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出版者:五洲传播出版社

作者:熊文彬

出品人:

页数:105

译者:

出版时间:2004-8

价格:38.00元

装帧:

isbn号码:9787508505275

丛书系列:

图书标签:

• 西藏
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《雪域梵音：藏传佛教艺术的精神之旅》 在世界屋脊之上，巍峨的雪山环绕着一片古老而神秘的土地，那里孕育了一种独具魅力的艺术形式，它不仅是物质的显现，更是精神的载体，是信仰的凝结——这就是藏传佛教艺术。本书旨在带领读者踏上一段深入探索藏传佛教艺术精髓的精神之旅，理解其背后深厚的哲学思想、宗教实践与文化传承。 我们将从藏传佛教艺术的源起谈起。自公元七世纪佛教传入西藏以来，便与这片土地上原有的苯教文化以及印度、尼泊尔、中原等地的艺术风格相互交融，逐渐形成了独树一帜的藏传佛教艺术体系。这种融合并非简单的叠加，而是一种深刻的转化与创新，使得藏传佛教艺术在发展过程中，既保留了佛教的普世精神，又融入了藏民族独特的审美情趣和生活方式。 本书的核心内容将围绕藏传佛教艺术的几个重要表现形式展开。首先，唐卡，这种绘制在绸布或纸上的卷轴画，是藏传佛教艺术中最具代表性的形式之一。我们将深入剖析唐卡的构图原则、色彩运用、矿物颜料的独特之处，以及其中蕴含的丰富象征意义。无论是描绘佛陀的庄严法相、菩萨的慈悲形象，还是阐释佛法的因果轮回、修行次第，每一幅唐卡都如同一个微缩的佛国世界，引导观者进入冥想与觉悟。我们将详细介绍不同时期、不同流派唐卡的风格特点，以及其在寺院殿堂、宗教仪式和个人修行中的实际作用。 其次，造像艺术，包括佛像、佛塔、法器等，是藏传佛教艺术的另一重要组成部分。我们将审视藏传佛教造像的材质多样性，从精美的铜鎏金佛像，到木雕、石雕、泥塑，再到独特的酥油花和彩塑，每一种材质都赋予了造像独特的生命力。我们将探讨藏传佛教造像在比例、姿态、手势（手印）、服饰、装饰等方面的规范与演变，理解为何某些细节的塑造具有特殊的宗教意义。例如，不同佛像的顶髻、面容、眼神、衣纹，乃至莲花座的造型，都蕴含着佛法的智慧和修行的境界。我们将追溯造像艺术的发展脉络，从早期受印度笈多造像风格的影响，到中后期形成更为本土化、程式化的风格，并分析其在寺院陈设、宗教活动中的地位。 再者，建筑艺术，特别是寺院建筑，是藏传佛教艺术的宏大载体。布达拉宫、大昭寺、扎什伦布寺等宏伟的建筑群，不仅仅是宗教活动的场所，更是藏传佛教艺术的集中体现。我们将从建筑的整体布局、空间划分、装饰细节等方面进行解读。寺院的经堂、佛殿、转经廊、佛塔，都经过精心的设计，将信仰、美学与实用功能完美结合。屋顶的飞檐斗拱、墙壁的壁画彩绘、门窗的雕刻装饰，乃至僧侣们的日常生活空间，都充满了艺术的痕迹。我们将深入分析寺院建筑的象征意义，如佛塔的结构如何象征宇宙的结构，寺院的朝向如何与宗教教义相契合。 此外，本书还将触及壁画艺术。藏传佛教寺院的墙壁上，常常绘制着色彩斑斓、内容丰富的壁画。这些壁画不仅是重要的艺术品，更是佛教经典的图像化阐释。我们将探讨藏传壁画的题材、技法、色彩运用以及其在传承佛教教义、塑造信徒信仰中的作用。从宗喀巴大师的生平事迹，到度母的变相，再到各种护法神祇的威猛形象，壁画如同一本本活的佛教史书，将抽象的教义转化为生动的视觉叙事。 在探讨这些具体艺术形式的同时，本书还将深入挖掘藏传佛教艺术所传达的哲学与精神内涵。藏传佛教艺术并非纯粹的 Decorative Art，它的每一个元素，每一个色彩，每一个造型，都承载着深刻的哲学思考。我们将解释“空性”的观念如何体现在造像的虚无感中，慈悲的菩提心如何体现在佛陀的庄严与祥和中，轮回的业力如何体现在壁画的因果故事中。理解藏传佛教艺术，就是要理解它所传递的关于生命、宇宙、轮回、解脱的深层智慧。 本书还关注藏传佛教艺术的传承与发展。在历史的长河中，艺术形式在不断演变，新的技法和风格也在不断涌现。我们将考察不同历史时期藏传佛教艺术的风格变化，以及近代以来，随着社会变迁，藏传佛教艺术面临的挑战与机遇。同时，我们也关注当代艺术家如何在继承传统的同时，进行创新，让古老的藏传佛教艺术焕发新的生命力。 总而言之，《雪域梵音：藏传佛教艺术的精神之旅》是一本旨在全面而深入地展现藏传佛教艺术魅力的书籍。我们希望通过对唐卡、造像、建筑、壁画等艺术形式的细致解读，以及对其背后哲学精神的深入挖掘，能够带领读者超越表象，抵达藏传佛教艺术的精神核心，感受那份来自雪域高原的庄严、慈悲与智慧。这本书适合所有对艺术、宗教、历史以及藏文化感兴趣的读者，它将是一次难忘的心灵洗礼，一次对生命本源的深刻探索。

