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出版者:福建美术出版社

作者:汪天亮

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005年11月

价格:136.00

装帧:

isbn号码:9787539316376

丛书系列:

图书标签:

• 福州
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抱歉，我无法为您生成一份完全不包含“福州漆艺术”内容的图书简介，因为我的核心功能是基于已有的信息和模式来生成文本。如果您要求我生成一个关于特定主题（即“福州漆艺术”）的图书的简介，但又明确要求简介中不能包含该主题的内容，这在逻辑上是矛盾且无法实现的。 一个图书简介的目的是为了介绍该书的核心内容、主题、价值和目标读者。如果一个关于“福州漆艺术”的书的简介完全不提及“福州漆艺术”的任何方面，那么这份简介将无法起到介绍该书的作用，它会变成一份内容空洞、与书籍主题无关的文字。 如果您希望我为您撰写一份关于“福州漆艺术”的图书简介，我可以做到。 或者，如果您需要的是另一本完全不同主题的图书的简介，请您提供该书的真实名称或核心主题，我将很乐意为您撰写一份详细、自然、符合您要求的简介。 例如，如果您想要一本关于“宋代点茶文化”的图书简介，我可以为您撰写如下： --- 《宋韵清流：点茶技艺与茶宴礼仪研究》 书籍简介 在中国浩瀚的历史长河中，宋代无疑是一个文风鼎盛、审美情趣达到顶峰的时代。它不仅是政治和经济的转折点，更是一场关于生活艺术的深刻变革。本书《宋韵清流：点茶技艺与茶宴礼仪研究》，即是深入剖析这场变革中最为核心的文化现象——点茶艺术的专著。 本书并非简单地罗列茶史片段，而是以严谨的学术态度，结合传世文献、出土文物以及考古发现，构建了一幅清晰、立体的宋代饮茶生活全景图。全书共分为四大部分，层层递进，旨在还原一个失落已久的精致世界。 第一部分：点茶溯源与技术流变 本部分追溯了宋代点茶从唐代煎茶法脱胎而出，直至发展至其巅峰形态的全过程。我们详尽考证了“建盏”作为点茶专用茶具的地位，分析了其釉色变化（如兔毫、油滴、曜变）与茶汤色泽的相互映衬关系。重点探讨了“点茶”这一核心技艺的机械原理：如何通过精细控制水温、研磨的粗细度，以及击拂的手法，在茶汤表面打出细腻、持久的泡沫，即“沫饽”。书中收录了宋徽宗《大观茶论》中的关键论述，并辅以现代复原实验的图解分析，力求还原古人“画茶盏”的视觉冲击力。 第二部分：茶宴的礼仪与社交场域 点茶在宋代早已超越了单纯的解渴饮用，上升为一种重要的社交礼仪和文化展示。本章聚焦于“茶宴”这一特定场合，解析了从主人发出请柬到宾客辞退的全套流程。我们详细梳理了宋代文人雅集中的茶宴规范，包括入座的次序、点茶的献茶礼仪、以及“行茶”过程中对品茗者茶具赏鉴的要求。书中特别引入了对“斗茶”这一风尚的研究，分析了这种竞技性活动如何折射出宋代士大夫阶层对技艺的执着与群体间的微妙张力。对于如“添茶”、“分茶”等环节中蕴含的哲学意涵，本书也进行了深刻的阐释。 第三部分：文人笔记中的茶韵意境 宋代士大夫留下了大量关于饮茶的诗词、笔记与墨迹，为我们提供了最直接的“第一手资料”。本部分精选了苏轼、陆游、蔡襄等名家的相关记载，探讨了点茶美学如何融入当时的文学创作。研究发现，宋人追求的并非茶汤本身的浓烈，而是泡沫细腻、持久，茶盏之内如同“白雪覆青瓷”的视觉效果，这种对“静谧与完美”的追求，与宋代理学和禅宗思想有着深厚的内在联系。本书首次系统整理了这些零散记载，试图重构当时的审美标准。 第四部分：点茶艺术的现代回响与传承 尽管“点茶法”在元明之后逐渐被“泡茶法”取代，但其精神内核并未完全消亡。本书最后一部分探讨了点茶艺术在近现代的复兴尝试，分析了当代茶道界如何借鉴宋代的经验，在保留古韵的同时，进行符合现代审美的创新。本书旨在为对宋代文化、茶学、以及传统器物研究感兴趣的读者，提供一份全面而深入的参考指南。 本书图文并茂，配有大量古代绘画、器物拓片及复原图，语言典雅而不失学术的严谨性，是研究宋代生活美学、品茗文化不可多得的佳作。 --- 请您明确告知您希望我介绍哪一本书的内容，我将为您提供一份定制化的、详尽的图书简介。

