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作者:北京银冠电子出版有限公司

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出版时间:2006-11

价格:10.00元

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isbn号码:9787900111579

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《翰墨丹青：中国古代书画艺术流变》 导言：华夏文明的笔墨传奇 中国艺术史如同一条奔腾不息的长河，其中，书画艺术无疑是最为璀璨的两颗明珠。它们不仅是视觉的享受，更是哲学思想、人文精神与社会变迁的深刻载体。本书《翰墨丹青：中国古代书画艺术流变》旨在带领读者穿越时空，系统梳理自史前萌芽至清代中晚期，中国书画艺术在审美取向、技法革新和社会功能上的演进脉络，深入剖析各个历史阶段的代表风格与核心精神。 本书将避免碎片化的介绍，而是以宏大的历史观为经，以关键的艺术理论为纬，构建一个完整而立体的中国古代书画发展图景。我们聚焦于艺术本体的演变，探讨“形、神、意、韵”在中国艺术语境下的具体体现与时代差异。 --- 第一部分：书画之源——先秦至魏晋的奠基与精神觉醒 第一章：远古的印记与青铜的铭文 本章追溯书画艺术的起源。从新石器时代的陶器纹饰中探寻早期图画的萌芽，解析岩画所蕴含的原始生命力。重点讨论商周青铜器上的铭文——“金文”，探究其作为早期书法形态的庄重与规范，以及其在国家礼仪制度中的核心地位。 第二章：春秋战国的百家争鸣与书体定型 春秋战国时期，诸子百家的思想碰撞极大地丰富了人们的精神世界。本章分析这一时期文字书写向“大篆”及“小篆”过渡的必然性。同时，早期绘画的独立性开始显现，如帛画的出现，揭示了这一阶段艺术对“秩序”与“道德”的初步追求。 第三章：秦汉的统一与隶楷的创立 秦始皇统一六国，文字的标准化是重大的历史事件。我们详细考察秦代小篆的规范化过程，以及在日常实用中诞生的隶书——中国书法史上具有划时代意义的变革。隶书的“蚕头燕尾”不仅是技法上的突破，更是从古朴向成熟过渡的标志。绘画方面，汉代画像砖和壁画以其朴拙而强烈的叙事性，成为研究汉代社会风貌和神话信仰的宝贵资料。 第四章：魏晋风度与书画的自觉 魏晋南北朝是士人精神觉醒的时代，也是艺术理论体系建立的关键时期。本章核心在于探讨“魏晋风度”如何影响艺术创作。书法领域，从钟繇到“二王”（王羲之、王献之），确立了行书与楷书的典范，强调“自然天成”与“风韵之美”。绘画领域，顾恺之提出“传神写照”的理论核心，将主观精神的表达提升到前所未有的高度，标志着中国画“写意”精神的滥觞。 --- 第二部分：盛世气象——隋唐五代的规范与宏大 第五章：隋唐的融合与书法的法度 隋朝结束分裂，为唐代的辉煌奠定了基础。唐代是楷书臻于完善的黄金时代。本章细致分析欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷等大家如何将楷书推向结构严谨、法度森严的巅峰，形成各具面目的“唐楷”体系。同时，探讨书法与科举制度、宫廷审美之间的复杂关系。 第六章：盛唐气象：李思训与吴道子 盛唐的绘画展现出宏大、自信、博大的气魄。