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出版者:海燕出版社

作者:张晋霖

出品人:

页数:55

译者:

出版时间:2007-5

价格:7.50元

装帧:

isbn号码:9787535034168

丛书系列:

图书标签:

• 画画
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• 绘画
• 儿童画
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《色彩魔法师的秘密花园》 内容简介 踏入一个由色彩构筑的奇幻世界，本书将带领您走进“色彩魔法师”的秘密花园，解锁您内心深处对色彩的感知与创造力。这并非一本教授基础绘画技巧的书籍，而是一场关于色彩的沉浸式探索之旅。我们将从色彩的起源、情感联结，乃至它在不同文化、不同艺术流派中的独特语言展开叙述。 第一章：光的舞蹈与色彩的诞生 我们将追溯色彩最本真的形态——光。从牛顿棱镜实验的经典启示，到现代光学对色彩形成机制的深入解读，您将理解三原色、三间色、互补色等基本概念，但我们将超越教科书式的讲解，通过生动形象的比喻和案例，让您感受色彩是如何在光影的交织中翩翩起舞。我们会探讨不同光源对色彩表现力的影响，例如，同一件物品在阳光下、灯光下、甚至月光下的色彩变化，以及这些细微差异如何影响我们的视觉感知和情感体验。 第二章：色彩的情感奏鸣曲 色彩不仅仅是视觉的享受，更是情感的低语。本章将深入剖析每种颜色背后蕴含的心理能量。我们将探讨红色如何唤醒激情与活力，蓝色如何带来宁静与深邃，黄色如何传递喜悦与温暖，绿色如何象征生命与和谐。本书会引用大量跨文化的色彩心理学研究成果，并结合文学、音乐、电影等艺术作品中的色彩运用，让您体会色彩如何成为情绪的催化剂，引导观者的心绪起伏。您会学习到如何通过色彩搭配来营造特定的氛围，例如，如何运用暖色调来营造温馨浪漫的空间，或如何运用冷色调来表达疏离与神秘。 第三章：跨越时空的色彩语言 色彩的意义并非亘古不变，它随着历史、地域和文化的发展而演变。我们将踏上一段跨越时空的色彩之旅。从古埃及的象形文字中的色彩符号，到古希腊哲学家对色彩的思辨；从中国传统绘画中象征意义丰富的五彩斑斓，到西方文艺复兴时期画家们对色彩表现力的革新；再到现代艺术中艺术家们如何颠覆传统，以色彩表达个性与态度。您将看到，同一个颜色在不同的文明中可能承载着截然不同的寓意，例如，白色在中国传统文化中代表哀悼，而在西方则象征纯洁与喜庆。我们将通过丰富的历史画作、工艺品和建筑实例，为您揭示色彩作为一种普适而又独特的语言，如何跨越时空，与人类的情感与思想进行对话。 第四章：艺术家的色彩调色盘 本章将聚焦于那些将色彩运用到极致的艺术大师们。我们将深入分析莫奈光影下的印象派色彩，梵高奔放热烈的色彩语言，马蒂斯大胆创新的色彩平面处理，以及波普艺术中鲜艳夺目的色彩碰撞。我们不会简单罗列作品，而是深入探讨每一位艺术家在色彩运用上的独到之处、创新思路以及他们如何通过色彩来表达对世界的理解和情感。我们将学习他们如何捕捉自然界的瞬息万变，如何运用色彩来塑造形体，如何通过色彩对比和并置来制造视觉冲击力。 第五章：您的色彩叙事 在领略了色彩的奥秘之后，本书将引导您将这些知识转化为属于自己的色彩表达。我们将探讨如何观察生活中的色彩，如何从自然风光、城市街景、甚至日常物品中汲取灵感。我们将提供一些启发性的练习，帮助您探索个人的色彩偏好，理解色彩搭配的原则，并尝试用色彩来讲述您自己的故事。这可能是在您的日记本中用不同的彩色笔迹记录心情，也可能是为您的居住空间选择能唤起您内心平静的色彩组合，或是尝试用色彩来描绘您心中的梦境。本书鼓励您打破对“绘画”的固有定义，将色彩的应用延伸到生活的方方面面，让您的生活本身成为一幅色彩斑斓的画卷。 第六章：未来色彩的展望 最后，我们将目光投向色彩的未来。从数字艺术中层出不穷的色彩可能性，到可持续设计中对环保色彩的探索，再到新兴科技如虚拟现实和增强现实对色彩体验的重塑，我们将一起畅想色彩在未来世界中的新篇章。您将了解到色彩科学家们如何研究新的色彩材料，设计师们如何利用色彩来影响消费者的行为，以及色彩如何继续作为一种强大的工具，塑造我们的感知，影响我们的情绪，并最终丰富我们的生活。 《色彩魔法师的秘密花园》是一本献给所有对色彩充满好奇、渴望用色彩丰富自己生活的人的书。它是一场探索、一场启发、一场属于您自己的色彩觉醒。

