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出版者:

作者:George Frideric Handel

出品人:

页数:258

译者:

出版时间:1981-11

价格:180.35元

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isbn号码:9780486241876

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• 乐谱
• 古典音乐
• 协奏曲
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《巴洛克协奏曲瑰宝：探索宏伟的器乐对话》 这是一部献给巴洛克时期辉煌器乐遗产的深度探索，着重于一种独特而迷人的音乐形式——大协奏曲（Concerto Grosso）。本書並非僅僅羅列樂譜或傳記，而是深入剖析了大协奏曲这一体裁的起源、发展、关键作曲家及其标志性作品。我们将一同踏上一段穿越十七世纪末至十八世纪中叶的音乐之旅，去领略那时代精湛的作曲技巧、丰富的音乐语言以及大协奏曲如何成为连接独奏乐器与乐队之间情感交流的桥梁。 一、 大协奏曲的诞生与早期演进：从教会奏鸣曲到炫技舞台 大协奏曲的根基深植于意大利教会奏鸣曲（Sonata da Chiesa）和室内奏鸣曲（Sonata da Camera）的传统。最初，作曲家们倾向于使用两个或三个小提琴作为独奏乐器，与一个由弦乐组成的乐队（ripieno）进行对话。这种“小集团”（concertino）与“大集团”（ripieno）之间的对比和交织，构成了大协奏曲的核心特征。 早期先驱者： 我们将首先回顾一些早期贡献者，例如阿切莱斯特·科莱里（Arcangelo Corelli）。他的《Opus 6》大协奏曲集被誉为该体裁的奠基之作。科莱里的作品以其清晰的结构、优美的旋律和精巧的对位技法著称，为后来的作曲家树立了典范。他巧妙地平衡了独奏小提琴与乐队的声音，创造出既有独立性又不失整体性的音乐织体。本书将详细分析科莱里作品中常用的赋格段落、对位技巧以及他如何运用不同的节奏型和调性变化来增强音乐的表现力。 奏鸣曲形式的演变： 大协奏曲的发展也与当时奏鸣曲形式的演变息息相关。我们将探讨慢板乐章的抒情性、快板乐章的活力以及舞曲乐章的节奏感是如何在大协奏曲中得以融合与发展的。书中会分析早期作品中多乐章的结构，以及作曲家们如何通过乐章之间的对比来实现音乐叙事的丰富性。 二、 意大利的黄金时代：维瓦尔第与协奏曲的巅峰 安东尼奥·维瓦尔第（Antonio Vivaldi）无疑是大协奏曲发展史上的一座高峰。他的作品数量众多，风格多样，对协奏曲的普及和发展起到了至关重要的作用。《四季》（Le quattro stagioni）虽然是以独奏小提琴协奏曲的形式呈现，但其内在的戏剧性和音乐描绘能力，很大程度上也受到了大协奏曲时期对“音乐模仿自然”的追求的影响。 维瓦尔第的大协奏曲： 本书将重点关注维瓦尔第创作的一系列精彩的大协奏曲，例如他的《L'estro armonico》（和声的灵感）。他在此系列中不仅精炼了协奏曲的结构，更拓展了独奏乐器的组合，有时甚至使用管乐器作为独奏。维瓦尔第的音乐以其奔放的热情、鲜明的节奏和炫技性的独奏段落而闻名。我们将深入解析他作品中著名的“快-慢-快”三乐章结构，以及他如何运用华丽的装饰音、快速的音阶和琶音来展示独奏乐器的技巧。 “模仿”的艺术： 维瓦尔第是运用音乐描绘自然景象的大师。本书将探讨他在大协奏曲中如何运用音乐语汇来刻画季节的变化、鸟儿的鸣叫、风暴的肆虐等。这种“模仿”的艺术并非简单的声音复制，而是通过音乐的旋律、节奏、力度和配器来唤起听众的想象，创造出富有画面感的听觉体验。 三、 北方诸国的回响：巴赫与亨德尔的创新 当巴洛克音乐的浪潮席卷欧洲大陆时，北方的作曲家们也以各自独特的方式继承和发展了大协奏曲。