画坛奇才张大千 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:九歌

作者:王家誠

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:144.00元

装帧:平装

isbn号码:9789574442973

丛书系列:

图书标签:

传记
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具体描述

徐悲鴻贊譽：五百年來一大千。

中國在二十世紀中最具國際知名度的畫家張大千，在進入二十一世紀的今日，他在藝術上的聲望地位不但

絲毫未減，倒有與日俱增的聲勢。他晚年巨幅絹畫「愛痕湖」以一億八十萬元的「天價」成交，這是中國

近現代書畫作品拍賣成交價首次突破億元大關。

張大千在繪畫、書法、篆刻、詩詞方面都有很深的造詣。他的一生充滿了多采多姿的經歷，也帶有許多傳奇

性的色彩；畫家、作家王家誠的生花妙筆，能幽默、能狂放、能圓熟、能蒼涼，深入淺出介紹大師藝術，

更寫盡張大千傳奇的一生。

「五百年來一大千」，張大千無人不知、無人不曉，畫作無數，國內外博物館及收藏家視為瑰寶爭相典藏，

他的出身名門見識不凡，，民初與皇族溥心畬並稱「南張北溥」馳名藝術界，世人稱頌不已。

張大千的敦煌石窟佛像描摩是一項艱鉅過程，是張大千重要的藝術成就。而他的愛情故事更是綺麗迷人，

多場的戀史為人津津樂道。全書全方位描寫一代大師創作及多彩多姿的人生，是傳記，更是藝術。

翰墨丹青的史诗：中国近现代书画的流变与群星本书聚焦于中国近现代（约1840年至1980年代）波澜壮阔的艺术变革时期，深入剖析了传统绘画在面对西方文化冲击与本土社会剧变时所经历的痛苦转型、融合创新以及最终走向世界的过程。它并非聚焦于某一位艺术巨匠的个人传记，而是以宏大的历史视角，勾勒出一条清晰的脉络，展示了“中西交融”与“民族复兴”这两大主题如何深刻地塑造了这一时期的笔墨江山。全书分为五个主要部分，力图构建一个立体、多维度的近现代书画全景图。 --- 第一部分：传统的坚守与初期的试探（1840s – 1900s）此部分追溯了晚清时期，在帝国衰微、社会动荡的背景下，传统文人画所面临的巨大挑战。我们首先考察“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）余绪对画坛的持续影响，以及他们所代表的古典美学高峰与僵化倾向。重点分析了以吴昌硕为代表的海派艺术家的“后海派”精神。吴昌硕如何以金石入画，将篆隶的雄强笔意注入写意花鸟，使传统文人画在视觉冲击力上焕发新生。同时，本书也将梳理清末民初的地域性画派，例如对岭南画派（如高剑父、陈树人）的早期探索进行细致解读，他们开始尝试引入西洋写实的光影与解剖概念，但仍保持着对传统笔墨语言的尊重。这一时期的核心议题是：如何在“师古人”的传统中寻找到“开新路”的可能性？我们详细考察了当时知识分子对“格物致知”与西方科学的初步接触，及其对绘画中写生观念的微妙渗透。 --- 第二部分：学院的建立与南北的鼎革（1910s – 1930s）随着辛亥革命的爆发，艺术教育的现代化成为必然趋势。本书将详尽考察蔡元培等人倡导的教育改革，以及北京艺术专门学校（后来的中央大学艺术系）和上海美术学校等新式艺术学府的建立。重点分析了以徐悲鸿为代表的“写实主义”思潮的涌入。徐悲鸿留学法国，学习古典素描与油画技法，回国后以坚定的“素描为基础”的理念，对中国画的造型能力进行了猛烈的批判与革新。我们不仅研究他如何用西方的解剖学知识重塑人物画，更重要的是分析他如何在实践中将这些西方训练融入到中国笔墨中，形成他独特的“中西融合”路径，尤其是在马、牛等动物题材上的杰出成就。相对地，本书也描绘了以林风眠为代表的“意象派”的崛起。林风眠从法国留学归来，倡导“艺术之固有价值”，追求表现内心的情感而非纯粹的物象描摹。他将野兽派的色彩、后印象派的造型与中国民间艺术、敦煌壁画的造型意趣相结合，形成了色彩浓郁、造型简洁、意境深远的现代水墨风格。此时期的南北对立与融合，构成了近现代画坛的主旋律：是坚守“笔墨精神”还是拥抱“造型科学”？ --- 第三部分：战火中的坚韧与笔墨的内化（1930s – 1940s）抗日战争和随后的国共内战，对艺术创作产生了决定性的影响。此部分探讨了艺术家们在颠沛流离中如何保持创作的火种，以及艺术如何被赋予更强烈的社会责任感。重点探讨了国画研究会与“新中国画运动”的兴衰。在民族危亡之际，传统山水画的“避世”倾向受到质疑，艺术家们开始思考如何用传统语言表达“家国情怀”。特别关注了在重庆、成都等地艰难坚持的艺术家群体，他们对传统山水画的“气韵生动”进行了一种更加内在、更具哲学深度的挖掘。部分画家试图将西方立体主义和表现主义的结构拆解，应用到对山川的描绘中，以更具冲击力的线条和块面来表达战乱带来的创伤与对未来的期盼。同时，本书也分析了这一时期，国画界在形式与内容上，向左翼写实主义靠拢的努力与张力。 --- 第四部分：新时代的塑造与水墨的转型（1950s – 1970s）新中国成立后，艺术的创作方针发生了根本性转变。此部分细致考察了“十七年”时期（1949-1966）艺术教育与创作的体制化过程。重点分析了“社会主义现实主义”对中国画的指导意义，以及如何将传统的“人物仕女画”彻底改造为“工农兵形象”的叙事工具。我们研究了国家对中国画的定义和推广，特别是对“国画”与“水彩、油画”的区隔与扶持政策。深入剖析了在这一时期，几位重要的艺术教育家如何巧妙地在既定的框架内，维护和发展传统笔墨的生命力。他们通过教授严格的写生训练，并强调中国画的“线条的韧性”和“色彩的意境性”，确保了技术上的不失传。同时，本书也客观呈现了“文化大革命”对艺术创作的压制，以及艺术家的个体命运与创作的隔绝状态。 --- 第五部分：复苏与面向世界的开放（1970s 末 – 1980s）随着思想禁锢的解除，“文革”结束后的中国艺术界迎来了前所未有的活力。此部分关注艺术的“拨乱反正”与全新的思潮涌动。重点分析了“伤痕美术”的出现及其对真实情感表达的回归。在中国画领域，这体现为艺术家们对长期压抑的情感的集中释放，笔墨语言开始变得更加奔放、更加个人化。最重要的是，本书探讨了“’85新潮”的先声如何在传统画坛中激起波澜。艺术家们开始直接、大胆地吸收西方当代艺术的观念，这使得中国画的本体论（即“什么是中国画？”）再次面临严峻的挑战。水墨开始被视为一种可以承载观念的媒介，而非仅仅是描绘物象的工具。对笔墨的“符号化”处理，对水墨的“肌理感”的极致追求，以及对抽象水墨的探索，标志着中国近现代书画在完成了对“中西冲突”的内部消化后，开始以全新的姿态走向更广阔的国际艺术对话。 --- 总结：本书力求提供一个全面的、多角度的学理分析框架，展现近现代中国画如何从僵化的古典传统中挣脱，经历了激烈的外部冲击与内部反思，最终奠定了其在世界艺术版图中的现代地位。它通过对不同流派、重要事件和核心理念的细致梳理，为读者构建了一个完整、清晰的时代画卷。