21 of the great composer's early symphonies, written between 1764 and 1771 when he was still a boy, are reproduced from the authoritative Breitkopf and Ha rtel Complete Works edition.
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说实话,初次面对如此详尽的交响曲全集,确实会产生一种敬畏感,它不仅仅是乐谱的堆砌,更是对一个音乐时代心路历程的忠实记录。我打算首先聚焦于对位法的运用,特别是赋格段落的处理,在这么多的交响曲中,作曲家如何保持其主题的清晰度,同时又不至于让配器显得臃肿,这是一个值得深入分析的课题。我特别关注那些标记着“poco a poco crescendo”的段落,从极弱到极强,那绵延不绝的张力是如何通过精确的声部叠加来实现的。这本书的排版清晰度令人赞赏,即使在复杂的对位段落,每个声部的走向也一目了然,这极大地减轻了阅读负担。对于任何严肃的音乐学者而言,拥有这样一份权威性的文本,其意义不亚于考古学家拥有一份完整的古籍地图。
评分这套书的价值,在于它提供了研究作曲家“声音语言”演变的完整语料库。我倾向于跳跃式地阅读,而不是按部就班,先从编号接近的几部作品中,寻找风格上的“断裂点”或“过渡期”的证据。比如,观察第十号和第十一号在引子部分对“动机”的提炼手法有何不同。我注意到有些乐章的表情术语(tempo markings)使用了非常罕见的意大利语词汇,这提示我们可能需要参考更专业的术语词典来确保理解的准确性。一个好的乐谱版本,应该能够引导读者超越耳熟能详的旋律,去体会那些埋藏在织体深处的结构骨架。这本书的纸张厚度似乎能有效防止墨水洇开,这是专业乐谱必须具备的品质,它允许我在上面进行大量的批注和分析性标记,而不用担心损坏珍贵的文本。
评分翻开内页,那种油墨的清香混合着纸张特有的干燥气味,瞬间将我带回了十九世纪的音乐厅深处。阅读这些满篇的五线谱,仿佛能听到那宏大的声响在脑海中回荡。我目前最感兴趣的是那些编号靠后,相对不那么常演出的曲目,比如第十八、十九号,通常这些“遗珠”中隐藏着作曲家最富实验性的色彩尝试。我注意到谱子上对木管组与铜管组的交织处理极其精妙,低音提琴群与大提琴群的互动,形成了一种深邃的“大地之声”,这种对声部均衡的考量,显示出作曲家对整体音响图景的绝对掌控力。如果能找到不同版本间的校订差异,那就更完美了,因为在早期印刷中,清晰度常常是致命伤,而一个详尽的乐谱集恰恰解决了这个问题。我希望能详细研究某一乐章中突然出现的属七和弦的解决方式,那是探寻其情感张力的关键。
评分这部厚重的乐谱集,甫一入手便被其沉甸甸的分量所折服,想必汇集了作曲家早期到中期的精华,这对于研究其创作演变历程的乐迷来说,无疑是一笔宝贵的财富。我尤其期待深入剖析第一到第五部交响曲的配器细节,尤其是巴赫后期对管弦乐织体处理的继承与发展,那份对和声色彩的细腻把控,往往是衡量一位大师功力的试金石。通常,早期的作品会带有较强的古典主义的影子,在结构上力求工整与对称,而随着作曲家个性的成熟,我们期待看到更加自由、奔放的对位与曲式革新。我计划先从最常被演奏的几部开始着手,对比其在速度记号、力度对比上的细微差异,这些看似微小的标记,实则蕴含着指挥家诠释作品的核心线索。希望这份全集能提供最权威、最清晰的文本,让我能一窥作曲家创作时的初衷,而不是仅仅停留在流传已久的演出版本带来的感性体验上。这本书的装帧设计也透露出一种严肃的学术气息,这对于需要经常翻阅和标记的乐谱使用者来说,至关重要。
评分对我而言,这套全集更像是一部“作曲家自我对话录”。我特别着迷于作曲家如何在同一套乐队编制下,通过不同的乐器组合来创造出截然不同的音色世界。例如,在某几部作品中,长笛独奏的地位被提升到了近乎咏叹调的程度,而在另一些作品中,它却退居为纯粹的和声填充。我将专门花时间梳理一下“弱起”的运用模式,看看在不同时期的作品中,这种轻盈或突兀的开始方式,是如何为整个乐章定下基调的。阅读这些乐谱,不是被动地接受成品,而是在主动地参与到作曲家构建声响世界的思维过程中。这份详尽的资料集,确保了我的每一次“重听”都能基于最扎实的文本基础,而非仅仅依赖于二手资料的转述。
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