谢稚柳画集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海书画出版社

作者:谢稚柳绘

出品人:

页数:248

译者:

出版时间:2000-6

价格:350.00元

装帧:

isbn号码:9787806356241

丛书系列:

图书标签:

• 谢稚柳画集
• 艺术、设计&画册
• 上海书画出版社
• 中国画
• 绘画
• 艺术
• 谢稚柳
• 画集
• 传统艺术
• 水墨
• 山水
• 花鸟
• 书法

《古画论与绘画实践的交融》 本书并非一本单纯的画集，而是深入探究中国古代绘画理论在实践中的应用与演变。作者从史料出发，梳理了历代画论的精华，并结合具体的艺术作品，层层剥茧，展现了中国绘画如何在抽象的理论指导下，逐步形成独特的审美体系与表现手法。 第一章：理论的源流与核心 本章将追溯中国画论的起源，从《易经》的“象”与“数”的哲学思辨，到《周礼》中关于图画的早期记载。着重介绍《古画品录》的“六法论”，即气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。作者将详细解析每一法的含义，并阐述其在中国绘画发展历程中的重要地位。同时，还会探讨“以形写神”、“笔墨意趣”等核心概念，揭示中国画追求精神气质而非纯粹形似的独特之处。 第二章：山水画的理论建构与实践 山水画作为中国绘画的重要分支，其理论建构尤为丰富。本章将以唐宋山水画为重点，考察张彦远《历代名画记》中关于山水画的论述，以及北宋“大山水”理论的形成。作者将通过分析董源、巨然、范宽、郭熙等大家的作品，阐释“可行、可望、可游、可居”的山水画意境，以及“皴法”的演变如何体现自然山川的纹理与生命力。同时，也会涉及文人画对山水画理论的革新，如强调写意与笔墨趣味。 第三章：人物画的心理刻画与叙事表现 在中国绘画中，人物画不仅是对人物形象的描绘，更是对人物内心世界与时代精神的捕捉。本章将聚焦魏晋南北朝至唐宋的人物画发展。重点分析顾恺之《论画》中“以形写神”的实践，以及其对人物画“传神”的强调。我们将通过对阎立本、吴道子、张萱、周昉等名家作品的解读，展现人物画在造型、线条、色彩等方面的演变，以及如何通过构图、眼神、姿态等细节来传达人物的性格与情感。此外，还会探讨宗教题材人物画的理论特点与表现形式。 第四章：花鸟画的生命意识与自然情趣 花鸟画在中国绘画中独树一帜，以其细腻的笔触和生动的形态，展现了自然的生命力与作者的个人情怀。本章将从五代两宋的花鸟画黄金时期讲起，分析黄荃、徐熙等不同风格的花鸟画理论与实践。我们将深入探讨“工笔”与“写意”在花鸟画中的运用，以及如何通过对花鸟形态的精准捕捉和笔墨的巧妙结合，来传达自然的生机勃勃与画家内在的情感。同时，还会涉及明清时期花鸟画的进一步发展，如恽寿平的没骨法等。 第五章：笔墨语言的演进与意境的升华 笔墨是中国画的灵魂，其语言的演变与意境的升华是贯穿始终的主题。本章将从线条的顿挫、转折，到墨色的浓淡、干湿，系统梳理笔墨在不同时代、不同画家手中的运用特点。作者将结合具体作品，分析书法与绘画在笔墨上的相互影响，以及米芾、董其昌等大家对笔墨理论的贡献。重点阐述“笔简意足”、“墨分五色”等概念，揭示笔墨如何在有限的媒介中承载无限的意蕴，最终达到“迁想妙得”的艺术境界。 第六章：理论与实践的互动与创新 本章将回到理论与实践的宏观层面，探讨中国古代画家如何在吸收前人理论的基础上，不断进行创新与突破。作者将以不同画种为例，分析画家如何在遵循理论框架的同时，注入个人的观察与理解，形成独特的风格。例如，文人画的兴起，即是对官方画院程式化倾向的一种反思与革新。本书并非仅仅罗列理论，而是强调理论与实践之间密不可分的联系，以及这种互动如何推动中国绘画艺术不断向前发展。 结语：传承与当代的回响 本书的最后，将对中国古代绘画理论与实践的精髓进行总结，并探讨其在当代的价值与意义。在当下多元化的艺术语境中，理解和传承这些宝贵的艺术遗产，对于我们创作出具有民族特色和时代精神的作品，具有重要的启示作用。本书旨在引导读者走进中国绘画的理论殿堂，通过深入理解其背后的智慧，更好地欣赏和品味中国古代艺术的魅力。

