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出版者:

作者:侯志江

出品人:

页数:52

译者:

出版时间:2007-6

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787807491590

丛书系列:

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• 美术高考
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问道山河：当代中国山水画的笔墨意蕴与时代精神 一卷丹青，映照古今山川之魂；一腔热血，激荡时代审美之潮。 本书深入探讨了当代中国山水画的发展脉络、核心美学特征及其所承载的文化使命与时代精神。我们试图穿透表象的笔墨技法，直抵当代画家具备的哲学思考与人文情怀，构建起一座连接传统山水精神与现代艺术语境的桥梁。 第一部分：溯源与重塑——当代山水画的文化基石 中国山水画，自魏晋肇始，历经唐宋的“巨碑式”写实与“宇宙观”构建，至元明清的“士人趣味”与文人精神的深化，已然形成了独立于西方再现体系的东方审美范式。然而，进入二十世纪，面对西方现代主义的冲击与“如何为中国画立言”的时代命题，当代山水画的根基开始发生深刻的重塑。 一、传统精魂的“微观化”继承： 不同于民国时期对宋元古法近乎僵硬的摹仿，当代山水画对传统的继承更侧重于“取神而非取形”。我们详细梳理了以下几个核心母题如何在当代语境中被重新激活： 1. “可游可居”的生存哲学转向： 传统山水强调的是士大夫“避世”后的精神栖居。当代画家更多地将目光投向被工业化、城市化侵蚀的自然景观，探讨人与自然在现代社会中的疏离感与重构关系。笔墨的运用不再仅仅是表达对古人丘壑的怀念，而是成为个体在喧嚣世界中寻求精神安宁的“场域”。例如，对传统“披麻皴”、“斧劈皴”的解构与重组，不再是单纯的技法演练，而是画家焦虑或狂喜情绪的视觉投射。 2. “笔墨本体论”的现代审视： 潘天寿、傅抱石等前辈已经为我们奠定了笔墨独立于描绘对象的基调。本书将聚焦于当代水墨如何应对“抽象主义”的挑战。在某些前沿实践中，笔墨的干湿浓淡被提升到纯粹的视觉元素，水墨的“流淌性”被夸张化，以表现物质世界的非确定性与运动状态。我们分析了如何通过对线条速度、墨色的晕化控制，来体现时间感和空间感，这是对传统“骨法用笔”的现代化诠释。 二、时代主题的视觉转译： 当代山水画不可避免地烙上了时代的印记。它不再是纯粹的“为山水而山水”，而是承载了宏大的社会叙事与个体体验。 1. “大好河山”的当代解读： 改革开放以来，国家建设与宏大叙事催生了一批气势磅礴、构图严谨的“时代山水”。这类作品在构图上吸收了苏派的全景式布局与学院派的造型准确性，追求视觉上的震撼力。但其核心区别在于，它表达的是对国家发展成就的自豪感和对未来前景的信心，其笔墨的张力是“向上”和“饱满”的。 2. “城市景观”的边缘渗透： 值得注意的是，一部分先锋画家开始将目光投向城市中的“非风景”地带，如高速公路的桥墩、工厂的烟囱、被拆迁的废墟。他们用山水的笔法去描绘这些现代的“山石”，探讨现代景观的异化与诗意。这种“反向山水”是当代中国画对自身边界进行拓展的重要体现。 