潮中找到属于自己的创新路径。

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阅读体验上，本书的文字组织和结构安排实在令人抓狂。它的章节划分逻辑似乎更倾向于作者个人的学术兴趣线索，而非对读者学习路径的友好引导。每一章的内容都像是一系列相互关联但缺乏清晰递进关系的知识点堆砌，导致我很难建立起一个连贯的知识体系。举个例子，关于“平衡”的讨论，一会儿出现在基础图形元素那一章，一会儿又在色彩心理学的高级章节中被再次提及，而且每次的侧重点都不同，这使得我难以确定到底哪一部分是核心概念的定义。对于想系统学习构成原理的人来说，这种跳跃式的叙述方式极大地增加了理解的难度和时间成本。如果能采用“从基础元素→组合原则→实际应用”的清晰路径来组织内容，配上更规范的术语表和索引，相信读者的学习效率会高出许多。目前这种散乱的叙述风格，让查找特定知识点成了一项挑战，更像是翻阅一本包含了所有笔记的草稿本。

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这本书在“信息架构”和“视觉层级”的讨论上，虽然触及了核心概念，但其论述方式过于偏向于排版和印刷品的布局范畴。我非常希望能看到针对用户界面（UI）和用户体验（UX）设计中，如何运用这些构成原则来优化信息流和用户交互的案例。例如，在设计一个复杂的App仪表盘时，如何通过色彩的饱和度对比、形状的引导性以及留白空间的不对称平衡，来高效地传达数据优先级，这本书里几乎没有这方面的深入分析。所有的例子都停留在静态的海报或书籍内页设计层面，缺乏动态和交互的考量。我期待的“数字图形构成”应当涵盖如何处理响应式设计中图形元素在不同屏幕尺寸下的自适应变化，或者如何利用动画曲线来平滑过渡不同状态的图形元素，但这些现代设计中的关键议题，在《数字图形构成》中被完全忽略了。它提供的是静态美学的根基，而不是动态交互的实践指南。

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这本《数字图形构成》的作者显然对色彩理论和视觉传达有着深刻的理解，然而，我在这本书中却找不到任何关于数字艺术软件操作的实际指导。我期待能看到如何运用Photoshop或Illustrator来构建复杂的几何图案，或者至少是关于特定软件工具的功能解析，但通篇都是抽象的理论阐述。比如，书中详尽地分析了“黄金分割”在二维平面布局中的应用，从美学角度剖析了其在不同文化中的历史演变，这一点确实引人入胜，但对于一个急需提升平面设计技能的初学者来说，这些理论显得高高在上，缺乏即时的可操作性。我想要的是“如何做”的蓝图，而不是“为什么美”的哲学思辨。如果这本书能增加一个关于位图与矢量图形差异在实际设计中的运用实例，或者讲解一下不同色彩模式（如RGB与CMYK）在屏幕显示与印刷输出中的精确控制方法，那么它的实用价值将会大大提升。现在的阅读体验，更像是在翻阅一本艺术史或设计哲学著作，而不是一本聚焦于“数字图形构成”的技术指南。我对那些复杂的数学模型在构成中的作用很感兴趣，但它们被描述得过于晦涩，缺乏清晰的图例辅助说明其在实际数字画布上的体现。

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我花了大量时间试图从中寻找关于三维空间概念在二维平面表现中的转换技巧，但收获甚微。《数字图形构成》似乎完全将重点放在了传统的二维设计原则上，对于现代数字媒体中不可或缺的深度感、光影模拟以及透视变换的数字实现方式，这本书几乎是避而不谈。例如，在讨论“韵律与重复”时，作者仅仅引用了荷兰风格派的经典作品作为范例，却完全没有提及如何在三维建模软件中利用参数化设计来生成无限变化的复杂韵律结构。对于我这样的三维动画爱好者来说，这本书的视角显得太过局限和陈旧。我需要的是关于如何在数字环境中模拟真实光线折射、如何利用程序化工具生成有机形态的讨论，这些内容在如今的数字艺术领域是基础中的基础。这本书更像是为胶版印刷时代的设计师准备的，对于需要面对虚拟现实和实时渲染环境的从业者而言，它提供的知识体系显得有些脱节，缺乏对新兴媒介特性的关注与探讨，让我感觉像是在学习如何用毛笔画素描，而不是用数位板创作。

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我购买这本书的初衷是想深入理解“数字生成艺术”中算法如何驱动图形的创造。《数字图形构成》虽然提到了“随机性”和“系统化”，但其探讨深度远低于我的预期。书中对生成式设计的描述，停留在简单的重复和偏移操作上，缺乏对复杂数学函数、分形几何或者基于规则集的视觉生成机制的介绍。我期待看到更前沿的内容，比如如何使用Processing或p5.js等工具来编写代码以探索视觉的可能性，或者探讨机器智能在图形构成中的伦理和美学边界。这本书对“构成”的理解，似乎完全被锁定在了手工操作的逻辑下，对计算机的计算能力所带来的无限可能性表现得过于保守和不屑。它更像是一本为“如何手动绘制完美图形”而作的参考书，而非一本面向未来数字创作工具的指南。对于那些希望通过编程来拓展图形表达边界的创作者来说，这本书提供的理论框架显得有些过于传统和保守，无法激发他们在数字领域的创新潜能。

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