中国画论辑要 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:江苏美术出版社

作者:周积寅 编著

出品人:

页数:620

译者:

出版时间:1985-8

价格:22.00元

装帧:平装

isbn号码:9787534400148

丛书系列:

图书标签:

• 中国画论
• 国画
• 中国画论
• 绘画史
• 艺术史
• 美术理论
• 中国美术
• 绘画理论
• 艺术评论
• 传统文化
• 文化艺术
• 绘画技法

《中国画论辑要》是一部深入探讨中国绘画理论精髓的学术专著。本书不涵盖具体画作的分析，而是聚焦于中国画论体系的构建、发展脉络及其核心思想。 全书结构严谨，分为上下两编。上编溯源而上，梳理了中国画论自先秦时期的萌芽，历经汉魏、南北朝、隋唐、宋元，直至明清的演进过程。作者通过对历代重要画论家及其代表性论述的细致考察，揭示了不同历史时期社会文化背景对绘画观念的影响。例如，在魏晋时期，玄学盛行，画论中便体现出“以形写神”、“游心于物”的哲学思辨；到了唐代，阎立本、张彦远等大家，则从“外师造化，中得心源”出发，强调写实与主观情感的结合；宋代黄休复、郭思，更是将绘画提升到“文人画”的高度，注重笔墨情趣和个人意境的表达。书中对这些理论的演变和相互关系进行了深入剖析，力求呈现中国画论思想发展的完整图景。 下编则对中国画论的若干核心概念进行辨析和阐释。这部分是全书的重中之重，对理解中国画的本质和特质至关重要。首先，书中对“神似”与“形似”的关系进行了深刻探讨。作者认为，“形似”是基础，是艺术家对客观物象的精准把握，而“神似”则是更高层次的追求，是艺术家通过笔墨将物象的精神、气韵、生命力表现出来。二者并非对立，而是相辅相成，神由形出，形以神显。 其次，对“气韵生动”这一中国画论的灵魂进行了详尽解读。“气韵”是中国画创作中最难把握的概念，它包含了生命的活力、内在的精神、情感的共鸣等多种因素。书中引用了大量古代画论家的论述，如谢赫“六法”中的“气韵生动”，指出其是中国画评价的首要标准，也是艺术家追求的最高境界。如何通过笔墨的运用、构图的安排、色彩的搭配来达到“气韵生动”，是本书深入研究的课题。 再者，书中也对“意境”的生成机制进行了分析。“意境”是中国画的重要特征，它是由景物、情思、笔墨共同营造的一种含蓄蕴藉、意味深长的艺术境界。作者探讨了“虚实相生”、“留白”、“以少胜多”等手法在构建意境中的作用，强调了中国画“不着一字，尽得风流”的含蓄美。 此外，本书还对“笔墨”在中国画中的地位和作用进行了阐释。笔墨不仅是绘画的工具，更是承载艺术家情感、精神和思想的载体。中国画论对笔墨的讲究，体现在对用笔的顿挫、转折、提按，以及用墨的浓淡、干湿、泼写等技法层面的精微追求，这些都与画面的精神气质紧密相连。 本书的另一大亮点在于对不同画科（如山水、花鸟、人物）画论的比较研究。虽然核心理论贯穿其中，但不同画科在具体实践中对这些理论的侧重和运用也会有所差异。例如，山水画论更强调“搜尽奇峰打动骨”、“以意匠经营”；花鸟画论则更注重“触类而长”的观察和“以形写形”的生动；人物画论则更关注“传神写照”的内在挖掘。本书对这些细微之处的梳理，为理解中国画的多样性提供了有益的视角。 在论述方法上，本书坚持史论结合、以论为主的原则。一方面，作者对历史上的画论文献进行了细致的考证和梳理，确保论述的史学依据；另一方面，又超越了简单的文献汇集，深入挖掘和阐释了这些理论背后的哲学思想、审美观念和艺术实践，力求建构一套具有逻辑性和系统性的中国画论体系。 总而言之，《中国画论辑要》是一部系统、深入、权威的中国画论研究专著。它不以具体作品的欣赏为目的，而是致力于厘清中国画理论的源流、核心概念和内在逻辑，为读者提供一个理解中国画深层价值和独特魅力的理论框架。本书适合对中国传统绘画理论有浓厚兴趣的学者、艺术家、艺术史研究者以及对中国传统文化有深入探求需求的读者。

评分☆☆☆☆☆

内容很精要 我觉得帮助非常大 包括它的排版顺序，道理的讲说，很精要。 但是如果静不下心来，这么多字的书，很要命 书很集大成，集中了讲禅，古代画家名人的画论，还有不同的小知识点的补充，总的来说，可以学到很多很多

