Art Past/Art Present

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出版者:Prentice Hall
作者:David G. Wilkins
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1997-08-07
价格:USD 56.10
装帧:Paperback
isbn号码:9780137409457
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术史
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具体描述

《艺术的流变:从古典到当代的审视》 本书并非一部简单的艺术史教科书,而是一次深入的、具有批判性的艺术追溯之旅。我们试图剥离学院派的教条,摆脱时间线上的束缚,去探寻艺术在不同时代、不同文化背景下的核心精神与脉络。从古希腊雕塑的和谐理性,到文艺复兴时期对人性的解放与对自然的细致观察;从巴洛克艺术的戏剧张力与情感宣泄,到印象派对光影与瞬间感受的捕捉;再到现代主义的观念革新与形式探索,以及后现代主义对既有秩序的颠覆与多元视角的呈现……我们将目光聚焦于那些推动艺术发展的关键转折点,那些挑战常规的艺术家,以及那些深刻影响艺术形式与意义的社会、政治、哲学思潮。 本书的独特之处在于,它不局限于对作品的风格化分析,而是着力于挖掘艺术背后隐藏的文化基因与时代情绪。例如,当我们审视古埃及的壁画时,我们看到的不仅仅是符号化的形象,更是当时人们对永恒、来世以及神圣秩序的理解。而当步入中世纪的哥特教堂,那些直插云霄的尖塔与斑斓的彩绘玻璃,则映照出人们对超越世俗的渴望以及对信仰的虔诚。 我们还将探讨艺术作为一种社会行为与权力象征的角色。从皇家委托的宏伟画作,到革命年代的宣传海报;从宗教艺术的教化功能,到当代艺术对消费文化与全球化的反思。艺术从未独立于现实存在,它始终是社会的一面镜子,映照出时代的辉煌与阴影,记录着人类的梦想与困境。 本书的另一条重要线索是艺术的媒介与技法的演变。从早期石窟壁画的粗犷笔触,到油画细腻的光影层次;从版画的复制与传播,到摄影的现实记录与主观表达;再到装置艺术、行为艺术、数字艺术等新兴媒介的出现,艺术家们不断拓展着艺术的表现边界。这些媒介的革新不仅改变了我们观看艺术的方式,也深刻地影响了艺术所能承载的思想内容。 我们不回避艺术史中的争议与挑战。那些曾被视为离经叛道的作品,如今可能已成为经典。那些曾被遗忘的艺术家,其贡献可能正在被重新发现。本书鼓励读者以开放的心态去理解不同艺术形式的价值,去探究艺术的生成逻辑,去感受艺术的生命力。 《艺术的流变:从古典到当代的审视》旨在为读者提供一个更广阔的视野,帮助理解艺术如何在历史的长河中不断演变、再生,并与我们的生活产生千丝万缕的联系。它不是要告诉读者“什么”是艺术,而是引导读者去思考“为什么”艺术会是这样,以及“它”将走向何方。这是一次邀请,邀请您与我们一同踏上这场激动人心的艺术探索之旅,发现艺术的过去如何塑造了现在,以及现在又如何孕育着未来的无限可能。

作者简介

目录信息

读后感

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国外的很多艺术史,准确的说来只是西方艺术史,而这本艺术史包含了东方的很多艺术,根据不同的年代讲述了不同时期具有代表性的艺术作品。 里边另外一个特色就是为建筑物图片配上了结构图,使得对建筑艺术有兴趣的人在了解该时代代表性建筑物的时候更加直观。 另外该书的版式很...  

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《Art past, Art present》(修订至第6版,培生出版社2009年4月出版),本书是美国高等院校通用的权威艺术史教材之一。内容涉及从史前时期到21世纪全世界范围内的绘画、雕塑、建筑、摄影、设计、工艺美术、民俗艺术、装置艺术、行为艺术和建筑艺术。从地域上看涉及欧洲、非洲、亚...

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《Art past, Art present》(修订至第6版,培生出版社2009年4月出版),本书是美国高等院校通用的权威艺术史教材之一。内容涉及从史前时期到21世纪全世界范围内的绘画、雕塑、建筑、摄影、设计、工艺美术、民俗艺术、装置艺术、行为艺术和建筑艺术。从地域上看涉及欧洲、非洲、亚...

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该书的主要作者David Wilkins是2005年美国国家卓越艺术史教学大奖获得者。本书内容从地域上看涉及欧洲、非洲、亚洲、北美洲、南美洲艺术,并进行了全面详尽的阐述。尤其是对亚洲艺术的内容涉及明显要多于其他同类图书。  

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《Art past, Art present》全书在传统的艺术史学研究中注重艺术的历史与文化背景相结合的基础上,对于重要艺术作品的分析中加入地理学的分析方法,从地域的角度去分析艺术作品,同时,同一历史时期发生在其他地域的世界大事也被标注在艺术作品中,用这种四维的角度去分析艺术作...  

