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出版者:艺术图书公司

作者:张大千 绘著

出品人:

页数:165

译者:

出版时间:2006

价格:192.00元

装帧:平装

isbn号码:9789576721243

丛书系列:

图书标签:

• 张大千
• 国画
• 中国美术
• 艺术史
• 绘画
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《山河入画：中国传统山水画的审美变迁与技法探微》 导言： 自古以来，山水在中国艺术的殿堂中占据着至高无上的地位。它不仅是自然景物的描摹，更是画家心性、哲学思想与时代精神的载体。本书并非聚焦于某位特定艺术家的生平与创作，而是旨在为读者构建一个宏大而精微的视角，系统梳理中国传统山水画自魏晋萌芽至近现代的漫长演进历程，深入剖析其背后蕴含的审美范式、哲学思辨以及核心技法体系的演变脉络。我们将探寻“可行、可望、可游、可居”的理想境界是如何一步步被构建和重塑的，以及不同历史时期的地域特色和文人情怀如何渗透于笔墨丹青之中。 第一章：源起与奠基——山水画的哲学基石与早期形态 (魏晋至唐代) 本章追溯山水画的哲学根源。在中国，山水并非单纯的客观存在，而是儒家“仁者乐山”、道家“与自然同化”思想的具象化体现。《庄子》中“天地有大美而不言”的境界，为后世的山水艺术提供了形而上的指导。 萌芽期（魏晋）： 探讨顾恺之“迁想妙得”的理论对山水画从人物画配景地位的提升作用。重点分析宗炳“卧游”思想的形成，即通过观看和描绘山水，实现精神上的超越与自由。 独立与风格初定（隋唐）： 李思训的“青绿山水”标志着山水画作为独立画科的正式确立。我们分析其富丽堂皇的设色体系，如何体现初唐盛世的气象。同时，探讨王维“水墨为上”的开创性意义，水墨语言如何捕捉意境而非形似，为文人画的兴起埋下伏笔。这一时期的山水画，重在表现宏大叙事下的自然伟力。 第二章：文人画的勃兴与“意境”的极致追求 (五代至宋代) 宋代是山水画技法与理论体系最成熟的阶段。文人阶层对艺术的介入，使得山水画的主题从“观赏自然”转向“抒发性灵”。 五代十国的分流： 重点对比荆浩、关仝的北方雄浑画派（如“斧劈皴”）与南方董源、巨然的温润秀美画派（如“披麻皴”），分析地域气候与人文素养如何塑造了不同的笔墨语言。 北宋的全盛与“院体”规范： 深入研究李成、范宽的艺术成就。范宽《溪山行旅图》中对山体结构和空间层次的把握，体现了宋人对“全景式”山水的高度驾驭能力。同时，辨析“院体”山水对法度的严谨要求，以及其与皇家审美趣味的契合。 南宋的转向与“理学”的影响： 探讨马远、夏圭的“边角式”构图，这种“一角半边”的减法艺术，如何反映了南宋士大夫在偏安一隅时的内敛与哲思，将焦点集中于局部细节，以小见大。 第三章：笔墨的解放与书画同源的深化 (元代) 元代山水画的重心完全转向“士气”，笔墨的运用被赋予了远超描摹自然的意义。 “元四家”的理论建构： 详细分析黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙的创作差异。“元四家”共同的特点是强调“笔墨当随时代”，将书法中的点画提按顿挫完全融入山石树木的描绘之中。 倪瓒的“孤简”美学： 倪瓒标志性的“折笔”与“干笔皴擦”，及其画面中流露出的遗世独立、萧疏淡泊的“寒林”意象，是文人精神对世俗环境的一种深刻反抗。 技法解析： 深入探讨“披麻皴”、“折带皴”等皴法的实际应用，及其与墨色浓淡干湿的配合，如何构成画面的骨法用笔。 第四章：地域流派的并峙与技法的集大成（明清） 明清时期，山水画进入了风格竞相争艳、技法融汇创新的阶段，并形成了清晰的南北脉络。 明代早期与中期： 吴门画派（沈周、文徵明）的“柔和典雅”与浙派（戴进）的“苍劲雄健”之间的对比。探讨他们如何继承“元四家”的笔墨传统，并加入个人对生活场景的细致观察。 晚明“个性解放”： 分析董其昌提出的“南北宗论”的历史意义，虽然该理论存在争议，但它确立了对文人笔墨传统的推崇。探讨董其昌自身的“淡墨山水”和“有笔有墨”的理论实践。 清代的复古与创新： “四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）对前代经典的“集大成”式推崇，他们致力于梳理和规范古代典范，强调“读画”“有源有本”。与此同时，探讨石涛和八大山人如何以“怪诞”、“奇崛”的笔墨，反抗僵化的程式化，为山水画注入强烈的个体情感和笔墨张力。 第五章：近现代的转型与水墨语言的现代性探索 随着西方艺术观念的涌入，传统山水画面临前所未有的挑战与机遇。 民国时期的“中西调和”： 探讨部分画家如何尝试引入西方的光影、透视概念到传统山水之中，以及这种尝试带来的理论争论。 当代水墨的探索： 简述如何从传统笔墨中提炼出具有现代抽象意味的元素，使山水画的语言能够适应新的时代语境。重点分析在坚守传统“气韵生动”核心精神的同时，如何拓展墨色的表现力与空间结构。 结语： 本书通过对不同历史时期山水画的审美取向、哲学思考和核心技法的逐层剖析，旨在揭示中国山水画作为一种独特的东方艺术形式，其生命力之所在——即对自然本体的敬畏、对笔墨语言的极致锤炼，以及对个体精神世界的深入挖掘。山水画的历史，是一部关于中国人如何看待世界、如何安顿心灵的艺术史。 --- 本书特色： 结构清晰： 依时代发展脉络，层层递进，便于读者系统掌握演变过程。 重在技法解析： 不仅罗列画家，更深入解析“皴法”、“点苔”、“用墨”等核心技法的历史流变与具体应用。 哲学与艺术结合： 将儒释道思想与山水画的审美追求紧密联系，阐释艺术背后的文化内核。 学术性与可读性兼顾： 语言力求严谨准确，避免使用空泛的赞美之词，注重史实考证与理论辨析。