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我是一个对插画叙事极其看重的读者，所以我对市面上很多只教“怎么画得好看”却不教“如何讲好故事”的书籍颇有微词。这本专注于漫画脚本和视觉节奏的书籍，完全击中了我的需求点。它深入剖析了分镜的心理学基础，讲解了如何通过景别（特写、中景、远景）的选择来控制读者的情绪流向，而不是仅仅把它当成一个构图问题。书中有一个章节专门分析了动作戏的分镜处理，它用密集的、快速剪辑的画面来模拟运动的残影和力量的爆发，那种“动感”的捕捉技巧分析得入木三分。最让我受益匪浅的是关于“时间感”的营造，作者讲解了如何利用空白页、对页跨页，甚至是单个画格的留白来拉伸或压缩故事的时间流逝，这种叙事技巧的运用，比单纯的文字描述要高明得多。它不是教你如何画出完美的人物，而是教你如何用画面语言来引导读者的视线和心跳，让每一次翻页都成为一次情节的推进或情绪的释放。这本书对我的脚本构思习惯产生了颠覆性的影响。

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不得不说，这本关于现代数字艺术创作流程的指南，对于我这种刚从传统媒介转过来的“数字难民”来说，简直就是救命稻草。我过去习惯了颜料和画笔的触感，对各种图层混合模式、非破坏性编辑这些概念感到无从下手，电脑屏幕上的操作总让我觉得冰冷而缺乏温度。这本书没有直接堆砌软件快捷键，而是非常巧妙地从“光线追踪原理”和“数字媒介对色彩的模拟极限”这两个核心概念入手，解释了为什么在Photoshop或Procreate中要这样设置参数。它用大量的对比图例清晰地展示了，比如“正片叠底”模式和“线性加深”模式在模拟不同光源下的细微差别，这对理解后期调色至关重要。更让我感到惊喜的是，它还专门开辟了一章讨论如何利用数字工具来模仿传统媒介的笔触肌理，比如用纹理笔刷模拟水彩的渗化效果，或者用噪点模拟画布的粗糙感。这本书的实用性极强，每一步操作都有明确的截图和详细的步骤说明，让我在面对那些复杂的数字工作流程时，不再感到焦虑，而是充满了掌控感。

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我对艺术史一直抱持着一种敬畏又疏离的态度，觉得那些经典作品离我的生活太遥远，直到我翻开了这本关于文艺复兴时期艺术鉴赏的专著。这本书的独特之处在于，它没有采取枯燥的年代编年史叙述方式，而是聚焦于几位核心艺术家的“创作心路历程”。作者似乎拥有某种神奇的魔力，能将那些尘封的草图、未完成的壁画背后的故事娓娓道来。比如，书中对达芬奇解剖学研究的深度剖析，让我理解了他为什么能将人体结构刻画得如此精确而富有生命力，这远比单纯欣赏《蒙娜丽莎》的微笑要深刻得多。我特别喜欢它在对比分析不同流派时的那种细腻笔触，例如，如何从威尼斯画派的色彩饱和度与佛罗伦萨画派的线条严谨性中，窥见当时社会思潮的差异。读完这部分内容，我再去美术馆看那些原作时，感觉就像是带着一个专业的向导在交流，不再是走马观花，而是能捕捉到那些隐藏在笔触之下的历史信息和哲学思考。这本书成功地将严肃的学术探讨，转化成了一场引人入胜的文化探索之旅，极大地丰富了我对西方艺术传统的认知深度。

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这本书的语言风格简直是清奇脱俗，它不是一本传统的绘画指导手册，更像是一本关于“如何观察世界”的哲学随笔，但它所有的观察和思考，最终都落脚在了绘画实践上。作者的文笔非常跳跃和富有诗意，比如描述“捕捉清晨第一缕阳光穿过窗帘的瞬间”时，他用了大段的文字来描绘那种“带着温度的灰调子”和“空气中悬浮的微尘的轨迹”，这种对瞬间意象的捕捉能力，直接提升了我对观察细节的敏感度。它并没有提供标准的“三步画出苹果”教程，而是鼓励读者去关注物体在不同环境下的“存在状态”。例如，它探讨了“影子”的本质，认为影子不应只是一个黑色区域，而是周围环境光线被遮挡后留下的“记忆痕迹”。这种深入骨髓的思考方式，让我开始质疑自己以往的绘画习惯——比如我以前总是把暗部画得太死板。这本书的价值在于，它教会了我如何将主观的情感和深刻的理解融入到客观的描绘中去，让我的画作开始拥有“灵魂”和“呼吸感”，是一种非常高级的美学熏陶。

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这本关于色彩理论和素描技巧的教程简直是为我量身定做的！我一直对油画很感兴趣，但总是抓不住光影变化的感觉，感觉我的画作总是平面化、死气沉沉的。这本书从最基础的透视原理讲起，深入浅出地解析了不同材质在光照下的反射和吸收特性。特别是它里面有一章专门讲解了如何利用冷暖色调来创造空间感，那几页图例简直是醍醐灌顶，让我明白了为什么有些大师的作品看起来那么立体生动。作者在讲解过程中，没有使用太多晦涩难懂的术语，而是大量地用生活中的例子来做类比，比如用“冰块”和“天鹅绒”来区分高光和阴影的表现方式，非常形象。而且，随书附带的练习光盘（假设有的话，这里就当它很有用）里的示范视频清晰度很高，每一个笔触的走向都能看得一清二楚。我已经按照书中的步骤尝试画了几个静物写生，进步是肉眼可见的，以前画水果总觉得没有“水份”，现在试着加入了几层薄涂和罩染后，那种晶莹剔透的感觉终于出来了。这本书不愧是专业人士推荐的进阶读物，对于想要突破瓶颈的老手来说，绝对是极佳的伴侣。

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