中国历代画论(上下)

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出版者:江苏美术出版社
作者:周积寅
出品人:
页数:988
译者:
出版时间:2007-6
价格:68.00元
装帧:平装
isbn号码:9787534423383
丛书系列:
图书标签:
  • 艺术史
  • 周积寅
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具体描述

《中国历代画论》(全套2册)遵照“占为今用”的方针,采取了以重理略法为内容的精选原则,节录了从先秦至清代画论著述以及有关文献、题画、民间画诀中最有代表性的名篇精段,按内容不同加以科学分类,综合成上下两编。上编为总论,有功能、创作、品评、形神、气韵、意境、风格流派、继承、避忌、修养十论;下编为分论。有章法、笔墨、设色、诗画、书画、题跋印章六论。每论之前作一概括介绍,各段文字后面加以必要的注释、意译或按语,并引用了当今画家理论家的见解,同时还附有名画插图和辅助读物目录。书前,有著名美术史论家刘汝醴、温肇桐先生作序。书后附录《学习研究中国画论工具书目》及《历代中国画论今人编辑、标点、注释及其研究目》。

《丹青意趣:中国古代绘画的审美与精神》 中国画,如同一幅幅流动的历史画卷,承载着中华民族独特的审美情趣与精神追求。它不仅仅是色彩与线条的组合,更是艺术家们寄托情思、表达哲思、观照自然的窗口。《丹青意趣》旨在深入探寻中国古代绘画的思想内核与艺术精髓,引领读者领略其博大精深的魅力。 本书并非单纯的画作堆砌,而是着力于梳理中国绘画发展脉络中不同时期、不同流派所涌现的独特艺术观念与创作理念。我们将穿越时光的隧道,从先秦的线条稚拙,到汉唐的雄浑气魄,从宋元的淡雅空灵,到明清的繁复写实,乃至近现代的变革与融合,一一剖析各个时代绘画艺术所秉持的审美原则、技法特征以及所反映的时代精神。 在审美层面,《丹青意趣》将重点探讨中国画“以形写神”的独特美学追求。我们将深入解析“神”的内涵,它不仅仅是指人物的形态,更包含了画中人物的情感、精神气质,乃至宇宙万物的内在生命力。“以形写神”的背后,是中国文人对生命、自然、宇宙的深刻理解与哲学思考。本书将通过对经典画作的细致解读,展示艺术家们如何运用皴法、点染、留白等技法,将无形之“神”化为有形之“意”,让观者在欣赏画面的同时,能够感受到其中蕴含的丰富情感与深邃哲理。 此外,本书还将关注中国画中“写意”精神的演变。从早期对自然景物的客观描摹,到文人画兴起后对主观情感的抒发,再到后世对笔墨趣味的极致追求,写意精神在中国画中扮演着至关重要的角色。我们将探讨不同时代画家对“写意”的理解与实践,以及这种精神如何在水墨的挥洒间得到淋漓尽致的体现。本书将引导读者理解,中国画的写意并非随意涂抹,而是建立在深厚功力与独特感悟之上的艺术创造。 《丹青意趣》亦会着重阐述中国画与中国哲学、文学、历史的紧密联系。中国画的创作往往与道家的“道法自然”、儒家的“仁者爱人”等思想息息相关。山水画的经营布局,往往蕴含着天人合一的宇宙观;花鸟画的寓意象征,则寄托着文人的品格与情操。本书将通过翔实的史料与精辟的分析,揭示中国画作为一种综合性的艺术形式,是如何吸收并融汇了中华民族的传统文化精髓,从而形成了其独特的艺术品格。 本书的另一个重要维度是审视中国画的材质与技法。宣纸的晕染效果,水墨的浓淡干湿,毛笔的刚柔并济,这些独具特色的物质媒介与表现手段,共同构成了中国画的语言系统。我们将从材料的特性出发,解析艺术家们如何驾驭这些材料,创造出千变万化的笔墨韵味,以及这些技法如何服务于“以形写神”与“写意”的艺术追求。 《丹青意趣》并非面向专业研究者而作,而是希望能够触及更广泛的艺术爱好者。我们将力求语言的生动与可读性,通过丰富的案例和深入浅出的讲解,让读者在轻松愉悦的阅读过程中,逐渐领悟中国画的奥妙。本书将引导读者从“看热闹”走向“看门道”,培养对中国画的鉴赏能力,并从中获得艺术的熏陶与精神的滋养。 总之,《丹青意趣:中国古代绘画的审美与精神》是一次对中国绘画艺术深层次的探索与解读。它不仅仅是对艺术史的回顾,更是对中华民族独特审美精神与哲学智慧的寻访。通过本书,我们期望能为读者打开一扇通往中国绘画艺术的殿堂之门,感受其永恒的魅力,并从中汲取对当下生活与艺术创作的启示。