本章重点剖析“金碧山水”的代表李思训一脉，及其所代表的精细、富丽的宫廷审美。随后，深入探讨“画圣”吴道子的变革——他所开创的“吴带当风”的衣袂飘举风格，标志着对线条表现力的极致追求，以及道家思想在艺术中的体现。 第七章：中晚唐的转型与多元发展 安史之乱后，艺术重心开始下移，文人精神逐渐抬头。本章考察晚唐的张萱、周昉所描绘的仕女画的精致与世俗化倾向，以及对生活细节的关注。在书法上，颜真卿以雄浑朴茂的颜体，融合隶意，开创了与“二王”并峙的新高峰，强调“骨力”与“气势”。 --- 第三部分：文人崛起——宋元的革新与审美转向 第八章：宋代的理性与院体绘画的成熟 宋代，重文抑武的国策使得士大夫阶层对艺术的参与度空前提高。本章首先分析北宋“院体”绘画的巅峰成就：范宽的雄伟、郭熙的“可游、可居、可观”的山水理论，以及徽宗朝“院画”在写实和意趣上的精致追求。书法方面，苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄（宋四家）挑战唐代法度，提出“尚意”的审美主张，强调个人学养与性情的抒发，标志着文人书风的确立。 第九章：南宋的意境深远与“一角半边” 偏安江南后，艺术更趋向内敛与哲思。本章详述马远、夏圭所代表的“南宋四家”的“边角之景”，探讨如何在有限的画面中营造无限的意境，体现了宋代理学对简约、含蓄之美的推崇。 第十章：元代的书画合流与“复古”思潮 元代，汉族士人退出主流政治，艺术成为他们安放情怀的最后场所。赵孟頫提倡“书画同源”，强调线条的“骨力”与“笔意”，推崇晋唐法度，开启了后世对传统源头的系统性回归。黄公望、倪瓒等“元四家”将山水画推向纯粹的文人画境界，注重笔墨的自我表现和对自然的隐逸之思。 --- 第四部分：意境的深化与传统的定型——明清 第十一章：明代的流派纷呈与技法的回归 明代早期，以“浙派”为代表的院体延续了宋代的严谨，但很快，以“吴门画派”为核心的文人画占据了主导地位。沈周、文徵明等人的作品，在继承元代笔墨精髓的基础上，融入了更细腻的江南文人情趣。本章还将考察董其昌如何通过“南北宗论”对前代进行系统梳理和理论建构，对后世影响深远。 第十二章：清代早期：技法的集大成者与碑学兴起 清初的“四王”继承和总结了明代文人画的笔墨语言，力求集前人之大成，形成一套成熟的、可程式化的审美规范。与此同时，书法领域出现了重要的转向——“碑学”的兴起，对汉隶、魏碑的粗犷朴拙之美进行重新发掘，挑战了帖学（以二王为代表的晋唐一脉）的统治地位，为晚清的艺术探索埋下伏笔。 第十三章：清中晚期：个性张扬与变革的酝酿 进入清代中晚期，社会矛盾加剧，艺术也呈现出强烈的个性化倾向。以“扬州八怪”为代表的艺术家，如郑板桥、金农等，以怪诞不经的笔墨和强烈的讽世情感，对僵化的程式化审美进行了有力的冲击。他们的作品，往往将书法、绘画、诗歌高度融合，充满了民间趣味和批判精神，预示着传统书画艺术在近代转型前的最后一次伟大爆发。 --- 结语：永恒的回响 本书最后对中国古代书画艺术的几大核心特质进行总结：如其强大的“线”的本体性、对“写意”与“传神”的执着追求、以及书画在精神层面作为“士人哲学”载体的独特功能。通过对这些历史阶段的梳理，我们能更深刻地理解，中国艺术并非孤立存在，而是与民族精神、哲学思想、社会结构紧密交织的文化有机体。这些流淌在宣纸上的墨痕与色彩，至今仍在与当代人进行着精神的对话。

