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出版者:Dover Publications (2004年6月10日)

作者:Franz Liszt

出品人:

页数:210

译者:

出版时间:2004-6

价格:587.60元

装帧:精装

isbn号码:9780486431178

丛书系列:

图书标签:

• 管弦乐
• 交响诗
• 歌剧
• 李斯特
• 法乌斯特
• 音乐
• 古典音乐
• 乐谱
• 全谱
• 浪漫主义

《浮士德交响曲》全谱：一部思想与音乐的宏大织锦 弗朗兹·李斯特的《浮士德交响曲》（Faust Symphony）无疑是浪漫主义时期最具野心和震撼力的交响作品之一。这部以歌德宏篇巨著《浮士德》为灵感的交响三部曲，并非对原著情节的直接线性叙述，而是一种深刻的、精神层面的诠释。李斯特以其标志性的标题交响诗手法，运用交响音乐的语言，捕捉并升华了歌德笔下那位渴望超越凡俗、探索真理的博士灵魂的挣扎、诱惑与救赎。 乐曲分为三个乐章，分别代表了浮士德、玛格丽特和墨菲斯托菲勒斯这三个核心人物。李斯特巧妙地运用了主导动机（Leitmotif）的手法，将不同的人物性格和思想情感具象化为一段段具有辨识度的旋律。这些动机在乐章间穿梭、变形、发展，如同人物的命运在舞台上此消彼长，构成了一个复杂而统一的音乐整体。 第一乐章：浮士德 (Faust) 乐章以一种深邃而充满张力的主题开场，仿佛博士在书斋中对知识的无尽渴求与对生命意义的迷茫。沉重的和声、不安的节奏，以及不断攀升的旋律线，都预示着他即将踏上那条充满未知与危险的探索之路。这个乐章充分展现了浮士德内心的矛盾与冲突，他对知识的渴望、对年轻的眷恋，以及对现实的厌倦，都在音乐中得到了淋漓尽致的表达。李斯特在这里运用了复杂的对位和弦乐的织体，营造出一种紧张而充满思考的氛围。浮士德动机的多次出现，时而低语，时而呐喊，如同他在内心深处不断拷问自己，追寻着那 elusive 的终极答案。 第二乐章：玛格丽特 (Margarete) 与第一乐章的深沉与挣扎形成鲜明对比，第二乐章是音乐史上最动人的描绘女性形象的篇章之一。玛格丽特的旋律纯净、甜美，带着一丝淡淡的忧伤。李斯特以一种极为细腻和富有同情心的方式，捕捉了这位纯洁少女在与浮士德相遇后，经历纯真爱情、堕落与最终救赎的心路历程。乐章中，纯洁的主题与浮士德的动机开始交织，预示着两人命运的纠缠。随着情节的推进，音乐中加入了更具戏剧性的色彩，然而，即使在最黑暗的时刻，玛格丽特的旋律也始终保留着一丝救赎的光芒。李斯特在此处展现了他出色的配器技巧，弦乐的柔情、木管的哀婉，以及偶尔出现的铜管的叹息，都将玛格丽特内心深处的情感世界刻画得入木三分。 第三乐章：墨菲斯托菲勒斯 (Mephistopheles) 如果说前两个乐章是对人类精神挣扎与情感描绘的巅峰，那么第三乐章则是对邪恶本质的嘲讽与描绘。墨菲斯托菲勒斯的主题充满了戏谑、狡黠和力量。李斯特在这里运用了令人不安的节奏、怪诞的和声以及尖锐的音色，创造出一个令人难以捉摸的魔鬼形象。这个乐章的音乐充满了能量和冲击力，仿佛魔鬼在人类世界中纵横捭阖，诱惑与破坏无处不在。然而，李斯特并非仅仅停留于对邪恶的描绘，他在乐章的结尾巧妙地融入了带有宗教色彩的合唱（在某些版本中），并且之前章节中出现的浮士德和玛格丽特的主题在与墨菲斯托菲勒斯的主题的对抗中，最终倾向于一种升华和救赎。这种处理方式，使得整部交响曲在经历了魔鬼的诱惑与挑战后，指向了更深远的精神意义，暗示了人类灵魂最终可以通过爱与信仰获得救赎。 全谱的价值：洞悉作曲家的创作密码 《浮士德交响曲》全谱的出版，对于理解李斯特的音乐创作理念具有不可估量的价值。通过细致地研读乐谱，乐迷和音乐研究者可以深入了解作曲家是如何将文学构思转化为具体的音乐语言，如何运用主导动机构建宏大的结构，以及如何在复杂的情感表达中展现出深刻的思想内涵。每一条旋律线、每一个和声变化、每一次的配器选择，都蕴含着李斯特精心的设计。从乐谱中，我们可以追溯到他如何运用快速的音阶、炫技的琶音来描绘浮士德的激情，如何用悠扬的长笛和温柔的弦乐来展现玛格丽特的纯洁，又如何用不协和的音程和强烈的节奏来刻画墨菲斯托菲勒斯的狡猾。 这部作品的复杂性在于其对文学母题的深刻洞察，以及将其转化为音乐形式的卓越能力。李斯特并非简单地为文本配乐，而是将歌德《浮士德》的核心精神——对知识的无尽追求，对人性善恶的拷问，以及最终的救赎的可能性——融入到音乐的肌理之中。《浮士德交响曲》全谱，是一份宝贵的音乐文献，它邀请每一位读者和听者，一同踏上这场跨越思想、情感与精神的宏伟旅程。通过这部作品，李斯特向我们展示了音乐作为一种强大的媒介，能够触及人类最深邃的灵魂，并引发最深刻的思考。