约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）和乔治·弗里德里希·亨德尔（George Frideric Handel）这两位音乐巨匠，将大协奏曲推向了新的高度，并注入了更为深刻的对位技法和戏剧张力。 巴赫的“布兰登堡协奏曲”： 巴赫的《勃兰登堡协奏曲》系列是大协奏曲体裁的璀璨明珠。这些作品以其多样化的器乐编制、复杂的复调织体以及深刻的音乐思想而著称。本书将详细解析每一首《勃兰登堡协奏曲》，重点分析巴赫如何打破传统，使用各种不同的独奏乐器组合（例如小号、长笛、双簧管、小提琴、大提琴等），以及他如何运用赋格、卡农等复调技法来构建宏伟的音乐结构。我们将探讨巴赫作品中严谨的逻辑性、精妙的结构设计以及他如何通过音乐的对话来展现宇宙的秩序与和谐。 亨德尔的“公用音乐”与“水上音乐”： 亨德尔在大协奏曲领域的贡献同样不可忽视。他的《公用音乐》（Music for the Royal Fireworks）和《水上音乐》（Water Music）虽然更多地被视为管弦乐作品，但其中包含了大量大协奏曲的元素，并且充分体现了亨德尔善于运用大乐队制造宏大、辉煌场面的特点。本书将分析亨德尔作品中强烈的戏剧冲突、鲜明的节奏特点以及他如何运用不同声部的组合来营造出庄重、喜庆或神秘的氛围。我们将探讨亨德尔如何将大协奏曲的对话精神融入到大型的庆典音乐中，使其更具公共性和观赏性。 四、 大协奏曲的音乐语言与结构：对话、对比与张力 要真正理解大协奏曲，就必须深入探究其独特的音乐语言和结构。 “协奏”的精髓： “Concerto”一词源于拉丁语“conserere”，意为“联合”或“并列”。在大协奏曲中，这种“联合”体现在独奏乐器（concertino）与乐队（ripieno）之间的相互配合与对话。本书将分析作曲家如何通过音色、音量、旋律和节奏上的对比来制造戏剧性。独奏乐器往往承担着展示技巧、表达情感的角色，而乐队则提供坚实的和声支持和宏大的织体。 “重奏”的妙处： 在“concertino”内部，通常由两到三个乐器组成，它们之间也存在着精妙的对话和相互呼应。这种“重奏”的对位技法是大协奏曲的一个重要特征。本书将揭示作曲家们如何通过模仿、轮唱、卡农等手法来构建复杂的音乐织体，创造出丰富的声音层次。 乐章的结构与发展： 大协奏曲通常采用三乐章结构（快-慢-快）或四乐章结构（加入舞曲乐章）。本书将详细分析不同乐章的特点，例如慢板乐章的抒情与沉思，快板乐章的活力与炫技，以及舞曲乐章的节奏感与娱乐性。我们将探讨作曲家如何通过乐章之间的对比和联系来构建完整的音乐叙事。 对位与和声的运用： 巴洛克时期是复调音乐的黄金时代，大协奏曲充分体现了这一点。本书将深入分析作品中复杂的对位技法，以及作曲家如何运用和声来支撑旋律、推动音乐发展。我们将探讨调性的运用、转调的技巧以及如何通过和声的色彩变化来营造不同的情感氛围。 五、 大协奏曲的遗产与影响：走向古典与浪漫 尽管大协奏曲在古典主义时期逐渐被更趋向于独奏英雄主义的协奏曲所取代，但它对后世音乐的发展留下了深远的影响。 古典协奏曲的渊源： 古典主义时期的协奏曲，尤其是莫扎特和贝多芬的作品，在结构、对位和独奏与乐队的互动方面，依然能看到大协奏曲的影子。本书将探讨这种传承关系，以及古典作曲家如何在大协奏曲的基础上，进一步发展了协奏曲的戏剧性和情感表现力。 浪漫主义的再现： 在浪漫主义时期，一些作曲家也曾尝试复兴大协奏曲的风格，将其融入到新的时代语境中，以获得一种复古的、庄重的艺术效果。 当代音乐的灵感： 即使在当代音乐中，大协奏曲的精神——即不同音乐声部之间的对话、对比与合作——也以各种形式得以延续，影响着作曲家们的创作理念。 结语 《巴洛克协奏曲瑰宝：探索宏伟的器乐对话》旨在为读者打开一扇通往巴洛克时期音乐世界的大门，通过对大协奏曲这一体裁的深入剖析，去感受那个时代音乐的宏伟、精巧与深刻。本书不拘泥于简单的史料堆砌，而是致力于通过对音乐本身的解读，带领读者领略那跨越时空的音乐魅力，理解作曲家们如何在有限的器乐编制中，创造出无限的音乐想象与情感表达。这是一场关于声音、结构与对话的盛宴，一场对人类创造力与音乐智慧的致敬。

