中国建筑审美的变迁 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:同济大学出版社

作者:汤里平

出品人:

页数:251

译者:

出版时间:2012-12

价格:58.00元

装帧:

isbn号码:9787560849973

丛书系列:

图书标签:

• 建筑学
• 建筑理论
• 建筑园林城规
• 乡土建筑
• 中建史
• 中国建筑
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• 中国文化
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• 建筑理论
• 艺术史

《山水画中的诗意栖居》 引言 中国古代文人，以其独特的视角和深刻的情感，在山水画这一艺术形式中构建了一个超越现实的理想精神世界。他们笔下的山川草木，并非对自然景物的简单摹写，而是承载着个体生命对宇宙秩序、自然哲理以及个体价值的认知与表达。本卷深入探究中国山水画如何由写实走向写意，并最终成为文人精神寄托与哲学思考的载体，阐释其背后深刻的文化内涵与审美旨趣。 第一章：自然之外的想象——山水画的早期萌芽 本章追溯中国山水画的起源，探讨其在先秦、秦汉时期的萌芽状态。早期绘画中，山水元素多作为人物故事的背景，尚未独立成科。然而，即便如此，已可见古人对自然景象的关注，以及将自然意象融入叙事表达的雏形。从壁画、画像石上的模糊山峦，到漆器、铜器上的纹样，我们可以窥见一种对天地万物的初步感知，以及对宏大宇宙的朴素想象。屈原《楚辞》中对神山、异境的描绘，也为后世的山水艺术提供了丰富的精神土壤。同时，哲学思潮如“天人合一”的观念，虽未直接体现在绘画形式上，却已悄然孕育着文人对自然与人关系的思考。 第二章：轴上的天地——从“青绿山水”到“水墨山水”的演进 本章聚焦于山水画发展中的重要转折——从色彩浓郁的青绿山水到水墨写意的兴盛。东晋顾恺之以“以形写神”的理论为指导，为山水画注入了哲学与心理学的深度。南北朝时期，山水画逐渐独立，出现宗炳、王微等早期山水画家，他们的理论和实践，奠定了山水画的理论基础。隋唐时期，展子虔的“金碧山水”以其富丽堂皇的色彩和宏大的构图，展现了盛世气象。而到了五代和宋代，以荆浩、关仝、范宽、董源、巨然为代表的画家，将山水画推向新的高峰。“全景山水”的出现，展现了对山川壮丽景象的全面描绘，既有写实的工整，又不乏磅礴的气势。 然而，真正的革命发生在文人画兴起之后。宋代苏轼、文同等人，倡导“士人画”，强调笔墨情趣和主观抒发。他们认为，山水画不应止于形似，更要表达画家的胸中丘壑，即画家的精神世界和人格修养。水墨的运用，以其写意性和表现力，成为传达这种精神的理想媒介。墨色的浓淡枯湿，笔法的抑扬顿挫，都成为画家表达情感、寄寓思想的独特语言。本章将详细分析这一演进过程中的代表性作品和理论，探讨色彩与墨色在表现自然与精神层面的不同作用。 第三章：笔墨乾坤——中国山水画的写意精神 本章深入剖析中国山水画的核心——“写意”。“写意”并非“不写实”，而是以有限的笔墨，表现无限的意境。它强调“似与不似之间”，追求神似而非形似。通过对皴法、点苔、留白等技法的详细解读，揭示中国画家如何运用线条和墨色，营造出山峦的苍劲、水流的灵动、云雾的飘渺。 留白在中国山水画中扮演着至关重要的角色，它不仅是画面的空间构成，更是留给观者想象与体悟的无限余地，体现了“虚实相生”的哲学思想。画家通过对景物的提炼与概括，将自然之形与心物之境融为一体。例如，一两株孤傲的松树，可以象征文人的坚韧不拔；潺潺的流水，可以寄托高洁的志向；缥缈的云雾，则可以暗示世事的变幻莫测。山水画由此成为一种“移情”的艺术，画家将自己的情感、理想、甚至是对人生的困惑与哲思，寄寓在笔墨构筑的山川之中。 第四章：诗魂画魄——山水画与中国古典诗歌的交融 本章探讨山水画与中国古典诗歌之间密不可分的联系。在中国古代，“诗画同源”的说法并非空穴来风。许多山水画的题跋，本身就是一首首优美的诗篇，点明了画面的意境和画家的情感。反之，无数优秀的诗歌，也为山水画提供了丰富的创作灵感和意象。 从“可行、可望、可游、可居”的“可行者，远，不可觇其美；可望者，因山之形，随其隐显；可游者，得其山水之趣；可居者，得其峰峦翠叠，可隐者也。”的理论，我们可以看到山水画不仅是对自然景象的描绘，更是对理想生活方式的向往。山水画中的亭台楼阁，并非简单的建筑点缀，而是文人隐逸、休憩、交流思想的场所。它们与自然景物和谐共处，共同构成了一个理想的精神家园。诗歌中的意象，如“孤舟”、“残月”、“归鸿”，常常在山水画中得到具象化的呈现，而画面的意境，也常常激发诗人的创作灵感。这种诗画互鉴、互补的关系，共同塑造了中国山水画的独特艺术魅力。 第五章：文人的精神家园——山水画中的哲学与人生 本章将山水画置于更广阔的哲学与人生视野中进行审视。在中国传统文化中，山水画不仅仅是一种视觉艺术，更是一种认识世界、安顿心灵的途径。面对人生的起伏与社会的变迁，文人往往选择退隐山林，通过观山望水，体悟自然之道，寻求精神的超脱。 “天人合一”是中国哲学的重要观念，在山水画中得到了淋漓尽致的体现。画家通过对自然景物的描绘，表达了与自然融为一体的愿望，将个人的生命融入到浩瀚的宇宙之中。山水画中的哲学思考，体现在对“有”与“无”、“形”与“神”、“动”与“静”的辩证认知中。如“无为”的思想，也常常通过画面中的宁静祥和得以体现。 同时，山水画也反映了文人的人生观和价值观。在仕途失意或面对乱世之时，山水画成为他们表达愤懑、寄托愁思，或是寻求慰藉的精神避难所。一幅幅画面，记录着画家的心路历程，也折射出中国文人在特定历史时期下的生存状态与精神追求。画家的题识，常常成为理解画作背后个人经历与思想的关键。 结论 《山水画中的诗意栖居》一卷，旨在通过对中国山水画的深入剖析，揭示其从写实到写意的演变，阐释其蕴含的丰富哲学思想、审美情趣以及文人的精神寄托。它不仅是一部艺术史的梳理，更是对中国传统文化中“观物以载道”、“乐山乐水”等精神内涵的探索。山水画是中国古代文人对理想境界的追求，是对自然奥秘的敬畏，更是对个体生命价值的深刻体认。这幅流动的精神画卷，至今仍能触动我们的心灵，引发我们对自然、对人生、对“诗意栖居”的深刻思考。

