鲁迅美术学院2006本科招生专业考试试卷评析·色彩 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:辽宁美术出版社

作者:常树雄,马德龙

出品人:

页数:55

译者:

出版时间:2006-12

价格:25.00元

装帧:

isbn号码:9787531436676

丛书系列:

图书标签:

• 鲁迅美术学院
• 色彩
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《艺海拾遗：中国近现代绘画大师作品鉴赏》 本书精选了中国近现代以来十余位最具代表性的绘画大师的经典作品，深入剖析了他们在艺术道路上的探索与创新，以及作品背后蕴含的时代精神与人文关怀。从吴昌硕苍劲浑厚的金石气，到齐白石质朴自然的田园诗意；从黄宾虹墨分五彩的意境高远，到徐悲鸿充满力量的现实主义；从林风眠中西合璧的独特韵味，到潘天寿严谨雄健的骨力……每一位大师都以其独特的艺术语言，在中国绘画史上留下了浓墨重彩的一笔。 本书不仅是对艺术作品的呈现，更是对艺术家生命历程和思想情感的挖掘。我们将带领读者走进他们的创作世界，了解他们的艺术思想，品味他们作品的精妙之处。通过对大师们创作技法的解读，观众可以更深入地理解色彩的运用、线条的勾勒、构图的布局等艺术语言的魅力。例如，在赏析齐白石的虾时，我们将详细分析他如何运用简练的笔触和水墨的浓淡变化，表现出虾的生命活力和晶莹剔透的质感。而在品鉴黄宾虹的山水画时，我们会探讨他如何通过层层积墨，将中国山水的深邃与神秘表现得淋漓尽致。 本书还特别关注这些艺术作品所处的历史语境，以及它们如何回应当时的社会变革和文化思潮。我们不回避大师们在艺术探索中遇到的挑战与困境，也赞扬他们面对时代洪流时坚守艺术理想的勇气。例如，在探讨徐悲鸿的写实绘画时，我们将回顾他如何将西方古典写实技法与中国传统绘画相结合，以艺术的形式唤醒民族精神。 除了对具体作品的赏析，本书还提炼了中国近现代绘画发展的一些重要脉络和特征。我们将探讨西方艺术思潮如何影响中国绘画的转型，以及中国画家如何在中国本土的文化土壤中吸收外来养分，形成具有鲜明民族特色的新画种。从早期对西方写实主义的借鉴，到后期对现代主义思潮的探索，本书将勾勒出一幅中国近现代绘画发展的全景图。 本书的语言风格力求既有学术的严谨性，又不失大众的可读性。我们希望通过生动有趣的文字，打破艺术欣赏的门槛，让更多的普通读者能够感受到中国绘画艺术的博大精深。我们相信，通过对这些伟大艺术作品的深入了解，读者不仅能够提升审美能力，更能从中汲取智慧，感悟人生。 本书特色： 精选名家代表作： 涵盖中国近现代绘画史上最具影响力的十余位大师的经典作品，具有极高的艺术价值和研究价值。 深入的艺术分析： 从技法、意境、思想等多个维度，对作品进行详尽解读，帮助读者理解作品的精妙之处。 丰富的历史背景： 将艺术作品置于宏大的历史文化背景下，展现中国近现代绘画的发展脉络和时代特征。 易于理解的语言： 采用通俗易懂的语言，结合生动的案例，让艺术欣赏变得轻松有趣。 提升审美素养： 帮助读者培养敏锐的艺术感受力和鉴赏力，提升整体审美水平。 启迪艺术思考： 鼓励读者独立思考，形成自己的艺术见解，激发艺术创作的灵感。 无论您是艺术爱好者、学生，还是希望了解中国近现代艺术史的读者，《艺海拾遗：中国近现代绘画大师作品鉴赏》都将是一本不可多得的读物。它不仅是一次视觉的盛宴，更是一次心灵的洗礼，让您在欣赏美的同时，深刻理解艺术的力量与价值。

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说实话，我更倾向于将这本书看作是一本关于“视觉记忆碎片”的集合，而不是一本单纯的“考试指南”。每一次翻阅，都有种穿越时空，潜入一个充满竞争和激情的夏日考场的错觉。那些被选入的试卷，展现出的那种未经世故的、最原始的对美的冲动，是非常打动人的。我注意到，在某些特定主题的考卷中，尽管要求统一，但考生们在处理空间关系和氛围营造上的差异，简直是天壤之别。有些人似乎天生就懂得如何利用色彩的冷暖对比来制造视觉的深度和张力，即使是平面的构图，也能让人感受到强烈的立体感；而另一些则可能在色彩的和谐性上略显稚嫩，但那种对光线下一瞬间色彩变化的执着捕捉，却又显得格外真诚可爱。我个人对那些在材质表现上特别下功夫的作品情有独钟，比如如何用有限的几种颜色去暗示出金属的冰冷光泽，或是陶瓷表面的温润质感，这种从“写实”到“写意”的微妙过渡，正是艺术学习中最令人着迷的部分。这本书的价值，不在于教你如何“画对”，而在于启发你如何“看透”色彩背后的情感语言和结构逻辑，每一次的品鉴，都是一次对自身审美阈值的重新校准。