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我得说，这本书在装帧和内容组织上，体现了一种对传统的尊重和现代审美的结合。我收藏了不少书法图集，但很多要么是内容过于学术化，晦涩难懂，要么就是纯粹的“大头贴”式图片堆砌。这本书的精妙之处在于，它在介绍王羲之、王献之这些“书圣”时，并没有陷入神话的窠臼，而是结合了当时的社会对“雅”的标准，去剖析他们的笔法如何奠定了后世数百年难以逾越的基准。更让我惊喜的是，它还涉及了一些相对冷门但极具个性的书家，比如元代的赵孟頫，书中对他的“复古”主张及其书法如何融汇晋韵和唐法，进行了相当有深度的对比分析。每一次翻阅，都能发现新的侧重点，比如对“用墨”的探讨，它细致到了墨汁浓淡如何影响线条的“枯湿浓淡”，这对于追求更高层次的刻帖者来说，简直是醍醐灌顶。这本书的排版呼吸感很强，留白得当，让每一幅作品都能“站立”起来，而不是被其他文字或图片挤压。

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说实话，这本书的印刷质量和纸张的选择，真的配得上它所承载的内容。打开扉页的那一刻，就能感受到一种厚重感。我个人对书法史的兴趣偏向于“书写材料”的研究，这本书在这方面也给了我不少惊喜。它对历代纸张、笔毫特性的描述，以及不同媒介对书家风格的影响，都有涉及。比如，它对比了在竹简、麻纸和宣纸上书写时，书家在速度和笔力上的自然调整，这让那些抽象的“笔法”讨论变得具体可感。我发现，即便是同一位书家，在用笔写“小楷”和写“大草”时，他对毛笔的控制力要求是截然不同的。这本书的好处是，它通过大量的细节对比，构建了一个立体的书法认知体系，让你明白，书法艺术是技术、审美和时代精神三者高度统一的产物，而不是孤立的线条游戏。每次合上书本，总有一种被知识充盈的满足感。

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作为一名书法初学者，我最初被市面上那些花里胡哨的“速成秘籍”搞得晕头转向，总觉得书法是玄学，难以入门。直到我接触到这本书，才明白，任何大师都不是一步登天的。这本书的叙事方式非常平实，它从汉魏的隶书入手，清晰地梳理出楷书体系建立的脉络。它没有用那些高深莫测的术语来吓唬人，而是用非常直白的语言来解释“中锋”“侧锋”这些基本概念，并配有清晰的局部放大图，告诉你这个“点”应该怎么落笔，那个“捺”应该如何蓄力。这种由浅入深的结构，极大地增强了我的学习信心。我感觉自己不再是茫然地对着范本瞎描，而是有了一个清晰的“路线图”。特别是书中对魏碑那种方峻、古拙之美的剖析，让我领悟到，所谓的“古朴”不是随便写得难看，而是蕴含着极强的力量感和结构美，这对我后面转习颜体打下了坚实的基础。

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这套书简直是书法爱好者的福音，尤其是对我们这些想深入了解中国书法源流的人来说。我最近一直在琢磨楷书的演变，特别是唐代颜真卿和柳公权的风格差异，这本书里对不同时期、不同流派的书法家的特点分析得极其到位。比如，它没有简单地罗列作品，而是深入探讨了他们在时代背景下的心境如何融入笔端，那种“形神兼备”的境界是如何达成的。读完后，我再看《多宝塔碑》和《九成宫醴泉铭》，感觉完全不一样了，不再是死记硬模仿，而是能体会到其中的筋骨和气韵。书里收录的拓片清晰度令人赞叹，即便是那些流传下来的墨迹残本，也能看出细微的笔锋变化，这对于临摹者来说，是太宝贵的资料了。我特别欣赏它对宋代尚意书风的阐释，苏轼那种“我书意造给世不传”的洒脱劲儿，通过文字和版式设计都得到了很好的体现，让人手痒，恨不得立刻拿起笔来试着捕捉那种“不着痕迹”的意境。

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这本书的价值，绝不仅仅停留在“欣赏”层面，它更像是一部实用的书法“研究工具书”。我尤其欣赏它在比较不同朝代书风时所采取的横向对比手法。比如，当讲到明清之际的碑学兴起时，它并没有孤立地看待碑帖之争，而是将其置于当时文人思想解放的大背景下去考量，解释了为何会有“尚碑”的思潮出现，这为理解书法史的动态发展提供了极佳的视角。书中对于历代印章和题跋的收录和辨析，也做得非常细致，这对于鉴定和了解作品的流传过程至关重要。我记得有一篇关于明代董其昌书学思想的论述，深入探讨了他如何调和晋唐，试图在自己的时代找到一种新的平衡点，这远比一般画册里的简单介绍要深刻得多，体现了作者深厚的文献功底和敏锐的洞察力。

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