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这本书的学术深度令人印象深刻，它绝非泛泛而谈的普及读物。作者显然投入了大量心血进行了一手资料的考证和跨学科的融会贯通。我特别注意到它在引用和注释上的严谨性，每一个论断的背后都有坚实的研究支撑，这极大地增强了文本的可信度。更难能可贵的是，作者在保持高度学术性的同时，并没有让文字变得晦涩难懂。他成功地架起了一座桥梁，连接了顶尖的学术研究与渴望深入了解的普通读者，展现了一种真正面向大众的知识普及情怀，这种平衡的艺术令人叹服。

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读完合上书本的那一刻，我感觉我的“视觉”被重新校准了。这本书改变了我看待日常环境的方式。以前只是“看到”一栋建筑，现在却开始下意识地分析其背后的逻辑、其与环境的对话、以及它所承载的时代精神。作者通过这本书，打开了一扇通往更深层次理解世界的大门，让我意识到我们身处的每一个由人创造的空间，都蕴含着深刻的历史信息和文化密码。这种知识带来的“后效性”——即阅读结束后仍在持续发酵、影响我们思维的特质——是衡量一本伟大著作的重要标准，而这本书无疑做到了这一点。

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阅读这本书的过程，仿佛经历了一场穿越时空的对话。作者的叙事节奏把握得极其精准，既有宏观历史脉络的梳理，又不乏对具体建筑实例的微观剖析，两者交织，密而不乱。特别是对某些关键转折点的论述，作者的切入角度非常新颖，没有陷入传统学术的窠臼，而是用一种近乎文学化的笔触，将冰冷的史实赋予了鲜活的生命力。我特别欣赏作者在阐述复杂概念时所展现出的清晰逻辑，他似乎总能找到最恰当的比喻或类比，让那些原本深奥的理论变得触手可及，即便是初涉该领域的读者也能迅速领悟其精髓，这需要极高的驾驭文字和知识的能力。

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这本书的装帧设计简直是艺术品。厚实的纸张，触感温润，油墨的印刷质量无可挑剔，每一个细微的纹理都清晰可见，这让阅读过程本身变成了一种享受。封面设计极具张力，那种留白与意象的结合，让人在翻开之前就对内容充满了敬畏和好奇。装帧的细节处理得非常考究，比如书脊的缝合方式，体现了匠心独运，让人联想到那些古老而精湛的手工艺。我甚至愿意把它放在书架上，仅凭其视觉和触觉的吸引力，它就超越了普通书籍的范畴，更像是一件可以长久珍藏的工艺品。这种对物理载体的重视，本身就传递了一种信息：里面的内容必然是经过深思熟虑、沉淀许久的珍贵知识。

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我是在一个周末的午后，带着一杯热茶，沉浸在这本书里的。它的文字力量是如此强大，以至于我完全忘记了外界的时间流逝。书中描绘的场景和氛围感极强，仿佛每一个文字片段都在我眼前构建出一个个栩栩如生的古代或现代空间。那种对光影、材料、比例的细腻捕捉，远远超出了教科书式的描述，更像是行走在现场的感官体验报告。在跟随作者的文字游走时，我体验到了一种久违的、纯粹的求知欲被满足的快感，每一次翻页都伴随着“原来如此”的豁然开朗，这种阅读的沉浸感，是现代信息碎片化时代非常稀缺的体验。

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中建史课余所看，字很多，很长，耐心不好的人别看……免得消磨掉对建筑学的耐心……还是不错的。

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写论文看的，还可以

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中建史课余所看，字很多，很长，耐心不好的人别看……免得消磨掉对建筑学的耐心……还是不错的。

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