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从艺术史的角度来看待这本书，它像是一个时间胶囊，封存了那个时代青年艺术家对基础技能的理解和追求。我尤其欣赏那些在构图上打破常规，但色彩逻辑却异常坚固的作品。比如，有些画面可能在传统美院的审美框架内稍显“出格”，但其色彩间的关系却异常和谐，甚至是创造性地建立了一种新的和谐。这种在规范中寻求突破的勇气，在当今这个信息爆炸、风格模仿泛滥的时代，显得尤为珍贵。我曾在某个局部特写中，发现一位考生对“固有色”的理解已经超越了简单的固有色概念，而是将其视为环境色影响下的一个动态变量，这种对色彩科学性的掌握，令人叹服。相比于如今许多偏重于概念表达的美术教育，这本试卷集体现的，是对基础能力近乎苛刻的打磨。翻看这些作品，我仿佛能听到导师们当年的点评声，那种对笔触的力度、色相的选择、明度的控制的细致入微的指导，都融化在了这些泛黄的纸页之中，它不仅仅是考试作品的汇编，更是一份对扎实基本功的致敬与传承的记录。

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当我仔细研究这些作品时，最让我感到震撼的是那股扑面而来的“生命力”。这些不是为取悦任何人而画的习作，而是年轻生命面对挑战时，最直接的生理和心理反应的投射。色彩的选择，往往比线条更能暴露一个人的性格底色。比如，那些大胆采用高纯度色彩、几乎不加调和的画面，洋溢着一种不服输的锐气，仿佛在宣告：“看，这就是我的世界观！”而那些偏爱低饱和度、灰调子丰富的作品，则透露出一种更深沉的内省和对环境光线的敏锐捕捉能力。这本书的装帧和印刷质量，某种程度上也影响了观看体验，毕竟色彩的还原度至关重要，幸运的是，它尽可能地保留了原作的肌理和色彩倾向，让我能感受到那种油画颜料或水粉颜料在纸张上的物理存在感。我发现，即便是相同的考试题目，不同考生对“光”的理解也截然不同——有的考生似乎只关注直射光下的高光，而有的则沉醉于物体边缘因环境反射而产生的微妙色彩变化。这让我不禁思考，所谓的“标准答案”，在艺术领域，究竟意味着什么？这本书提供的，无疑是一部活生生的、多元化的“色彩语言辞典”。

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这本画册，说实话，刚拿到手的时候，我心里是有点小期待的，毕竟是鲁美当年的考题，想看看那些年轻的、充满朝气的学子们，是如何在有限的限制里，爆发他们的创意的。翻开扉页，映入眼帘的那些作品，风格真是五花八门，让人忍不住想去探究每一位考生背后的思考脉络。有的色彩运用极其大胆，简直是色彩的狂欢，让人眼前一亮，仿佛能感受到画笔在纸上摩擦时那种沙沙的声响和颜料堆叠的厚重感；而有的则显得内敛沉稳，在光影的处理上极为考究，每一个色块的过渡都像是经过了精密的计算，体现出扎实的造型功底。尤其是一些静物写生的处理，那些日常的水果、布料，在他们笔下似乎都有了新的生命和情绪，不再是简单的物体堆砌，而更像是画家内心世界的一个小小缩影。我特别留意了那些在细节上做得非常出彩的作品，比如对特定材质反光的捕捉，那种微妙的灰色调的运用，真的非常考验观察力，也反映出当时基础教育的严格和深入。这本书本身作为一种研究资料的价值，是毋庸置疑的，它记录了一个特定时间点上，中国高等美术教育对“色彩感知力”和“审美表达”的期待与选拔标准，对于我们这些仍在探索色彩之途的人来说，无疑是一面很好的镜子，让我们反思自己的“看”与“画”是否达到了那个高度。

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这本书给我的整体感受是复杂而充实的，它没有提供任何“如何成为大师”的捷径，反而展示了“成为一个有能力的画家”需要经历的艰辛和思考。我特别喜欢那些在局部处理上显得“用力过猛”的作品，虽然可能不够成熟，但那种为了表达某种感受而近乎不惜牺牲整体和谐的冲动，恰恰是艺术创造力的原始喷发点。细看之下，你会发现，即便是最基础的色彩搭配，也蕴含着深厚的心理学和光学知识。例如，某些画面中对互补色的巧妙运用，使得画面在保持整体克制的同时，又不失视觉冲击力。这种对“收放自如”的艺术语言的早期探索，是这本书最宝贵的财富。它不是一本教你如何通过考试的书，而是展示了一群怀揣梦想的年轻人，是如何在既定的框架内，用色彩来描绘他们眼中那个世界的，每一个瑕疵和亮点，都值得我们驻足深思，从中汲取属于自己的营养，去重新审视我们自己的创作习惯和审美盲区。

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