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出版者:清华大学出版社

作者:叶喆民

出品人:

页数:338

译者:

出版时间:2007-5

价格:58.00元

装帧:

isbn号码:9787302144519

丛书系列:

图书标签:

• 书法
• 文化
• 艺术史
• 艺术
• 中国
• 2009
• 叶喆民
• c-中国
• 书法
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• 书法史
• 字体学
• 艺术史
• 文化艺术
• 传统文化
• 技法
• 鉴赏
• 书法理论

中国书法通论：历史、理论与艺术价值的深刻解读 《中国书法通论》是一部深入探讨中国书法艺术的著作，它并非仅仅罗列名家名帖，而是以系统性的视角，梳理了中国书法绵延数千年的发展脉络，剖析了其背后蕴含的深厚哲学思想、美学追求与文化精神。本书旨在带领读者跨越时空的界限，真正理解这门古老而充满活力的艺术形式，领略其独特的魅力所在。 一、溯源历史：从古老符号到成熟艺术 本书的开篇，便将我们带回到书法艺术的滥觞时期。从殷商甲骨文的朴拙神秘，到周秦金文的古朴典雅，再到篆书的规整庄重，每一个汉字形态的演变，都不仅仅是记录信息的方式，更是时代精神的折射。作者详细考证了不同历史时期文字载体（龟甲、青铜器、竹简、石碑、纸张）的演变，以及由此带来的书写工具（刀、笔）和书写技法的创新，勾勒出书法艺术从实用走向审美的漫长历程。 东汉时期，楷书、行书、草书三大书体趋于成熟，王羲之的出现更是将书法艺术推向了前所未有的高峰。本书不会仅仅停留在对王羲之“书圣”地位的简单赞誉，而是深入分析其继承与创新的功绩，以及《兰亭序》、《丧乱帖》等经典作品的艺术内涵。魏晋南北朝时期，书法艺术的自由奔放与个人情感的抒发相结合，催生了碑学与帖学两大流派的萌芽。 唐朝是书法艺术的鼎盛时期，本书会重点解读欧阳询、虞世南、褚遂良、颜真卿、柳公权等大家在楷书领域的卓越贡献，分析他们如何将法度与意趣融为一体。同时，也会探讨张旭、怀素等狂草大家如何将情感的奔放推向极致，以及陆柬之、孙过庭等人在行书创作上的精妙之处。本书将揭示唐代书法艺术之所以辉煌，与其繁荣的社会经济、开放的文化氛围、以及对书法的重视有着密不可分的联系。 宋代书法在唐代的基础上，更注重个人意趣的抒发和学识的融入。苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄“宋四家”的出现，标志着宋代文人书法的新高峰。本书将深入分析他们的书法风格特点，探讨他们如何在继承传统的同时，融入自身的哲学思考和审美情趣，将书法从单纯的书写技艺提升到一种人格精神的表达。 元明清时期，书法艺术在继承前代辉 G 的基础上，呈现出更加多元化的发展趋势。本书会分析赵孟頫如何以复古之名，重新确立了帖学的地位；文徵明、祝允明等吴门书家的雅致；明末清初王铎、傅山的雄强与个性；以及清代碑学的兴起，刘墉、邓石如、赵之谦、吴昌硕等如何在金石考据中发掘书法的新意。本书将呈现出一个不断变化、不断求新、不断融合的书法发展图景。 