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我最近购买的这套《宏大协奏曲精选集》给我带来了不小的震撼，尤其是在音色处理和情感表达的层次感上，它远远超出了我的预期。以往我听到的很多录音，要么是整体动态范围过于压缩，要么就是乐器之间的平衡感很差，听起来总觉得少了点“呼吸感”。但这套专辑完全不同，即便是那些速度极快的乐章，你依然能清晰地分辨出独奏乐器组（Concertino）与合奏乐器组（Ripieno）之间的对话与张力。举个例子，其中收录的一组早期协奏曲，对低音提琴和羽管键的把握达到了近乎完美的程度，它们构筑了一个稳定而深邃的“地基”，让上方的小提琴和长笛的旋律线条得以自由地翱翔，那种空间感和立体感，简直让人仿佛置身于巴洛克时期某个贵族宫廷的音乐厅里。而且，这个版本对于“装饰音”的运用也非常值得称道。演奏者们显然没有采取那种僵硬、程式化的演奏方式，而是根据每部作品的情绪需要，做出了既符合历史风格又充满个人洞察力的即兴发挥，使得原本可能显得有些枯燥的重复段落，也焕发出了新的生命力。这套专辑不仅是收藏品，更是提升鉴赏门槛的绝佳教材。

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这套《Complete Concerti Grossi》系列带给我的体验，更多的是一种“氛围的重构”。它不像某些强调技术炫耀的录音那样咄咄逼人，而是提供了一种沉浸式的、近乎冥想的听觉体验。特别是在那些慢板乐章中，演奏者们似乎达成了一种默契，将速度放缓到了极限，但张力却丝毫没有松弛，所有的音符都带着一种悠长而深远的共鸣感。我发现，很多其他录音在处理这些慢板时，倾向于过度使用拉长和感伤的情绪，使得音乐失去了应有的前进动力。然而，这里的诠释则把握得恰到好处，它让你感受到的是一种内在的、精神层面的升华，而不是外放的、舞台化的悲伤。这种对“时间感”的精妙控制，让我联想到了同时期一些宗教艺术作品中对永恒与瞬间的表达。对于那些习惯了快节奏现代音乐的听众来说，这个系列的慢乐章或许需要一个适应期，但一旦适应，它带来的精神慰藉是无可替代的。这套专辑成功地捕捉到了巴洛克音乐中那份深藏于华丽外表之下的宗教和哲学深度。

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我必须强调一下这套精选集在“历史演奏实践”（Historically Informed Performance, HIP）方面的诚意。它并非简单地使用古乐器进行演奏，而是在整体的音乐处理上，体现了对文献和时代风格的深入研究。例如，在某些协奏曲中，对既定演奏法（如弓法的使用、颤音的频率与位置）的考量，明显体现了超越一般商业录音的水准。这使得听感上少了一些现代提琴的“厚重感”，多了一些早期乐器的清澈与穿透力。尤其是铜管乐器和木管乐器的加入，它们的声音质感非常真实，没有被过度修饰或美化，保留了那个时代乐器制造工艺的独特印记——略带粗粝，但极其富有性格。这套专辑让我对巴洛克时代音乐会的“现场感”有了更直观的认识，它不再是遥远历史中的概念，而是仿佛发生在身边的一场生动的音乐会。对于希望在享受优美旋律的同时，还能深入了解早期音乐演奏细节的行家来说，这套系列无疑是极具价值的参考资料，它提供了一个高标准的、可供深入分析的范本。

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这套选集简直是巴洛克音乐爱好者的福音，收录的曲目跨越了那个辉煌时代的多个重要作曲家的心血之作。我尤其欣赏编辑在选材上的独到眼光，他们没有仅仅停留在那些耳熟能详的“标准曲目”上，而是巧妙地穿插了一些相对小众但艺术价值极高的作品。比如，有一位意大利作曲家在其中贡献的几首协奏曲，其对位法的运用达到了令人叹为观止的程度，精妙的声部交织，如同复杂的建筑群，每一个细节都服务于整体宏伟的结构，而不是为了炫技而炫技。演奏录音的选择也极为考究，不同乐团和指挥家对同一部作品的诠释展现出了极大的张力——有的版本如同阳光下的庆典，充满了欢快的活力与舞蹈感；而另一个版本则更偏向于室内乐的精致与沉思，对慢板乐章的处理细腻入微，仿佛在讲述一个古老的、略带忧郁的故事。对于那些想要深入理解协奏曲这种体裁如何从早期的大协奏曲（Concerto Grosso）形态，逐步演变和成熟的听众来说，这种编排的梯度感非常清晰，能够清晰地看到不同地区音乐风格的碰撞与融合，比如罗马乐派的庄严与那不勒斯乐派的抒情性差异，都得到了很好的体现。总而言之，这不是一个简单的曲目堆砌，而是一次精心策划的、富有教育意义的听觉旅程。

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说实话，我最初对这套精选集的期待值并没有那么高，毕竟市面上的巴洛克协奏曲录音实在太多了。但听完之后，我必须承认，我错怪了它。它的独特之处在于其“宏大”的概念不仅仅体现在乐团的规模上，更体现在它对“结构美学”的深刻理解上。里面的很多作品，尤其是那些出自德国作曲家之手的，结构布局之严谨，简直令人叹为观止。我特别关注了其中一首采用了复杂赋格结构的乐章，它的主题发展逻辑缜密，每一个乐句的引入和转调都仿佛经过了精密的数学计算，但听起来却丝毫没有机械感，反而充满了激情与戏剧性。这种古典主义的理性精神与巴洛克时期旺盛的创造力完美结合的范例，在这套专辑中得到了极好的体现。此外，乐谱的清晰度也值得称赞，当我对照总谱来听时，发现许多录音师对各个声部的录制都给予了应有的尊重，清晰度极高，即便是那些背景中的对位声部，也绝非模糊不清的“背景噪音”，而是有自己独立声部的清晰表达。这套专辑无疑为我重新理解“结构即是美学”这一概念提供了新的视角。

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