中国戏曲表演艺术辞典 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国戏剧出版社

作者:余汉东

出品人:

页数:874

译者:

出版时间:2006-12

价格:80.00元

装帧:

isbn号码:9787104025054

丛书系列:

图书标签:

• 戏曲
• 京剧
• 中国戏曲
• 表演艺术
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• 传统艺术
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• 戏曲文化
• 戏剧术语
• 艺术参考
• 民间艺术
• 表演理论

中国古代建筑史纲 本书系统梳理了自新石器时代晚期至清末的中国古代建筑发展脉络，旨在为读者构建一个全面、深入的中国古代建筑历史图景。全书结构严谨，内容详实，不仅关注宏观的时代演变和风格特征，更深入剖析了建筑技术、材料运用、结构体系及其背后的社会文化意涵。 第一编：建筑的源起与早期形态（先秦至秦汉） 本篇溯源而上，探讨中国建筑的原始形态。从新石器时代的聚落遗址中初现的夯土技术与简易木构架，到夏商周时期礼制观念对建筑形制（如宫室、宗庙）的深刻影响。重点分析了井田制下都城规划的严谨性，以及早期“架屋叠梁”技术的萌芽。 秦汉时期是制度化建筑的奠基阶段。秦始皇统一六国后，大规模的宫殿与陵墓工程（如阿房宫遗址的理论复原与秦始皇陵的陪葬坑建筑群）展示了中央集权对工程规模的掌控力。汉代，阙、楼、阁等高耸性建筑成为权力的象征。本篇详述了汉代成熟的穿斗式与抬梁式木构架的初步确立，以及砖石技术在桥梁（如赵州桥的前身——汉代石桥的结构逻辑）和墓葬中的广泛应用。通过对画像石、壁画中建筑场景的细致解读，重构了彼时生活空间的风貌。 第二编：融合与成熟——魏晋南北朝与隋唐盛世 魏晋南北朝时期，战乱与民族交融带来了建筑艺术的剧烈变革。佛教的传入是此阶段最重要的事件之一。本篇详述了石窟寺（如云冈、龙门）的建筑形制如何融合了印度、中亚的样式与本土的木构经验。同时，江南地区的木构体系在技术上趋向精巧化，注重斗拱的装饰化趋势开始显现。 隋唐五代，大一统的恢弘气象直接体现在建筑之上。唐代建筑以其雄大、简洁、比例协调著称。本篇以大明宫、长安城的规划为核心，阐释了唐代城市里坊制的严格性。在单体建筑上，详尽分析了唐代斗拱的结构特征——硕大、外挑深远、主要承担出檐作用，以及其对屋顶坡度、出檐深度的决定性影响。敦煌莫高窟的唐代殿宇形制，提供了研究唐代木构室内空间与壁画结合的珍贵范例。同时，本篇也对比了南方官式建筑与北方官式建筑在材料和细部处理上的差异。 第三编：精细化与审美转向——宋辽金元时期 宋代是中国古代建筑技术和理论走向成熟的关键时期。《营造法式》的颁布标志着建筑设计与施工进入规范化、标准化阶段。本篇聚焦于李诫所构建的这套科学体系，重点解析了其核心的“材分制”——即以模数控制构件比例的先进方法。 在风格上，宋代建筑趋向秀丽、精巧、注重装饰。楼阁、亭榭的造型更加灵活多变。本篇详细考察了宋代木构架中斗拱的演化——从纯粹的承重结构向装饰性母题的过渡，以及它与梁架关系的微妙变化。辽金两代的建筑，则体现了北方少数民族的审美取向，如辽代佛塔的密檐式结构，以及金代建筑在体量上对唐风的继承与创新。 元代建筑则在继承宋代技术的基础上，开始展现出中西合璧的趋势，尤其在佛教建筑的细节处理上有所体现。 第四编：集大成与晚期定型——明清时期 明清两代是中国古代建筑的集大成阶段，此时的建筑风格趋于成熟定型，并达到了极致的程式化和装饰化。 明代建筑，尤以官式建筑为代表，确立了后世沿用的规制。本篇深入分析了《工部工程做法则例》对建筑形制的锁定，包括台基、屋身、屋顶的层层递进关系。斗拱在此时已基本脱离了早期纯粹的结构功能，大量用于檐下和室内，成为等级和装饰的符号。梁架结构趋向简化，但装饰雕刻艺术达到巅峰。 清代建筑则标志着古代建筑体系的终结。康乾盛世的繁复追求，使得建筑的“饰面”重要性超过了“结构”。本篇重点分析了官式建筑的“九檩”、“八脊”等复杂屋顶形式，以及室内外彩画、琉璃瓦、石雕的程式化运用。同时，本篇也探讨了清代地方流派（如徽派、苏派、闽派）在材料选择、空间布局和细节处理上，如何突破官式规范，展现出独特的地域风貌。 结语：技术、文化与遗产保护 本书的最后部分，将目光投向建筑技术的终极发展——榫卯的精妙、防水防潮的实践，以及对地震的应对策略。同时，通过对建筑的尺度、朝向、色彩（如皇家建筑的黄、紫、红）的分析，揭示了传统宇宙观、儒家礼制和阴阳五行学说在中国建筑中的深刻烙印。最终，本书对中国古代建筑如何作为不可再生的文化遗产，在当代面临的保护与传承挑战进行了概括性的展望。