用户评价

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我通常对那些过于“学术化”的著作敬而远之,但这本书成功地找到了一个绝妙的平衡点。它拥有学术著作的深度和严谨性,但叙事节奏却意外地流畅,甚至带有一丝**文学性的温度**。作者在描述那些艺术史上的关键转折点时,并非冷冰冰地罗列事实,而是赋予了人物和事件以鲜活的生命力。我仿佛能“听见”达达主义者在咖啡馆里的激烈争辩,能“闻到”印象派画家在塞纳河畔调配颜料的气味。这种叙事技巧,让原本可能枯燥的理论分析变得生动可感,有效地降低了阅读的心理压力。它像一位睿智的长者,娓娓道来,不急不躁,用她(他)的知识和热情,引导着你一步步走入艺术世界的深处,让人在轻松愉悦的氛围中,不知不觉地吸收了大量的知识养分。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,厚实的纸张,沉甸甸的质感,光是捧在手里就能感受到一种对艺术的敬畏之情。我特别喜欢它封面那种做旧的油画质感,仿佛穿越了时空,直接触碰到了那些遥远的、凝固的瞬间。内页的印刷质量也是没得挑,色彩还原度极高,即便是那些晦涩难懂的古代壁画细节,也能看得清清楚楚,这对于一个痴迷于细节的读者来说,简直是莫大的享受。我花了好几个下午,只是单纯地翻阅那些图片,那些几何图形、那些色彩的碰撞,它们本身就像是无声的叙事诗,不需要文字的过多解释,就能直击人心最柔软的部分。我常常好奇,当年的艺术家是如何在没有先进工具的情况下,捕捉到如此精妙的光影和情绪的?这本书在视觉呈现上,绝对是教科书级别的典范,每一个排版都充满了深思熟虑的匠心,让人在阅读的同时,也在进行一场视觉的盛宴。

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这本书最让我感到惊喜的是,它对**非西方艺术体系的探讨**所持有的那种罕见的开放和尊重。在很多西方主导的艺术史著作中,东方艺术常常被边缘化,或者被置于一个被动的、等待被“发现”和“解释”的位置。然而,这本书似乎打破了这种单向度的凝视。它巧妙地在讲述印象派对光线的捕捉时,穿插了唐代山水画中“留白”的意境,这种并置不是为了证明谁先谁后,而是为了探讨人类在不同文化背景下,对“可见世界”和“不可见世界”的共同探索欲。这种跨文化的对话,极大地拓宽了我的视野,让我意识到,艺术史的脉络远比教科书上描绘的要丰富和交织得多,它更像是一张巨大的、相互连接的神经元网络,而非一条单向的河流。

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我必须承认,我是在一个非常偶然的机会下接触到这本书的,当时我正在寻找一些关于特定时期欧洲雕塑流派的深入分析,但这本书似乎提供了一个更为宏大、也更加侧重于**媒介演变**的视角。它没有过多纠缠于某位大师的生平八卦,而是将重点放在了不同历史阶段,艺术家们是如何应对**材料的限制与解放**。比如,书中对文艺复兴时期大理石雕刻与巴洛克时期青铜铸造技术差异的对比论述,逻辑链条非常清晰,引人入胜。我尤其欣赏作者在论述中引入的那些非常规的佐证材料,不仅仅是艺术史的记载,还有当时的工程记录和手工艺人的访谈录(即使是推测性的重构),这使得理论不再是空中楼阁,而是扎根于历史土壤之上的坚实论断。它迫使我重新审视“艺术品”这个概念,它远比我们想象的要复杂,是技术、权力、审美共同作用下的产物。

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坦白说,这本书的阅读体验是**极其需要投入精力的**,它不是那种可以随便翻翻、走马观花的读物。我感觉自己更像是在攀登一座知识的冰山,每当我以为自己已经把握住一个核心概念时,作者又会抛出一个新的维度来挑战我的既有认知。尤其是在讨论到抽象表现主义与战后社会思潮的关联时,那种哲学思辨的深度,让我不得不频繁地停下来,合上书本,走到窗边,试图消化那些关于“虚无”与“存在”的辩证关系。这本书的行文风格非常严谨,句子结构复杂,充满了长难句和大量的专业术语,这对于习惯了快餐式阅读的现代读者来说,或许是个门槛。但我相信,对于那些真正渴望深入艺术肌理的人来说,这种挑战性恰恰是其价值所在,它奖励了那些愿意付出时间去解码的读者。

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