二、剖析理论：构建中国书法的审美体系 《中国书法通论》并非仅限于历史的梳理，更重要的是对中国书法理论体系的深入阐释。本书会详细解读中国书法美学的核心概念，例如： “书为心画”的哲学观： 书法不仅仅是书写文字，更是书写者内在精神、情感、思想的体现。本书会追溯“书为心画”思想的源头，并结合历代书家作品，分析这种哲学观念如何在实践中得到体现。 “以形写神”的美学原则： 书法艺术追求的并非简单的形似，而是通过线条、结构、墨色、章法等形式要素，传达出作品的内在神韵和生命力。本书将详细解析“神”在书法中的多重含义，以及如何通过“形”来达到“神”的表达。 “虚实相生”的空间美学： 中国书法注重笔画之间的虚白处理，以及整体布局的疏密关系，从而创造出富有张力的空间感。本书将探讨“虚实相生”在中国书法构图中的作用，以及如何运用墨与纸的对比，达到一种空灵而又饱满的美学效果。 “力与美”的辩证统一： 每一笔线条的力度、粗细、转折、顿挫，都蕴含着书写者的功力与情感。本书将分析书法中的“力”是如何与“美”相统一的，从用笔、用墨、用墨等技术层面，解析如何将力量感转化为艺术美。 “黑白之间”的意境营造： 墨色的浓淡干湿变化，与纸白的运用，共同构成了书法作品的意境。本书将深入探讨墨色的丰富性及其在表现不同情感和氛围时的作用，以及如何巧妙地运用留白，拓展作品的想象空间。 此外，本书还会对历代重要的书法理论著作进行梳理和解读，如《孙过庭《书谱》》、《张怀瓘《书断》》、《王羲之《兰亭序》题跋》等，分析其核心观点，并结合具体书家和作品进行例证，帮助读者构建一个完整的中国书法理论体系。 三、解读艺术：从笔墨技法到文化精神 《中国书法通论》将书法艺术的解读，从抽象的理论提升到具体的艺术实践。本书会深入分析： 笔法： 探讨执笔、用笔、笔势等基本技法，分析点、横、竖、撇、捺、勾、折等基本笔画的丰富变化，以及如何通过运笔的提、按、顿、挫、转、折，表现出不同的质感和力量。 墨法： 深入解析墨色的浓淡干湿变化，及其在表现层次、空间感、情感张力方面的作用。从“浓墨”、“淡墨”、“飞白”、“润墨”等角度，展现墨色的无穷魅力。 结构： 分析字体的结构规律，如点画的呼应、偏旁的搭配、整体的平衡等，探讨如何通过结构的变化，使汉字既符合规范，又富有艺术感染力。 章法： 深入解读书法作品的整体布局，包括字的大小、行距、字距、行款、落款等，分析如何通过章法的设计，使作品达到整体的和谐与统一，并增强作品的艺术感染力。 更重要的是，本书将书法艺术的解读，与中国传统文化精神紧密联系起来。本书会阐释： 儒家思想： 如何体现中庸、平和、秩序、责任等儒家价值观。 道家思想： 如何体现自然、无为、飘逸、空灵等道家追求。 佛教思想： 如何影响书法的宁静、禅意、空性等特质。 文人精神： 书法作为文人修身养性、寄托情怀的重要方式，如何承载着士大夫的理想与情操。 通过对历史、理论与艺术的全面深入分析，《中国书法通论》旨在引导读者超越对书法的表面认识，深入其内在的精神肌理，理解中国书法为何能够成为一种独特的、跨越时代的艺术形式，并从中获得审美上的启迪和精神上的滋养。本书将为任何对中国传统文化、汉字艺术感兴趣的读者，提供一份深刻而全面的解读，开启一段探索中国书法无穷魅力的旅程。

