会展布局与设计

会展布局与设计 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:高等教育
作者:龚东庆
出品人:
页数:165
译者:
出版时间:2007-1
价格:28.80元
装帧:
isbn号码:9787040205701
丛书系列:
图书标签:
  • 会展
  • 会展设计
  • 展览布局
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具体描述

《会展布局与设计》是高等职业教育技能型人才培养培训工程系列教材之一,是会展专业或相关专业会展方向的主干课程教材。《会展布局与设计》介绍了会展布局与设计的概念、会展布局与设计的作用及发展趋势,重点对会展布局与设计的基本程序、基本法则、表达技巧、人体工程学、展具设计、空间设计、色彩设计、照明设计、信息传递、工程实施等进行了讲解,并给出了丰富的会展布局与设计实例。《会展布局与设计》讲解深入浅出,注重系统性和科学性,语言简洁,图文并茂。针对技能型人才培养的实际需要,尽可能降低理论内容的比重,突出实用性。为此,书中穿插了大量直观的图例,且每章都明确列出了教学的知识目标和能力目标,并配以针对性较强的复习思考题和实训项目,便于学生学习。《会展布局与设计》适用于高等职业教育各类院校会展专业或相关专业会展方向的会展布局与设计课程的教学,也可供五年制高职、中职学生使用,并可作为会展从业人士的培训教材和业务参考书。

《光影织梦:舞台美术的意境营造与技术实践》 内容简介: 在艺术的璀璨星河中,舞台美术以其独特的视觉语言,将文字的想象转化为触手可及的真实。本书并非一本介绍展会空间规划的指南,而是深入探讨舞台美术这一迷人领域的专业著作。它将带领读者穿越光影交织的帷幕,探索舞台空间如何被赋予生命,叙事如何借由布景、道具、灯光与服装得以升华。 本书分为三大部分,层层递进,全方位解析舞台美术的奥秘。 第一部分:意境营造——思想的具象化 这部分着重于舞台美术的灵魂所在:如何将抽象的戏剧冲突、人物情感以及导演的艺术构思,转化为具有感染力的视觉呈现。我们不再关注展览品的陈列方式,而是聚焦于舞台的“气场”塑造。 空间叙事与心理场域: 详细阐述舞台空间的设计如何服务于叙事,如何通过尺度、高度、比例、色彩的运用,引导观众的情感流向,营造出特定的心理氛围。例如,狭窄压抑的空间如何衬托人物的绝望,而开阔疏朗的舞台又如何展现自由与希望。我们会分析不同戏剧类型(如悲剧、喜剧、史诗剧)对空间设计的特殊要求,以及如何利用舞台的流动性来表现时间的变迁和人物的心境转变。 象征与隐喻的视觉语言: 探讨舞台美术中常用的象征手法,解析特定色彩、形状、材质如何承载深层含义,以及它们如何在舞台上形成有机的整体,传递超越文字的潜台词。我们将研究不同文化背景下,色彩和符号的象征意义差异,以及如何在跨文化语境下进行有效的视觉传达。 风格的探索与融合: 追溯不同时代、不同流派的舞台美术风格,从古希腊的自然主义舞台,到巴洛克时期的华丽装饰,再到现代主义的极简抽象,分析其美学特征、技术手段及其时代背景。