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出版者:清华大学出版社

作者:张予等

出品人:

页数:442

译者:

出版时间:2007-9

价格:79.80元

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isbn号码:9787302152491

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创意无限：平面设计原理与实践 探索视觉传达的奥秘，掌握从概念到成品的转化之道。 本书旨在为所有对平面设计充满热情，希望系统学习设计思维与实践技能的读者提供一份详尽的路线图。我们不涉及任何特定的插画软件工具操作，而是将焦点完全集中在那些构筑优秀设计的基石之上——设计原理、视觉心理学、排版艺术以及色彩理论。 第一部分：设计的基石——视觉思维的建立 第一章：什么是优秀的设计？——从功能到美学的跨越 优秀的设计绝非仅仅是“好看”，它首先要解决问题。本章将深入剖析设计的核心目标：有效沟通。我们将探讨设计的三个基本层面：功能性（它是否能完成任务）、可行性（它是否能在现有条件下实现）和美学性（它是否能引起共鸣）。 设计思维的五大步骤： 我们将以人类中心的设计（HCD）理念为指导，拆解从同理心（Empathy）出发，到定义问题（Define）、构思（Ideate）、制作原型（Prototype）到测试（Test）的完整流程。这套方法论适用于任何需要创意的项目，无论你是在设计一个品牌标识，还是构建一个信息图表。 符号学在设计中的应用： 学习如何利用图标、图像和文字来构建意义。讲解符号的三种基本类型——指示、图标和象征，以及如何根据目标受众的文化背景来选择最恰当的符号语言，避免信息误读。 第二章：格式塔心理学与视觉感知 人类的大脑天生倾向于寻找秩序和模式。本章将聚焦格式塔（Gestalt）心理学原理，这是理解视觉如何被组织和理解的关键。 主体与背景（Figure-Ground）： 如何通过清晰的对比度、锐度或模糊处理来引导观众的焦点。探讨如何利用负空间（Negative Space）来创造双重含义或增强设计力量。 组织原则的精妙运用： 详细解析邻近性（Proximity）、相似性（Similarity）、连续性（Continuity）、闭合性（Closure）和共同命运（Common Fate）这五大核心原则。通过大量案例分析，展示设计师如何巧妙地运用这些原则来组织信息层次，使用户无需思考便能理解信息结构。 视觉层级（Visual Hierarchy）： 学习如何通过大小、颜色、对比度和位置的差异，在二维平面上创建出清晰的三维阅读路径。明确什么信息必须最先被看到，什么信息可以作为次要信息存在。 第二部分：语言的构建——排版与文字的力量 第三章：排版的骨架——网格系统与结构 一个稳定且灵活的结构是复杂信息清晰呈现的保障。本章将彻底摆脱“随意摆放”的习惯，建立严谨的网格思维。 网格系统的类型与选择： 从最基础的单栏、双栏网格到复杂的模块化网格，讲解不同类型网格的适用场景（例如，新闻出版、网页布局、海报设计）。 页面的黄金分割与比例： 探讨数学比例（如黄金比例$Phi$）在确定版面元素尺寸、行高和边距中的作用。理解比例如何影响页面的视觉平衡与和谐感。 网格的“打破”与“灵活应用”： 强调网格是工具而非枷锁。在掌握了规则之后，学习如何在特定的创意需求下，策略性地打破网格，以达到动态、引人注目的效果，同时又不牺牲可读性。 第四章：文字的情感——字体选择、搭配与细节 字体是平面设计中最直接的沟通媒介。本章聚焦于如何选择和处理文字，使其承载预期的语气和情感。 字体家族的深度解析： 区别衬线体（Serif）、无衬线体（Sans-serif）、手写体（Script）和显示体（Display）的内在气质与历史渊源。