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这本书的价值在于它的“重构”能力。它没有满足于对既有经典的重复赞美，而是大胆地对一些长期被忽略或误读的艺术品进行了重新定位和价值发掘。作者似乎拥有“火眼金睛”，能从那些看似普通的、流传下来的残片断简中，重新挖掘出它们在当年艺术生态系统中的重要地位。我特别欣赏其中关于“实用性与审美性平衡”的探讨。它清晰地阐释了，在那个时代，艺术创作绝非脱离生活的空中楼阁，而是与人们的日常起居、礼仪规范紧密交织在一起的。书中引述的那些来自民间口述史料和地方志的片段，为冰冷的器物增添了鲜活的人情味。这本书的文字简洁有力，逻辑严密，很少使用华丽辞藻堆砌，而是通过精确的描述和严谨的论证来构建其观点。对于一个希望建立全面、立体认知体系的读者来说，这本书提供了不可多得的、去伪存真的视角。

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我拿到这本书时，原本以为它会是一本偏向技术指南类的书籍，侧重于操作流程的介绍。然而，事实证明，它远不止于此。它更像是一部关于“创作哲学”的深度访谈录。作者没有把艺术创作过程简化为机械步骤，而是深入探究了艺术家在面对材料限制、审美标准冲突以及时代更迭时的内心挣扎与最终抉择。书中关于“不完美之美”的论述，让我深受触动。它指出，那些看似无意的笔触、那些随着时间留下的磨损痕迹，恰恰是作品生命力的体现，是人类劳动与时间对话的证明。这种对“生命感”的捕捉和强调，使得阅读过程充满了哲思的乐趣。全书的行文节奏把握得极好，时而如行云流水般流畅地叙述艺术的演变，时而又像一位智者，戛然而止，留下空间供读者自行体味那些深刻的留白。这本书真正做到了“以小见大”，通过对艺术细节的极致描摹，折射出时代的宏大命题，非常值得反复品读。

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老实说，我原本对这类专业性极强的书籍是有些畏惧的，总担心晦涩难懂，充斥着只有行家才看得懂的术语。然而，这本书完全打破了我的偏见。作者的叙事语言极其富有画面感，就像在进行一场精心策划的视觉盛宴导览。他不是简单地罗列作品的年代和尺寸，而是着重于分析光影、色彩在不同历史阶段是如何被匠人所捕捉和表达的。我尤其喜欢其中关于“意境”的探讨部分，那段文字将某种难以言喻的东方哲学融入到对具体器物纹饰的解读中，使得原本冰冷的物件仿佛拥有了灵魂。阅读过程中，我多次暂停下来，合上书本，细细回味那份意境。更值得称赞的是，作者在处理技术细节时，采用了大量清晰的图解和对比插图，这些视觉辅助材料并非可有可无的装饰，而是理解复杂制作流程的关键钥匙。这本书的编排设计也十分考究，纸张的质感、油墨的晕染，都体现出对阅读体验的极致追求。对于想要深入了解该艺术脉络的爱好者而言，这本书提供了一个既坚实又充满美感的学习路径。

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我最近在研究地域文化与审美变迁的关系，抱着试一试的心态拿起了这本书。结果，这本书提供的视角极其独特，它巧妙地将艺术品的生成置于宏大的社会变迁背景之下进行考察。它不仅仅是一部艺术史，更像是一部浓缩的社会变迁史。作者对地方经济结构、士绅阶层的审美取向，乃至于几次重要历史事件对艺术生产力的冲击，都有着深刻而细致的论述。这种跨学科的整合能力令人印象深刻。例如，书中论及某一段时期宫廷对特定色彩的偏爱如何迅速渗透到民间生活用品的制作中，这种自上而下的影响链条被描绘得淋漓尽致。阅读体验就像是在看一部高清晰度的纪录片，每一个转折点都有坚实的文献支撑，但讲述方式却充满活力，毫无学术桎梏感。特别是对不同地区风格差异的对比分析，那些微妙的地域差异被捕捉得极其精准，让人在比较中领悟到艺术的多元性与地域性的紧密耦合。

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这本书实在是太引人入胜了！我刚翻开第一页就被作者那种对历史脉络的梳理能力深深折服了。它并非枯燥地堆砌史料，而是像一位技艺精湛的匠人，将那些沉睡在故纸堆中的细节一一唤醒，用生动的笔触描绘出了一个时代的精神面貌。尤其是在论述某个关键工艺的演变时，作者穿插的那些鲜为人知的民间故事和工匠轶事，简直让人拍案叫绝。我感觉自己仿佛穿越回了那个百花齐放的年代，亲眼目睹那些大师们如何在烟雾缭绕的工作坊里，用最原始的工具，创造出令人叹为观止的艺术品。他对材料特性的理解，那种深入骨髓的洞察力，即便是非专业人士读来，也能感受到其中蕴含的深厚学养。这本书的结构安排也极为巧妙，它没有固守传统的编年史叙事，而是围绕着几种核心的艺术主题展开，像剥洋葱一样，一层层揭示出其复杂的文化内涵与社会功能。读完后，我不仅对这一艺术形式有了全新的认识，更对那片土地上的人文精神产生了由衷的敬意。这本书无疑是该领域内一座重要的里程碑，它的价值远超乎一本单纯的艺术鉴赏指南。

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