同时,本书也将探讨当代舞台美术如何借鉴历史精华,并大胆创新,形成多元融合的独特风格。例如,如何在传统戏曲的程式化美学中融入现代科技,创造出令人耳目一新的视听效果。 光影的雕塑力量: 深入剖析灯光在舞台美术中的关键作用。它不仅是照明工具,更是造型、情绪渲染和空间划分的强大手段。我们将解析不同类型的灯具(如聚光灯、散光灯、染色灯),以及它们在塑造人物、营造环境、烘托气氛方面的具体应用。通过对灯光色彩、强度、方向、运动的精妙控制,如何实现“化虚为实”的神奇效果,形成强烈的戏剧张力。 第二部分:技术实践——创意的落地 在“意境”得到充分阐释后,本书将聚焦于实现这些艺术构想的技术层面,这并非关于展会的搭建流程,而是舞台美术的幕后工艺。 布景设计与结构工艺: 详细介绍各类舞台景片的制作工艺,从传统的木制结构、帆布绘制,到现代的金属框架、投影幕布,以及各种特殊材料的应用。我们会探讨如何根据场景需求,设计出既美观又牢固的景片,并分析不同景片(如天幕、背景、道具景)的制作难点与技巧。例如,如何制作能够自由转动的旋转舞台,或者能够瞬间升降的机关布景。 道具的塑造与意义: 聚焦于舞台道具的设计与制作,分析道具如何在视觉上强化人物性格、推动情节发展,以及成为叙事的关键载体。我们将研究不同材质(木、金属、塑料、织物)的道具制作技法,以及如何通过道具的陈旧感、磨损度等细节,为角色增添历史厚度。 服装的形体与精神: 探讨舞台服装不仅仅是遮体之物,更是角色身份、性格、时代背景的直观体现。本书将分析服装设计的色彩、廓形、材质选择如何与舞台整体风格相协调,以及如何通过服装的细节(如配饰、妆容)来丰富人物形象。我们将研究不同时期、不同文化背景下的服装特点,以及它们在舞台上的视觉呈现效果。 特效与机械联动: 介绍舞台上可能应用的各种特殊效果,如烟雾、火焰、投影、甚至机械装置。本书将重点分析这些技术如何与布景、灯光、声音进行有机结合,共同创造出震撼人心的视觉奇观。例如,如何通过多媒体投影技术,将舞台变成一个动态的虚拟空间。 第三部分:合作与创新——团队的力量 舞台美术的成功离不开各部门的紧密协作,本书的最后一章将目光投向这一关键环节。 设计团队的协作流程: 详细阐述导演、舞美设计师、灯光设计师、服装设计师、音效师等不同角色之间的沟通与配合机制。我们将分析项目启动、概念设计、方案深化、现场实施等各个阶段的工作流程,强调清晰的沟通和高效的协作对于项目成功的至关重要性。 新技术与新媒介的应用: 关注舞台美术领域的新发展,探讨虚拟现实(VR)、增强现实(AR)、人工智能(AI)等前沿技术在舞台设计与呈现中的潜力。我们将展望未来舞台美术的发展趋势,以及如何利用科技手段,为观众带来更具沉浸感和互动性的观演体验。 可持续的舞台艺术: 探讨在舞台美术创作中融入环保理念,如何选择环保材料,优化能源使用,并对废弃布景进行合理处理,为舞台艺术的可持续发展贡献力量。 《光影织梦:舞台美术的意境营造与技术实践》是一部献给所有热爱舞台艺术、渴望深入了解其视觉魅力的读者的著作。它不提供捷径,但给予深度;不描绘空泛概念,而是展示精湛技艺。通过本书,读者将能够更深刻地理解舞台美术如何成为连接想象与现实的桥梁,如何用光影的语言诉说动人的故事。