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这本书的装帧设计着实令人眼前一亮，那厚重的纸张和典雅的封面设计，透着一股子沉静而高贵的气息，让人一上手就感觉不是寻常的普及读物。我尤其欣赏它在排版上的用心，字里行间留有的呼吸感，让阅读过程成了一种享受，而非视觉上的压迫。不过，我对其中关于魏晋风度的描述，感觉还是略显单薄了些。我本期待能看到更多关于那个时代文人墨客如何将性情融入笔端，比如对竹林七贤中某几位的书法风格如何受其哲学思想影响的深入剖析。现在的描述更多停留在表层，对于书法艺术如何承载时代精神的探讨，深度还可以再挖掘。比如说，如果能引入一些具体的碑帖拓片对比分析，讲解不同地域、不同流派在用笔上的细微差异，哪怕是针对某一特定时期的风格演变脉络梳理得更清晰一些，都会让这本书的学术价值更上一层楼。总而言之，这是一本在视觉和阅读体验上都做到极致的作品，但就理论深度的挖掘而言，似乎还留有提升的空间，让人意犹未尽，期待作者后续能推出更具开创性的研究成果，尤其是在探讨书写媒介变化对书法形态影响方面。

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作为一名对艺术史交叉研究感兴趣的读者，我非常期待这本书能在书法与同时期其他艺术形式，比如绘画、园林、甚至建筑美学之间建立起有效的对话。我注意到书中提及了“书画同源”的概念，但随后的探讨便迅速转向了书法的内部演变，使得这种潜在的关联没有得到充分的展开。我希望能看到更多关于明清时期文人画的题跋与画作之间那种水乳交融的关系的深入分析，或者探讨宋代文人士大夫的审美趣味是如何影响到他们的藏书票和信札的书写风格的。这类跨学科的视角，往往能为理解书法艺术的社会功能和文化意义提供全新的维度。目前来看，这本书的立足点仍然比较集中在“技术史”和“风格史”的内部循环，缺乏将书法置于更广阔的文化语境下进行考察的勇气和笔力。如果作者能在理论框架中融入更多社会学或人类学的分析工具，这本书的理论深度将不再局限于艺术史的范畴，而是能触及到中华文化精神的更深层次。

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翻阅这本书的感受，就像是走进了古代书房，空气里弥漫着墨香和沉静的力量。作者的文笔老练，对书法史上的重大事件和人物的评价都持有一种审慎而公允的态度，很少有武断的褒贬，这点我非常欣赏。它成功地构建了一个关于书法传承的理性框架。然而，我个人对于“法帖”的地位和作用的讨论，总觉得少了那么一丝批判性的审视。在历史进程中，对某些帖本的过度推崇是否在某种程度上固化了人们的审美取向，阻碍了创新呢？尤其是到了明清以后，当书法逐渐成为一种精英阶层的自我修养标准时，这种“求稳”的倾向是否被这本书放大了？我期望能看到作者对“复古”思潮的深层动因进行更具争议性的探讨，而不是仅仅将历代摹古视为一种技艺的继承。一本真正伟大的艺术史著作，除了记录辉煌，更应该有勇气去剖析其发展中的“瓶颈期”和“误区”，激发后人对既定范式的反思，这本书在这方面略显保守了。

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我带着对中国传统艺术的无限敬仰翻开了这本书，一开始就被其中对“气韵生动”这一核心概念的界定所吸引。作者似乎非常擅长用富有诗意的语言去描绘那些抽象的审美体验，将枯燥的技法讲解融入到一种近乎玄学的阐述之中。这种文风对我这种偏爱文化意境的读者来说，无疑是极大的慰藉。然而，在实际操作层面上，我发现这本书的指导性似乎有所欠缺。例如，书中提到了“中锋”与“侧锋”的运用，但对于初学者而言，如何通过具体的练习方法来体会和掌握这两种笔法的细微差别，描述得不够详尽和系统化。我希望能看到更多分解步骤的图示，或者提供一些针对性的临摹建议，比如如何通过控制墨色的浓淡变化来体现笔力的提按顿挫。现在的内容更像是欣赏性的评论集，而非一本可以放在案头时时翻阅的技法指南。如果能在附录中增加一些历代大家书写特定偏旁部首的“微观”分析，或许能更好地弥合理论与实践之间的鸿沟，让这份对书法的热爱能更有效地转化为实际的笔墨功力。

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这本书的脉络梳理非常宏大，它试图以一种近乎编年史的方式，将数千年的书法发展史串联起来，这种企图心本身就值得称赞。从甲骨文的雏形到行草的恣意汪洋，作者的知识储备无疑是深厚的，很多鲜为人知的史料也被巧妙地融入了叙述之中，读来颇有大江东去的磅礴之感。不过，这种宏大叙事带来的一个副作用是，一些关键转折点的论述显得有些仓促。尤其是在讨论唐代楷书鼎盛时期，欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷这“初唐四家”风格的异同及其相互影响时，我感觉作者只是蜻蜓点水般地提了一下，而没有深入剖析他们各自是如何在既有的法度中开辟出独到天地的。如果能用更多的篇幅来比较分析他们的结体特点和用笔习惯，哪怕是选取一两幅代表作进行细致入微的结构拆解，想必能让读者对“法度森严”的背后所蕴含的个体创造力有更深刻的理解。对于一个追求深度阅读的爱好者来说，这种略显概括性的结论，多少让人觉得有些意犹未尽。

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果真是字如其人啊

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相对来说，专业性比较强。

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