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我一直认为，艺术家的创作是其内心世界最真实的写照。这本书正是如此，它为我打开了一扇窗，让我得以窥探一位伟大灵魂的深邃。我尤其欣赏其中对于艺术家人生经历的细致描绘，那些游历四方、结交名流的片段，展现了他丰富多彩的人生。每一次的经历，似乎都为他的艺术注入了新的灵感和活力，形成了独树一帜的风格。

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这本书的编排方式也相当别致，它不仅仅是简单地罗列文字，而是将图文并茂地结合在一起，形成了一种独特的阅读体验。我常常会在阅读文字描述时，抬头看向与之对应的插图，那种图文之间的呼应，让我的理解更加深入和生动。尤其是在欣赏那些经典作品的解析部分，文字的阐述与画作本身的视觉冲击力，相得益彰，令人回味无穷。

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翻开这本书，首先映入眼帘的是那细腻的笔触和深邃的色彩。我是一个对艺术颇有研究的爱好者，虽然我的知识体系主要集中在西方古典艺术领域，但对东方艺术的魅力也一直心向往之。这本书给我提供了一个绝佳的契机，让我能够深入了解一位在艺术史上留下浓墨重彩的人物。我尤其喜欢其中关于他早期学习经历的描述，那种从模仿到创新的过程，充满了艰辛与蜕变，让人不禁为之动容。

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读完这本书，我感觉自己的艺术视野得到了极大的拓展。我不再仅仅局限于我所熟悉的领域，而是开始对更广阔的艺术世界产生了浓厚的兴趣。这本书如同一扇扇打开的门，让我看到了更多的可能性。我真心推荐这本书给所有对艺术感兴趣的朋友，它会让你收获满满，并在这个过程中，发现更多关于艺术与生命的美妙之处。

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在阅读这本书的过程中，我常常会被其中所描绘的场景所震撼。那些笔墨勾勒出的山川河流，仿佛拥有了生命，在纸页间流淌。我闭上眼睛，仿佛能听到潺潺的流水声，感受到拂面的微风。书中对于这位艺术家创作理念的探讨，也让我受益匪浅。他如何将自然之美融入笔端，如何用色彩表达内心的情感，这些都是值得我深思和学习的。

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在阅读这本书的过程中，我常常会不自觉地将书中的内容与我自己的生活经历相联系。那些关于坚持、关于追求、关于生命的态度，都给予了我很多启发。我发现，艺术不仅仅是高高在上的殿堂，更是与我们的生活息息相关的。这位艺术家的作品，用他独特的方式，诠释了生命的美好与力量，让我对生活充满了更多的热情。

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这本书，初拿到手时，就被它厚重的纸张和精美的封面设计所吸引。那种油墨的清香，混合着纸张特有的芬芳，瞬间勾起了我对阅读的渴望。封面上的图案，虽未仔细辨认，却能感受到一种古朴而又充满生命力的气息。我迫不及待地翻开了第一页，指尖划过文字，仿佛触碰到了历史的脉络。

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阅读这本书，让我对“传承”二字有了更深的理解。这位艺术家不仅在艺术上成就斐然，更是将中国传统绘画的精髓发扬光大，并影响了后世无数的艺术家。书中对于他如何将传统与创新相结合的论述，给我留下了深刻的印象。他并没有被固有的模式所束缚，而是敢于突破，形成了自己独特的艺术语言，这是何等的可贵。

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我是一个喜欢深度思考的人，这本书恰好满足了我的这种需求。它并没有简单地告诉我“是什么”，而是引导我去思考“为什么”。为什么这位艺术家会选择这样的题材？为什么他会使用这样的色彩？这些问题的答案，都蕴含在他的创作之中，而这本书则帮助我拨开了迷雾，看到了更深层的意义。

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我喜欢这本书的语言风格，它既有学术的严谨，又不失文学的优美。读来并不觉得枯燥乏味，反而像是在与一位博学的朋友进行一场深入的对话。我尤其喜欢其中对于艺术家绘画技法的分析，那些关于笔墨的运用、色彩的搭配、构图的讲究，都让我大开眼界。这不仅仅是一本书，更像是一堂生动的艺术鉴赏课。

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