作者简介

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读后感

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用户评价

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坦白说,这本书给我的最大感受是“全面但缺乏锐度”。它像是一个非常详尽的行业百科全书,涵盖了从宏观的展会策划到微观的展位细节处理的方方面面。然而,在面对当前会展行业最大的挑战——如何创造独特的、能够引发情感共鸣的沉浸式体验时,这本书的指导性略显保守和传统。书中对“数字化互动体验”的讨论,主要集中在如何将二维码、APP引导等现有技术整合到物理空间中,而对于元宇宙概念下的虚拟与实体融合设计、AR/VR技术在展陈中的前瞻性应用,则几乎没有涉及,这使得这本书在时效性上稍显滞后。对于我们这些希望站在行业前沿,探索未来会展形态的设计师来说,我们更需要的是那种能够打破常规思维定势的“颠覆性”视角,而非仅仅是对现有成熟体系的梳理和总结。这本书扎实的基础知识毋庸置疑,但它更像是在为我们描绘一幅精美的“蓝图”,而不是提供一把可以“绘制星空”的画笔。

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我购买这本书,主要是希望找到一些关于新材料、新技术的应用指南。在这个快速迭代的行业里,材料的选择直接决定了展台的质感和环保性能。这本书确实提到了很多关于新型环保板材和可回收搭建系统的介绍,这显示了作者紧跟时代步伐的意识。但是,当涉及到这些新材料的具体采购渠道、成本效益分析以及实际安装中的注意事项时,内容往往停留在概念层面。例如,书中描述了一种新型的柔性LED屏幕的应用潜力,听起来非常具有未来感,但对于一个在预算范围内力求创新的项目经理来说,真正需要知道的是:这种屏幕的供应商在哪里?安装难度如何?以及它相对于传统背光灯箱的溢价是否合理?这些非常实际的“落地问题”,书本给出的答案是“请查阅相关供应商的技术白皮书”。这让我感觉,这本书更像是一份行业综述的纲领,而非一本能直接拿来解决具体技术难题的工具书。它铺设了广阔的知识框架,但很多关键的“锚点”却需要读者自己去外部寻找和确认,使得阅读的即时效益大打折扣。

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从文本的语言风格来看,这本书的调性显得异常的学术化和规范化,这让我在阅读过程中,时不时需要停下来,查阅一些行业术语的精确定义。它似乎更倾向于服务于学术研究者或是初入行业需要建立系统化知识体系的体系学生。书中大量的图表和流程图,虽然清晰地展示了各项要素之间的逻辑关系,但其呈现方式略显陈旧,缺乏现代设计书籍所特有的那种图形化叙事的冲击力。例如,在讲解“展会安全标准与规范”时,内容被组织成了层层叠叠的清单和引用条文,这无疑保证了信息的准确性,但却极大地考验了读者的耐心。我更希望看到的是,如何将这些必须遵守的规范,巧妙地融入到优秀的设计之中,让安全合规成为一种“隐藏的品质”,而非显眼的负担。这本书的侧重点明显在于“知其然”,即标准和流程,而对于如何“知其所以然”并将其美学化地转化,着墨不多,使得这本书的整体阅读体验偏向于一种“信息输入”,而不是“灵感激发”。

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这本《会展布局与设计》的书,说实话,我本来是冲着那些炫酷的展台效果图和各种奇思妙想的创意去的,毕竟,谁不想在行业内做出点让人眼前一亮的作品呢?然而,当我翻开书本,首先映入眼帘的却是大量关于项目管理流程、供应商选择标准和预算控制的理论分析。我理解,一个成功的项目离不开扎实的后勤保障和精密的财务规划,但这对于一个渴望获得“设计灵感宝典”的读者来说,未免有些枯燥和理论化了。书中花了相当大的篇幅去讲解如何与施工方进行有效沟通,如何规避合同中的潜在风险,甚至还配有详细的法律条款解读。这些内容无疑对于一个会展公司的运营经理来说是极其宝贵的财富,他们可以从中汲取大量的实战经验,确保每一个环节的合规与高效。但是,对于专注于提升自身设计美学和空间叙事能力的初级设计师,这些内容就像是给一盘精致的法式甜点配上了厚厚的税务报告,虽然重要,却冲淡了主要的阅读期待。我期待的更多是关于色彩心理学在展位分区中的应用,或者如何利用光影变化来引导观众的视线流向,但这些关于纯粹视觉传达的干货,在本书中只是被简单提及,没有得到深入的剖析,让人略感意犹未尽。

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阅读体验方面,这本书的排版设计着实让我费了一番心思去适应。它的逻辑结构似乎更偏向于一本技术手册而非一本面向广大设计师的视觉导览。章节之间的衔接,更多是基于工作流程的线性推进——从前期的场地勘测到中期的图纸深化,再到后期的现场拆卸与复盘。每一次的章节转换,都像是从一个技术文档切换到另一个,缺乏那种艺术类书籍应有的流畅感和启发性。举例来说,在讨论“空间动线规划”这一关键环节时,作者提供了一套非常详尽的数学模型和人流密度计算公式,这无疑是严谨的,展现了作者深厚的工程背景。然而,对于如何将这种严谨性转化为一种富有感染力的参观体验,书中的论述就显得有些单薄。我尝试着去寻找一些成功案例的深度分析,比如某个展位是如何通过巧妙的布局,让参观者在不经意间停留更久,从而提升转化率的,但书中多以简短的案例描述结束,缺乏对设计决策背后心路历程的剖析。如果能增加一些大师的“设计手稿”或者“创意草图的演变过程”,配以对设计意图的详细阐述,想必能极大地提升这本书对追求创新思维的读者的吸引力。

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