评分☆☆☆☆☆

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这本书的重量，首先体现在它对“道”的探寻上。它不仅仅局限于绘画技巧的讨论，而是将笔墨上升到了关乎个体生命修养的高度。我特别留意了其中对于“读书养气”的论述，那段话深入我心：绘画的功力，最终源于人品的涵养和学识的积累。这让我开始反思，过去过于注重模仿和形似，而忽略了“内在的风景”。这种阅读体验是极其内省的，它迫使你放下外界的喧嚣，静下心来与古人的智慧对话。文风的差异也值得一提，有些段落如诗歌般优美，充满了古典的韵味和感性的抒发，读起来令人心旷神怡；而另一些部分则像严谨的学术论文，逻辑清晰，论证有力，让人不得不信服其内在的严密性。这种张弛有度的文本编排，极大地丰富了阅读的层次感，避免了单调枯燥。

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我购买这本书，更多的是出于一种文化情结，想追溯一下我们传统艺术思维的源头。这本书的厚度让人望而生畏，但一旦翻开，就会发现里面蕴含的知识密度令人咋舌。它不像现代的速成指南，直接告诉你“该怎么做”，而是告诉你“古人是怎么想的”。这种对思维方式的重塑，才是它最宝贵之处。我特别喜欢它对“虚实相生”原理的阐释，如何用最少的笔墨，描绘出无限的空间感和意境，这是一种东方美学的极致体现。阅读过程中，我经常需要停下来，反复揣摩某些句子，因为它们往往蕴含着多重解读的可能性，每一层都对应着一个不同的理解维度。这本书就像一个时间胶囊，将古代艺术家的心声、困惑与洞见，完整地保存了下来，为我们提供了一面反观自身的镜子，让我们在面对当代艺术思潮的冲击时，依然能够坚守住传统美学的那份沉稳与深度。

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这本厚重的典籍，初捧在手，便觉一股沉甸甸的历史气息扑面而来。装帧古朴典雅，墨香似乎透过纸页缓缓渗透出来，让人联想到那些在灯下伏案疾书的古代文人。我特意找了一个安静的午后，在书房里铺展开来，试图沉浸其中。起初，那些晦涩的文言文和层出不穷的专有名词，着实让我这个半路出家的爱好者感到一丝吃力，仿佛置身于一个深邃的迷宫，每走一步都需要仔细辨认脚下的路径。但正是这种挑战性，激发了更大的求知欲。我不是科班出身，对传统的笔墨精神和章法结构原本只停留在表层欣赏，这本书如同一个耐心且博学的向导，开始为我揭示隐藏在那些山水留白、人物点睛背后的深层逻辑和哲学思辨。我尤其欣赏其中对“气韵生动”这一核心概念的探讨，它不像现代艺术理论那样冰冷抽象，而是充满了生命力和诗意，读来令人心驰神往，仿佛真能感受到画中松涛阵阵，泉水潺潺。

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说实话，我一开始对这种汇编式的作品并不抱太大期望，总觉得东拼西凑难免会有失连贯性。然而，事实证明了我的偏见。这本书的编排者显然下了一番苦功，他们没有简单地将史料堆砌在一起，而是构建了一种内在的对话机制。不同时期、不同地域的论述，在作者的巧妙安排下，相互印证，又时而产生尖锐的碰撞。我记得有一处对比了唐代和宋代对“写实”的不同侧重，一个追求“形神兼备”，另一个更强调“心源论”的表达，这种细微的差别，恰恰是理解中国艺术演变的关键。对于非专业人士来说，它提供了一个绝佳的入口，让你在不被繁复的技法细节淹没的同时，能够抓住核心的审美范畴。它的价值在于梳理了“中国画”这个庞大概念背后的思想基础，让你明白，我们看到的不仅仅是颜料和线条，更是一种观察世界的方式，一种安顿精神的哲学实践。

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与其说这是一本理论书籍，不如说它是一部中国艺术精神的脉络图。我是在一个朋友的强烈推荐下购入的，他告诉我，要真正理解那些流传千古的名作，绕不开对这些“老法度”的研习。阅读体验是循序渐进的，一开始需要借助大量的注释才能勉强跟上节奏，但随着阅读的深入，一些关键的理论节点开始清晰起来，比如关于“意在笔先”与“笔墨随时代”的辩证关系，不同流派对“师古与出新”的理解差异，这些都使得原本模糊的概念变得具体可感。最让我感到惊喜的是，它收录了一些罕见的早期论述片段，这些文字的风格极其鲜明，有的如金石般坚硬，有的如流水般婉转，展现了历代画论家们在不同历史背景下对“美”与“真”的不懈追问。每读完一个篇章，我都会合上书本，对着我桌上摆放的一幅小写意练习，重新审视自己的落笔之处，那感觉就像是有一双无形的眼睛在背后审视我的“用心”与否。

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