第二部分：笔墨的“技术哲学”——当代山水画的语汇分析 山水画的魅力在于其复杂的“术语体系”。本书摈弃了简单的技法教程模式，转而分析这些技法背后蕴含的哲学意图。 一、皴法的“情绪化”处理： 皴法是区分山水风格的标志。当代画家对皴法的运用已达到炉火纯青且高度个人化的境界。 速度与力度： 传统皴法强调“中锋”与“迟涩”，以体现山石的古老与沉重。当代则大量运用侧锋、飞白，甚至结合刮擦、拓印等非传统手段，以短促、跳跃的笔触表现山体的瞬间动态或内心的躁动不安。 虚实相生的新维度： 传统讲究墨分五色。当代画家则通过对水渍、留白（“计白当黑”）的精确控制，创造出更具光影感和空气感的空间。这种“虚”不再仅仅是云雾缭绕，而更接近于一种视觉上的“失焦”或“闪回”。 二、用色的解放与回归： 水墨画传统以“墨分五色”为核心，色彩的运用是点睛之笔（如青绿山水）。当代山水画在色彩运用上展现出极大的自由度。 1. “色不碍墨”的现代演义： 许多画家开始大胆使用矿物颜料（石青、石绿、朱砂），并让色彩与墨色进行强烈的对比甚至冲突。例如，在深沉的墨色背景上，以大面积、高饱和度的青色渲染，制造出一种超现实的、梦境般的视觉效果。这不仅是对青绿山水传统的致敬，更是对传统“雅致”色彩观的颠覆，注入了强烈的表现主义色彩。 2. 对“光”的捕捉： 西方绘画擅长表现光线。当代山水画通过色彩的冷暖对比和明度差异，尝试在平面上构建起一个有明确光源的空间感，这使得作品的立体感和现场感大大增强，打破了传统山水画“散点透视”的平面化倾向。 第三部分：山水画家的“在场”——个体与时代的对话 山水画的精髓在于“画家在山水中的位置”。当代山水画的价值判断，很大程度上取决于画家对自身主体性的认知。 一、个体“游心”的私密性表达： 在市场化和全球化的语境下，艺术家的个体情感变得前所未有的重要。 微观世界的“禅定”： 部分画家回归到对身边一草一木、一石一水的细致观察，通过极其精微的笔触，将自然界的微小细节放大到史诗般的规模。这是一种精神上的“内观”，以小见大，在微小的结构中寻求永恒的秩序。 水墨日记： 许多当代作品具有强烈的即时性和情绪性，仿佛是画家在特定时间、特定心境下的一次“水墨记录”。这种模糊了创作与记录界限的方式，拉近了观者与画家内心的距离。 二、走向世界的话语权构建： 当代山水画不再是封闭的文化自娱，而是积极参与国际艺术对话的重要载体。 1. 形式的“普适性”探索： 一些杰出画家在保持东方笔墨精神的同时，力求让作品的形式语言具有超越文化障碍的普适性。这要求他们在构图、留白、笔触的韵律上，找到一种既能被中国文化理解，又能在西方抽象艺术语境中被接受的平衡点。 2. “东方性”的精准表达： 如何在不落入刻板印象的前提下，清晰地传达“东方性”？本书认为，当代山水画是通过对“气韵生动”这一核心概念的现代诠释来实现的——它不再是简单的自然再现，而是对宇宙生命力的哲学层面的把握。这种把握，是西方艺术理论体系难以完全替代的。 结语：未完成的“在路上” 当代中国山水画正处于一个充满活力和矛盾的转型期。它既是古老传统精神的守护者，又是对现代困境进行反思的先锋。本书试图提供一个多维度的解读框架，引导读者不仅去欣赏一幅山水画的“美”，更去理解其笔墨背后所蕴含的深邃思考、不懈探索以及对“何为中国精神”的永恒追问。山川依旧，而笔墨的语言，正随着时代的心跳，不断推陈出新。这是一场永不落幕的问道之旅。