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读后感

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用户评价

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从收藏价值和学术参考的角度来看,这套《中国历代画论(上下)》无疑是镇馆之宝级别的存在。它的权威性毋庸置疑,收录的文献之全面、校勘之严谨,放眼当前市场上的同类出版物中,都属于凤毛麟角。我身边几位从事艺术史研究的同仁,都对其赞不绝口,认为这是进行严肃研究时,案头必备的“终极参考书”。它不仅是历史文献的集大成者,更是一种知识产权的保护和传承。对于任何一个严肃的艺术院校、博物馆或者个人专业收藏家来说,这套书的价值远超其标价。我甚至会建议年轻一代的学者,在耗费大量时间去搜集零散资料之前,先将这套书吃透,它能为你节省下数不清的弯路,直接站上巨人的肩膀上去眺望更远的风景。

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说实话,起初我对这样一套工具性的学术巨著抱持着一种“敬而远之”的态度,担心内容过于晦涩难懂,充满艰涩的文言文和生僻的术语。然而,实际阅读下来,我的顾虑被完全打消了。编者在原文的整理与释义上做得非常到位,注释详尽而不啰嗦,既保证了原文的纯粹性,又为现代读者提供了必要的理解桥梁。比如,对于一些关键概念,比如“胸中丘壑”、“卧游”等,都有精准的现代汉语解读作为辅助,这极大地降低了入门的门槛。我发现自己不再需要频繁地查阅其他词典,就能沉浸于文本的海洋中。这种恰到好处的“翻译”和“引导”,使得即便是初次接触古代哲学和艺术理论的人,也能体会到其中蕴含的诗意和智慧,真正做到了“雅俗共赏”的学术典范。

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真正让我震撼的是这部著作所展现出的史学视野的广度和深度。它不仅仅是对零散画论的简单汇编,更像是一部浓缩的中国绘画思想演变史。从魏晋风度下的玄谈,到唐代对笔墨精神的初探,再到宋元时期文人画理论的成熟与争鸣,作者群似乎将历代文人墨客的心血结晶悉数纳入囊中,并且进行了精妙的编排梳理。我印象特别深刻的是其中关于“气韵生动”在不同历史阶段被解读的细微差别,这种对比分析极大地拓宽了我对传统美学范畴的理解。它不是生硬地罗列观点,而是通过时间轴和主题的交织,构建起一个完整的理论生态系统。阅读时,我仿佛能看到历代画家们在不同时代背景下,如何挣扎、如何突破,最终形成那些流传千古的艺术信条。这种梳理脉络的能力,对于想要系统性研究中国艺术史的人来说,是无可替代的基石。

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这套书对我个人创作理念的冲击是难以言喻的。我本身也略有涉猎绘画,过去总是在技术层面打转,追求笔触的细腻或是构图的完美。但读完关于“意在笔先”和“诗中有画,画中有诗”的章节后,我才真正领悟到中国画的精髓在于精神世界的投射,而非单纯的形似。特别是对董其昌“南北宗论”的深度剖析,让我开始反思自己作品中“程式化”的问题,意识到风格的形成必须建立在个人学养和胸襟之上。阅读这些理论,就像是进行了一次深层次的哲学对话,它迫使你跳出技巧的局限,去思考“为什么而画”以及“画的是什么”。这种精神层面的提升,比任何速成的技法指导都要宝贵得多,可以说是为我的艺术之路指明了更广阔的内在方向。

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这本《中国历代画论(上下)》的装帧和内容排版简直是艺术品级别的享受。厚实的纸张,细腻的印刷,拿在手里沉甸甸的,一股古朴典雅的气息扑面而来。我作为一个常年混迹于书店和图书馆的“老书虫”,对于图书的质感要求还是挺高的,这套书完全满足了我对一本重量级学术著作的所有期待。打开扉页,那些精美的引文和注释,无不体现出编者团队的用心良苦。特别是字体选择和章节布局,逻辑清晰,层次分明,即使是初次接触中国古代艺术理论的读者,也能很快找到阅读的节奏。这种对书籍本身美学的重视,让阅读的过程本身就变成了一种熏陶,而不是枯燥的知识灌输。我甚至会特意在安静的午后,泡上一杯清茶,细细摩挲这些书页的边缘,感受文字背后那份跨越时空的对话感。说实话,光是把它们放在书架上,就是一种视觉上的享受,那种厚重感和知识的密度,让人心生敬畏。

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读了上编 资料列举详实系统

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