中央美术国画教材之七--山水画创作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:北京科技

作者:张凭

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1998-4-1

价格:18.8

装帧:

isbn号码:9787530419496

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《中央美术国画教材之七——山水画创作》是一部系统阐述中国山水画创作技法的专业教材。本书旨在为广大美术爱好者、高等院校美术专业学生以及专业画家提供一条清晰的学习路径，帮助读者深入理解中国山水画的艺术精髓，掌握从意想到笔墨，再到最终作品呈现的全过程。 教材内容以理论与实践相结合为核心，首先从山水画的起源与发展脉络入手，梳理历代名家名作，分析不同时期、不同流派的山水画风格特点，为读者建立宏观的艺术认知。在此基础上，本书详细解读中国山水画的核心美学思想，如“天人合一”、“外师造化，中得心源”等，引导读者理解山水画不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家内在精神世界的抒发与物化。 技法方面，教材分为多个章节，循序渐进地讲解山水画的各个要素。在笔墨技法上，从最基础的用笔、用墨讲起，区分勾、皴、擦、染等多种笔法，阐述不同笔法在表现山石、树木、云水等景物时的效果。尤其是在皴法部分，详细介绍了披麻皴、斧劈皴、雨点皴、折带皴、马牙皴等多种经典皴法，并配以大量图例，剖析其线条的走向、力量的运用以及对塑造物象体积感、质感的重要性。墨法方面，则深入讲解了焦墨、浓墨、淡墨、湿墨、枯墨的运用，以及如何通过墨色的浓淡干湿变化来表现物象的明暗、层次与空间感。 在构图与经营位置方面，教材强调中国山水画的“虚实相生”、“经营之道”。详细讲解了“三远法”（高远、深远、平远）在构图中的应用，如何通过取舍、组合、虚实对比来营造画面的意境与节奏。内容涉及山峦的安排、水面的处理、树木的穿插、屋宇的点缀等，教授读者如何布局，使画面既有宏大的气势，又不失细节的精巧。 画种的描绘是山水画创作的重点，本书对具体景物的描绘给予了充分的指导。在山石的画法上，根据不同岩石的形态特征，讲解了各种皴法的具体应用，以及如何用墨色和色彩来区分山体的阴阳向背、肌理质感。在树木的画法上，详细介绍了松、柏、柳、竹等常见树木的勾勒与渲染技巧，以及如何表现树干的苍劲、枝叶的繁茂与四季的变化。在云水的画法上，则阐述了如何用流畅的笔墨表现云的飘逸、水的灵动，以及风雨雷电等自然现象。此外，教材还涉及亭台楼阁、桥梁、人物等景物的绘制，以及这些元素与自然景物如何巧妙地融合，共同构建山水画的整体意境。 色彩在山水画中的运用也是本书的重要组成部分。虽然中国山水画以水墨为主，但对于设色山水，教材也进行了深入的探讨。从传统青绿山水、浅绛山水到近现代的彩色山水，分别介绍了不同设色方法的特点、色彩的搭配原则以及如何用色彩来烘托画面的氛围和情感。 本书的另一大亮点在于其对“意境”的强调。教材深入分析了如何通过笔墨、构图、色彩等手段，将画家对自然的感悟、对生活的理解以及个人的情感融入画作之中，从而达到“外师造化，中得心源”的艺术境界。书中会引导读者观察自然，体验生活，激发创作灵感，并将这些内在的感受转化为具有艺术感染力的画面。 每章内容都配有大量的范画和写生图，从不同角度、不同层次地展示了技法的实际应用，使读者能够直观地理解理论知识。同时，教材还穿插了历代名家的经典作品分析，通过对这些杰作的解读，让读者领略大师的创作智慧，汲取艺术养分。 本书的编写体现了严谨的学术态度和丰富的教学经验，力求为读者提供一套科学、系统、实用的山水画创作学习体系，帮助他们逐步掌握山水画的创作规律，最终能够独立创作出具有个人风格的山水画作品。它不仅是一本工具书，更是一扇通往中国传统绘画艺术殿堂的大门。

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这本《中央美术国画教材之七——山水画创作》的出版，对于我们这些长期在传统山水画的藩篱中摸索的习画者来说，无异于久旱逢甘霖。我一直认为，传统的山水画技法固然是基石，但如果不能与当下的时代精神和个体的生命体验相结合，作品便容易流于匠气或僵硬的模仿。这本书的特别之处在于，它并非仅仅罗列那些如披麻皴、斧劈皴等陈旧的技法步骤，而是将“创作”二字置于核心。它引导我们去思考，如何从自然中汲取灵感，如何将胸中的丘壑通过笔墨转化为具有个人面貌的图式。我尤其欣赏其中关于“意境营造”的部分，作者似乎在教导我们如何捕捉光影的变化、空气的流动，以及那种难以言喻的“气韵生动”。书中穿插的那些名家原作的解析，不是简单的临摹指导，而是深入到他们构图的逻辑和用墨的微妙之处，让读者明白，技法是手段，表达才是目的。对于想突破瓶颈，真正形成自己山水画语言的爱好者来说，这本书提供的思路和方法论是极其宝贵的。它像一位经验丰富的前辈，带着你从技法的束缚中解放出来，去探索山水画更深层次的精神价值。