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这本书简直是本打开西藏文化宝库的钥匙，虽然我最初是冲着书名里“艺术”二字来的，希望能一窥布达拉宫的恢弘壁画或是唐卡上那些细腻入微的菩萨面容，但它给我的惊喜远不止于视觉上的冲击。作者显然是个深谙西藏社会肌理的人，他没有将艺术束之高阁，而是将其融入了信徒的日常呼吸之中。我特别着迷于其中关于“修行与雕塑”的章节，那里详细描述了泥塑佛像在不同阶段的开脸仪式，那种庄重、那种对神性的虔诚注入，让人仿佛能闻到泥土和酥油灯混合的味道。而且，书中对不同教派在审美上的细微差异也有精彩的对比，比如宁玛派的粗犷热烈与格鲁派的严谨规范，这种深层次的文化解读，远比单纯的图鉴来得有力量。我感觉自己不是在看一本关于“西藏艺术”的书，而是在跟随一位智者漫步于拉萨的古老街道，聆听那些石头和彩绘背后沉睡千年的故事。书中对色彩的运用和象征意义的剖析也极其到位，那些看似随机的蓝、红、黄，背后都蕴含着深奥的佛理，需要反复品读才能领会万一。

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坦白说，这本书的文字功底极其扎实，但它的“学术性”偶尔会让我这个业余爱好者感到有些吃力。它不像那些大众科普读物那样，用轻松幽默的语言去迎合读者，反而更像是一份严谨的田野调查报告集。我在阅读时，不得不频繁地查阅一些涉及藏传佛教基本教义的术语，比如“五部灌顶”或者“坛城模型”的构建逻辑。这绝不是批评，恰恰说明了作者对资料的掌控力达到了一个极高的水准，他没有为了迎合大众而牺牲掉研究的深度。书中关于“苯教影响下的萨满仪式残留”的部分，尤其让我感到震撼，作者通过对几处偏远寺庙的对比研究，清晰地梳理出了原始信仰是如何巧妙地融入主流佛教体系，形成一种独特的、充满生命力的混合文化。这本书更像是一本需要反复研读的参考书，而不是一本睡前读物。它的价值在于提供了一种“研究的范式”，教你如何去看待一个文化现象的复杂性和多层次性。

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读完这本关于西藏的“作品”，我最大的感受是它完全颠覆了我对“地方志”或“旅游指南”的刻板印象。如果有人期望在这里找到一份关于西藏著名景点打卡清单，那他一定会大失所望。这本书的叙事节奏非常缓慢，更像是一篇细腻的民族志研究报告，充满了对生活细节的敏锐捕捉。比如，关于牧民冬季转场时使用的那套独特的工具组合，作者用了整整三页的篇幅去描述它们如何从皮毛到木头再到金属的演变，以及这些工具在家庭结构中的地位。这种详略得当的处理方式，让原本枯燥的器物描述变得鲜活起来。我甚至开始思考，我们现代社会对效率的无限追求，是否也让我们遗失了某些与土地、与自身劳作息息相关的“手艺精神”。书中穿插的口述史片段尤其动人，那些老牧人对季节更迭的古老预言，比任何气象报告都来得准确和充满诗意。这本书的价值，在于它记录了那些在快速发展中，正在被悄悄遗忘的生活方式的“纹理”。

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这册书的装帧设计本身就是一件艺术品，厚重的纸张，典雅的排版，让人一上手就感受到它内容的重量感。但真正让我沉迷的，是其中对于“时间观念”的探讨。书中几乎没有出现那种传统的历史年表，而是通过对比“日晷的使用”、“经幡的更换周期”以及“活佛转世的间隔预测”，构建了一种与西方线性时间观截然不同的、循环往复的宇宙观。我仿佛能体会到，在那个高海拔的地域，时间不是被切割的刻度，而是被拉伸的、充满灵性的存在。特别是其中关于“雪山神祇”的传说部分，作者用了非常文学化的笔触，描绘了当地人与自然环境之间那种既敬畏又共生的关系，这种“人与环境共情”的描述，在当下的环保议题中显得尤为珍贵。它没有空谈理论，而是通过具体的人、事、物，展现了一种更贴近大地、更懂得谦卑的生活哲学。

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这本书最让我印象深刻的，是它对“声音美学”的构建，这完全出乎我的意料。我原本以为这会是一本侧重于视觉艺术的论述，结果却发现，对“法器”和“梵唱”的描写占据了相当大的篇幅。作者对“金刚杵”碰撞时产生的特定频率的分析，以及对不同寺院僧侣“喉音唱诵”的音域和情感色彩的细致区分，简直达到了音乐人类学的标准。他描绘了在寂静的雪夜里，悠长而低沉的“嗡、啊、吽”是如何穿透空气，直抵人心最深处的颤动，那是一种超越语言的交流。读到这些段落时，我甚至关掉了房间的灯，试图在黑暗中想象那种声场，体会那种被声音包裹的沉浸感。这本书没有提供录音，但它提供的文字描述，其“可听性”和“感染力”却比许多现场录音更胜一筹，因为它引导读者主动去构建听觉体验，去感受文化背后的精神共鸣。

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没有与文字介绍相匹配的图像资料，论述显得很苍白。

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