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我是一名高中生，平常的艺术课只是走个形式，自己对绘画也一窍不通。偶然的机会，我从同学那里借来了《成功美术高考教室》，本以为会看不懂，结果却让我大吃一惊。这本书的语言非常幽默风趣，而且有很多小故事和插画，读起来一点都不枯燥。书里讲解一些很基础的技巧，比如如何握笔、如何画出流畅的线条，这些我之前觉得理所当然的东西，在这本书里却被讲得那么有意思。作者就像一个很耐心的朋友，一步一步地带着我往前走。尤其是关于“创意”的部分，书中提供了一些很有趣的练习方法，让我觉得绘画不仅仅是模仿，还可以有很多天马行空的想象。我从来没有想到过，原来画画还可以这么好玩！这本书让我第一次对艺术产生了浓厚的兴趣，甚至萌生了将来学习美术的念头。它就像一扇神奇的大门，把我带入了五彩斑斓的艺术世界，让我看到了一个全新的自己。

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第一次接触到《成功美术高考教室》这本书，是因为我身边的朋友强烈推荐，他本人就是通过这本书备考，最终成功考上了心仪的美术院校。我一直对艺术充满向往，但又觉得高考美术这条路充满了未知和挑战，所以一直犹豫不决。这次看到朋友如此自信地推荐，我便抱着试试看的心态入手了。拿到书后，我迫不及待地翻阅起来，首先映入眼帘的是清晰的书本排版和精美的插图。我被书中对各种绘画技巧的讲解深深吸引，特别是素描部分的剖析，从基础的线条运用到光影的塑造，再到形体的把握，都写得格外细致入微。作者并没有使用过于深奥的理论，而是用通俗易懂的语言，配合大量实例，将复杂的绘画概念化繁为简。我尤其喜欢其中关于“观察力”培养的部分，作者强调要用心去感受对象，而不是机械地去描绘，这一点对我触动很大。之前我总觉得自己画不好，可能是因为我只看到了事物的表面，而没有真正理解它的内在结构和情感。这本书就像一位循循善诱的老师，引导我去发现隐藏在物体背后的美，去捕捉生活中那些稍纵即逝的灵感。即使我只是一个美术初学者，也能从这本书中找到方向，感受到绘画的乐趣。

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我是一名即将毕业的美术系大学生，之前一直对色彩理论的学习感到头疼，觉得各种色彩搭配组合公式和理论太过抽象，难以实际运用。然而，《成功美术高考教室》这本书在色彩部分的讲解，彻底改变了我的看法。作者用非常直观的方式，从色彩的冷暖、明暗、饱和度出发，通过大量的实践案例，将抽象的色彩理论变得生动形象。书中关于“色调”的分析尤其精彩，作者不仅仅是列举了各种成功的色调搭配，更深入剖析了为什么这样的色调能够产生特定的情感共鸣，比如如何通过暖色调营造温馨、热情的氛围，或者如何利用冷色调表现宁静、忧郁的情绪。我最惊喜的是，书中还提供了许多“色彩禁忌”的分析，这对于我们这些容易陷入色彩误区的学生来说，简直是及时雨。通过这本书，我学会了如何根据画面内容和想要表达的情感，来选择合适的色彩方案，而不是凭感觉去乱搭一气。现在，我在创作时，对色彩的运用更加自信，也更加游刃有余了。

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作为一名长期关注美术高考领域的教育者，我接触过市面上大量的相关书籍。《成功美术高考教室》这本书，以其独特的切入点和深刻的洞察力，给我留下了深刻的印象。它并非简单地罗列考试要点，而是从学生“为何而学”和“如何学”的根本问题出发，构建了一套完整的学习理念。书中对于“学习心态”和“应试心理调适”的论述，我认为是许多同类书籍所欠缺的。作者深刻地理解了考生在备考过程中可能遇到的各种心理障碍，并提供了切实可行的解决方案。例如，书中关于“如何建立自信”、“如何面对失利”的章节，对于指导学生克服焦虑、保持积极性非常有价值。此外，书中对“考试策略”的分析也相当独到，它不仅仅教学生如何答题，更重要的是如何“审题”，如何快速捕捉考题的核心意图，并将其转化为有针对性的绘画表现。这种从宏观到微观，从心理到技巧的全方位指导，使得这本书不仅仅是一本应试指南，更是一部真正意义上的“成功之路”的启示录，对于美术考生以及指导他们的老师来说，都具有极高的参考价值。

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一直以来，我对中国传统绘画有着浓厚的兴趣，但苦于没有系统性的指导，常常在临摹中感到迷茫。当我偶然翻到《成功美术高考教室》这本书时，就被其独特的视角所吸引。它并没有仅仅局限于应试技巧的传授，而是巧妙地将中国传统绘画的精髓融入到高考备考之中。书中关于写意画的讲解，让我看到了传统水墨的独特魅力，以及如何在高考的框架下，依然能够保留中国画的文化底蕴。作者在讲解构图时，引用了大量中国山水画的经典案例，分析了“虚实相生”、“计白当黑”等传统美学原则在现代绘画中的应用。这对我来说，简直是打开了新世界的大门。我一直认为高考美术训练会磨灭掉一些个性的表达，但这本书让我看到了另一种可能性。它鼓励我们在掌握基本功的同时，也要注重个人风格的形成，甚至在色彩搭配上，也融入了中国传统的五行色彩理论，这使得我的画面不仅仅是技巧的堆砌，更充满了东方文化的韵味。阅读这本书，我仿佛置身于一个古老而充满智慧的画室，与历代大师对话，感受着中国艺术的博大精深。

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