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翻开这本书，首先扑面而来的是一种非常清晰的逻辑脉络，这对于自学国画的人来说至关重要。很多教材的章节安排是跳跃的，A讲完突然跳到Z，让人无所适从。但《山水画创作》这本书的编排，就像是设计了一套循序渐进的攀登路线。它从最基础的“点景”元素（如树法、石法）入手，但并非孤立地讲解，而是立刻将这些元素置于一个“空间组织”的大框架下去讨论。例如，它会详细分析“近景的实”与“远景的虚”如何通过笔墨的虚实对比来建立景深，这种将局部技法与整体章法紧密结合的讲解方式，效率极高。我个人特别喜欢它在讲解“章法结构”时引入的几何学原理，虽然是国画，但对画面平衡、对角线引导、以及视觉重心的处理，都运用了非常清晰的结构分析。这让原本感觉有些玄妙的“构图”问题，变得可以量化、可以训练，这对于提高作品的耐看度和完成度，有着立竿见影的效果。

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我一直以为，国画学习到了后期，更多的就是靠天赋和长期积累，知识性的传授作用会越来越小。然而，这本教材彻底颠覆了我的看法。它不像某些理论书籍那样晦涩难懂，它将“美学理论”巧妙地融入到“创作实践”之中，使得理论不再是空中楼阁。书中对“传统经典中的笔墨范式”进行了解构，不是简单地告诉你“该怎么画”，而是告诉你“古人为什么那样画，这种处理方式背后蕴含着怎样的哲学思考”。这种知其然更知其所以然的学习过程，极大地提升了我的审美鉴赏力。例如，它对“用墨层次”的讨论，细致到了墨分五色的不同层次在表达不同物象时的情绪倾向，这让我意识到，原来墨色并非只有黑白灰的简单变化，而是可以承载极其丰富的情感和信息。这种深度的剖析，让我对那些看似简单的笔触背后所蕴含的巨大信息量有了全新的认识，极大地丰富了我对画面语言的驾驭能力。

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说实话，我刚拿到这本教材时，内心是抱着一丝怀疑的。市面上关于国画的教程实在太多了，很多都是把古人的画谱翻来覆去地讲，缺乏新意和实操性。但这本书真正打动我的是它对“现代视角下的传统继承”这一命题的深刻探讨。它没有鼓吹完全的西化，也没有一味地抱残守缺，而是在两者之间找到了一个微妙而富有张力的平衡点。在处理题材的选择上，它鼓励我们将目光投向当代城市景观或我们所处的特定地域风貌，并思考如何用传统水墨的语言去表现这些现代性的内容。这种“入世”的视角，极大地拓宽了我对山水画创作边界的认知。更让我惊喜的是，书中对于“水墨语言的实验性”有深入的论述，它鼓励我们去尝试不同的纸张、墨的浓淡干湿变化带来的偶然效果，甚至是如何利用留白来制造空间上的张力，这种鼓励探索的精神，远比手把手的临摹教学来得更为重要和长久。它让我明白，山水画的生命力恰恰在于它能够不断地自我更新。

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这本书的装帧和图版选择也十分考究，这在教材中是难得的。高清的印刷使得那些微妙的皴擦痕迹、晕染过渡都清晰可见，这对于通过图片学习山水画尤为重要。但真正让我心仪的是，它没有只关注那些我们耳熟能详的“大名家”的作品。教材中穿插了许多中小画家，甚至是当代一些非常有潜力的艺术家的优秀习作和创作过程展示。这种多元化的范例，避免了教材陷入单一风格的定式。它告诉学习者，成熟的创作路径并非只有一条，不同的个性可以在不同的笔墨语言中得到彰显。特别是关于“题款与印章在画面中的作用”那一章，以前我总觉得那是收尾工作，但在书中，它被提升到了与构图和墨法同等重要的地位，探讨了文字如何与图像形成对话，如何利用印章的形状和位置来平衡画面。这种对整体艺术效果的全面考量，让这本书不仅仅是一本技术指南，更像是一本关于“如何完整地完成一幅艺术作品”的综合手册。

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