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坦白说，我原本对这种“大部头”的艺术画册抱持着一种谨慎的态度，总担心内容排版会显得过于拥挤或刻意。然而，这本书的版式设计堪称典范。它懂得“留白”的艺术，懂得如何让视觉焦点集中在画作本身，而不是被周围过多的文字或装饰元素所干扰。翻页的手感顺滑而有韧性，即便是面对大幅面的巨制，也无需担心画面会因折痕而扭曲变形。更值得称道的是，每幅作品的题跋和钤印都被细心地以高质量的图像收录，那些蝇头小篆和朱红印泥的细节，都清晰可见，这对于研究款识、理解作品背景的爱好者来说，无疑提供了极大的便利。这本书的实体呈现，体现了一种近乎苛求的匠人精神，将艺术的“质”与“量”完美地统一了起来，读来令人心悦诚服。

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这本书给我的感受是极为“内敛”且“深刻”的。它没有试图用华丽的辞藻去过度拔高或渲染作品的价值，而是用一种近乎学术的严谨态度，将这些精妙绝伦的创作呈现在我们眼前。我花了很长时间沉浸在那些看似随性实则处处藏着玄机的笔墨之中，体会那种“计白当黑”、“一笔双关”的东方美学精髓。尤其是一些人物画或小品，寥寥数笔，便勾勒出极具生命力的神态，仿佛能从画中听到风声，闻到雨意。这本书的价值在于，它引导我去思考“如何看”而非“看什么”。它提供了一个绝佳的平台，让我们得以暂时抽离日常的喧嚣，进入一个由线条、墨色和意境构建起来的，充满东方哲学意味的沉思空间。

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初次翻阅这本书时，我的第一反应是，这简直就是一本关于“时间凝固”的教科书。画册中的每一页，都像是一个被精确捕捉的瞬间，将某个特定历史时期文人画的审美倾向、地域风格乃至当时士大夫阶层的心态，都无声地展现了出来。那些山水间的云雾缭绕，花鸟虫鱼的灵动神韵，并非是简单的写实，而是融入了作者深沉的学养和对生命哲理的理解。我注意到，编者似乎有意将不同创作阶段的作品穿插编排，这使得读者能够清晰地追踪到艺术家的心路历程——那种从早期的工笔细致，到后期水墨的酣畅淋漓，乃至对某些传统母题的个人化演绎，都构成了完整而富有张力的叙事线索。它提供的不仅仅是视觉上的愉悦，更是一种知识的启发，让人在欣赏美的同时，也得以窥见历史的侧面与文化的脉络。

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这本新近购得的画册，着实让人眼前一亮，装帧设计颇具匠心，纸张的质感摸上去就透着一股沉稳典雅的气息，而非当下许多出版物那种轻飘飘的廉价感。内页的印刷工艺更是无可挑剔，色彩的还原度极高，即便是原作中那些极其微妙的光影变化和墨色的浓淡层次，都能在纸面上得到精准的呈现。我尤其欣赏它对细节的处理，比如在某些大幅面的作品旁，还附带了放大版的局部特写，让观者可以细细品味那些笔触的起承转合，感受艺术家在构图和用墨上的深思熟虑。它不仅仅是一本图录，更像是一次精心策划的艺术之旅的实体记录，让人在翻阅的过程中，仿佛能嗅到空气中弥漫的松烟墨香，感受到创作者在案前挥毫时的那份专注与心境的流转。从头至尾，都能体会到编者对艺术原作的尊重与敬畏，这对于艺术爱好者而言，是至关重要的体验。

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作为一个长期的艺术品收藏爱好者，我深知一本好的画册对于研究和欣赏的价值。这本书在选取作品的广度与深度上，都达到了一个令人赞叹的高度。它似乎不仅仅收录了那些耳熟能详的“重器”，更穿插了一些相对少见的、能体现艺术家不同侧面探索的小幅精品。这使得整个阅读体验充满了惊喜和探索的乐趣，而非简单的重复已知。装帧的坚固程度预示着它能够经受住反复的翻阅和长久的珍藏。合上书卷时，留存在脑海中的，并非是某几幅孤立的画面，而是一种整体的、连贯的艺术气息与审美风范，它在我心中留下的印记，远超出了纸张和油墨所能承载的物理界限。

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