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我是一个偏爱从宏观角度理解事物的人，这本书最吸引我的地方，在于它对整个中国戏曲艺术体系的框架性构建。它不是零散的知识点堆砌，而是一张精心绘制的“艺术地图”。尽管我没有细读每一个细分的条目，但通过其引言和章节的组织方式，我能够清晰地感受到，作者是如何将数百年来的舞台艺术实践，整合进一个既有历史深度又富含地域特色的逻辑体系中的。它仿佛在告诉我：看戏，不只是看热闹，更是看文化、看哲学、看历史。书中对于“科班”教育模式的演变介绍，尤为引人入胜，让我理解到，我们今天看到的那些炉火纯青的技艺，背后承载着怎样严格而漫长的传承制度。这种宏大的叙事视角，极大地拔高了阅读体验，让我从一个普通观众，提升到了一个具备一定鉴赏视野的文化旁观者的高度。

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这本书的装帧和排版设计，给我的第一印象是沉稳大气，透露着一种对艺术应有的敬畏感。我注意到，书中似乎对某些极为罕见的、濒临失传的表演形式也进行了记录，这本身就具有极高的文献价值。我虽然没有去验证那些具体描述的准确性，但这种“抢救性”的记录精神，着实令人肃然起敬。我倾向于认为，它在信息检索的易用性上做了大量的优化，即使内容包罗万象，也绝不会让人在浩如烟海的资料中迷失方向。那种结构上的清晰和对信息层次的有效区分，使得读者可以根据自己的兴趣点，随时“跃入”任何一个感兴趣的知识领域，进行深入的探索。这种设计上的匠心，无疑是为研究者和戏迷都提供了极大的便利，确保了其作为一部工具书的实用性和权威性。

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读这本书，就像是进行了一次跨越时空的“艺术对谈”。我尤其喜欢书中那些似乎是来自老艺术家口述的历史片段或轶闻趣事，它们被巧妙地穿插在严肃的理论阐述之间，起到了很好的调和作用。这些小故事，如同舞台幕布拉开前，观众席上传来的窃窃私语，既真实又充满人情味，拉近了读者与高深艺术之间的距离。它没有高高在上地宣讲什么是“标准”，而是展现了艺术在不同时代、不同地域是如何“生长”和“适应”的。正是这些鲜活的细节，赋予了这部工具书灵魂，使其不再是一本冰冷的技术手册，而更像是一部关于“人与舞台”的百科全书。这种兼顾学术深度与阅读趣味的平衡把握，是极其难能可贵的。

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坦白说，我拿到这本书时，心里是带着一丝忐忑的，担心它会是一本枯燥的工具书，充满了晦涩难懂的专业术语，让人望而生畏。然而，翻开几页后，那种担忧便烟消云散了。这本书的编排逻辑非常清晰，即便是对戏曲一窍不通的新手，也能沿着其构建的知识脉络，进行一次有趣的“考古之旅”。我特别欣赏它在介绍角色行当时，那种近乎于人类学田野调查般的严谨与生动并存的叙述方式。比如，书中对某派别“做功”手法的描述，不仅交代了动作的规范，还追溯了其源头和流变，甚至提及了某位宗师在创新过程中遇到的挑战与突破。这种由点及面的讲述，让原本抽象的表演技巧变得有血有肉，有迹可循。它更像是一部精致的“表演动作分解图谱”，只不过图谱是用文字绘制的，需要读者调动想象力去填补视觉上的空白，而恰恰是这种调动，极大地增强了阅读的参与感和乐趣。

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这本厚重的典籍摆在案头，便让人感受到一种扑面而来的历史的沉淀感。我印象最深的是其中对于“腔调”的剖析，那种细腻入微的文字，仿佛能让人直接“听”到舞台上旦角的婉转低回，或是武生的慷慨激昂。它不仅仅是简单地罗列名词和释义，更像是请来了一位经验丰富的老伶人，坐在你面前，用他毕生的心血与你娓娓道来，每一个字眼背后都蕴含着无数次的排练、汗水，甚至是与角儿们心血相通的默契。尤其是关于不同剧种“韵白”的对比章节，作者似乎拥有将无形之声具象化的魔力，让我这个门外汉，也能大致领略到京剧的铿锵有力与昆曲的吴侬软语之间那道微妙而深刻的艺术鸿沟。读完某些段落，会有一种强烈的冲动，想要立刻去剧院，亲眼目睹那些文字中描绘的“水袖功”是如何行云流水，那“亮相”的瞬间又是如何凝聚了所有情感的爆发力。它为我打开了一扇窥探中国传统表演美学殿堂的窗户，虽然我并未深究其具体词条，但整体的艺术氛围和文化脉络的梳理，已经足以让人心驰神往。

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非常详实，感谢扫盲 2019.2.20于国图

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图文并茂，不能说读完，但会经常读。

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