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如果要用一个词来形容这部作品的配器美学，那一定是“色彩的炼金术”。作曲家对音色的理解已经超越了简单的乐器组合，他似乎能从各种乐器中提取出他们从未被发掘的、最边缘化的音响特质，并将它们混合在一起，创造出全新的、前所未有的听觉质感。小提琴的弓法变化可以瞬间从丝绸般的柔滑转为砂纸般的粗粝；大号的低音不再仅仅是支撑，而是成为一种可以被塑造成形、具有重量感的“暗物质”。这种对音色的探索不仅停留在表面，而是深入到音乐的肌理之中，每一个声部的平衡都经过了极其审慎的考量。在某些时刻，你会觉得音乐仿佛变得“可见”，那些密集的对位线条在你的脑海中形成了复杂的、不断重叠的立体结构，每一次声部的加入或退出，都像是给这幅无形的壁画添上了一笔新颜色，彻底颠覆了对传统交响乐配器法的认知。

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初次接触这样的作品，我最大的感受是它强烈的个人印记和近乎偏执的细节打磨。这不像是一部纯粹为了迎合听众而创作的曲目，它更像是一份作曲家写给自己的、关于内心挣扎的私人记录。每一个声部、每一个和弦的解决或悬置，都充满了经过反复推敲的痕迹，仿佛作者在每一个音符上都停留了足够长的时间去审视其存在的意义。在某些段落，那种低沉、压抑的弦乐群像是内心无法言喻的焦虑感在不断蔓延，它不直接告诉你“这是悲伤”，而是用一种极其微妙的织体让你自己去体会那种被困住的感觉。然后，在最意想不到的地方，会突然出现一段异常清晰、充满光亮的主题动机，像是一丝转瞬即逝的灵感或希望，但这光亮往往又很快被更厚重的音响层所吞没。这种对情绪张力的精确控制，让聆听过程成了一种非常私密且高度集中的精神活动，需要听众全身心地投入去捕捉那些转瞬即逝的暗示和情绪的微妙波动。

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这部作品的节奏处理简直是天才之举，它完全打破了传统意义上“节拍”的束缚，更像是捕捉了生命本身的呼吸频率。它时而如行云流水般舒展流畅，节奏的推进自然而然，仿佛万物生长的惯性；时而又陷入一种极度的停滞和不确定性，时间感被拉伸甚至扭曲，每一个鼓点都像是心跳的犹豫和挣扎。尤其是那些快速的段落，它们不是简单的速度堆砌，而是无数独立声部之间复杂、精确的交错与追逐，听起来像是无数个独立的生命体在高速运转的精密仪器中进行着既定的、却又充满活力的舞蹈。对于指挥和乐团来说，要将这种时而自由舒展、时而紧密咬合的节奏感统一起来，无疑是一项巨大的挑战，但最终呈现出的效果是惊人的：它赋予了音乐一种非线性的、接近梦境或潜意识流动的体验，让听者不再被固定的时间框架所约束，而是完全沉浸在音高和音色所构建的动态世界中。

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对我而言，这部作品的价值在于它提供的“聆听阈限”的拓展。它似乎一直在试图触及音乐表达的边界——那些传统上被认为是“噪音”或“不和谐音”的部分，在这里被赋予了无可争议的逻辑和必要性。它挑战了我们对于“美”的固有标准，迫使我们去接受那些尖锐、刺耳，甚至带着某种原始冲动的声音，并将它们纳入一个更宏大的、关于完整体验的框架内去理解。这不是一部轻松愉快的背景音乐，它要求听者主动地去解读和承受那些挑战性的听觉瞬间。这种近乎于“自我折磨”式的聆听体验，最终却带来了一种强大的释放感和精神上的净化。它像是一面镜子，反射出我们自身在面对复杂性和不确定性时的所有反应，当我们最终适应了它那不按常理出牌的逻辑后，便会发现自己对艺术的理解进入了一个新的维度。

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这部作品的规模感实在令人叹为观止，它不只是一场音乐的展现，更像是一次对宏大叙事和深邃哲思的史诗级探索。听完整部作品，感觉自己仿佛穿越了几个世纪，目睹了人类精神世界中最激烈的斗争与最辉煌的救赎。作曲家似乎将整个德语文学的精髓——那种关于知识的渴求、对超越性的向往，以及最终的幻灭与升华——都融入了音符之中。管弦乐团的运用达到了令人发指的复杂程度，木管声部的细微变化如同文笔精妙的散文，而铜管和打击乐的爆发则如同命运掷下的重锤，每一次撞击都振聋发聩，直击灵魂深处。我尤其欣赏那种看似松散却又内在逻辑严密的结构安排，它让听众在沉浸于瞬间的感官冲击时，也能清晰地感受到整体叙事线的推进，仿佛阅读一本结构复杂的巨著，每一个乐章都是一个章节，共同构建起一个完整而令人信服的艺术世界。这种宏大的架构处理，绝非一般的配器技巧所能企及，它需要的是对人性深层驱动力的深刻理解和对音乐形式的颠覆性创新。

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