探讨不同历史背景的字体如何影响现代设计的语境。 可读性与易读性的技术指标： 详细讲解字距（Kerning）、字偶距（Tracking）和行距（Leading）的精确调整。如何根据文本长度、使用环境（屏幕或印刷）和目标受众的年龄段来优化阅读体验。 字体组合的艺术： 学习如何进行“字体对撞”（Font Pairing）。提供实用的规则，例如“主次分明”、“主题互补”等原则，避免出现过多字体互相竞争的混乱局面。 第三部分：感官的调和——色彩与图像处理的原理 第五章：色彩的科学与魔力——理论与心理学 色彩是激发情感和传递信息的强大工具。本章超越简单的色彩轮，深入探讨色彩的物理本质与人类的心理反应。 色彩模型深度剖析： 详细对比RGB（屏幕显示）、CMYK（印刷输出）和Lab（色彩空间）的工作原理和局限性。理解色域（Gamut）的概念，确保设计在不同介质上的色彩一致性。 色轮的进阶应用： 不仅限于互补色、邻近色，更进一步探讨三色组、四色组等复杂色彩方案的构建。讲解如何使用“克制的色彩”（Restrained Palette）来提升专业度和设计品质。 色彩心理学在商业中的应用： 分析不同文化背景下对特定颜色的普遍认知（例如，红色在西方和东方代表的含义差异）。如何利用色彩来建立品牌调性，增强用户在界面或宣传材料中的信任感或紧迫感。 第六章：图像的质量控制——空间、分辨率与印刷准备 本章侧重于对所有非文字元素的处理，特别是确保数字资产能够高质量地转化为实体或在屏幕上完美呈现。 分辨率的真相： 彻底澄清DPI（每英寸点数）与PPI（每英寸像素）的概念。明确针对不同输出媒介（印刷品、网页、App图标）所需的正确像素密度标准。 位图与矢量图的本质区别： 讲解像素（Raster）和路径（Vector）数据结构如何决定图像的可缩放性。指导读者在概念阶段就确定最合适的图像类型，从而避免后期因格式不匹配导致的质量损失。 图像的层次与构图（不涉及特定编辑软件）： 探讨如何通过景深、焦点、光影和透视原理来增强图像的叙事性。分析如何使用裁切（Cropping）来强化视觉冲击力，引导观众的目光流向。 第四部分：整合与应用——设计在多维度的实现 第七章：信息设计与数据可视化 将复杂、抽象的信息转化为清晰、易懂的视觉叙事。 清晰的信息结构化： 讲解信息架构（Information Architecture）的基础。如何将大量数据拆解成可消化的模块，并设计出平滑的导航路径。 图表的选择艺术： 针对不同类型的数据关系（比较、构成、趋势、分布），推荐最合适的图表类型（柱状图、折线图、散点图、树状图等）。强调避免使用误导性的三维图表。 简化与提炼： 学习如何去除图表中不必要的“图表垃圾”（Chart Junk），只保留驱动信息的核心元素，从而提升图表的可读性和说服力。 第八章：概念转化与项目收尾 设计是一个不断迭代的过程。本章关注如何将头脑中的灵感转化为可交付的最终成果。 反馈的获取与解读： 如何构建有效的反馈循环。区分建设性意见和个人偏好，并学习如何将模糊的反馈转化为具体的设计修改指令。 设计资产的准备与交付规范： 概述在将设计交给最终执行方（印刷厂、程序员）之前，必须完成的标准化检查清单，包括色彩空间确认、出血设置、字体转曲（Outline）等通用行业要求。 设计文件的组织与归档： 建立清晰的命名规则和文件结构，确保未来版本迭代或团队协作的顺畅性。 本书提供的是一套独立于任何特定软件的、普适性的设计智慧和方法论。它将教会你“为什么”要这么做，让你在面对任何新的设计挑战时，都能凭借坚实的原理基础，自信地构建出既美观又高效的视觉解决方案。

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作为一个对插画一直充满好奇，却又常常望而却步的业余爱好者，我最近入手了一本名为《色彩魔法师：从零开始的数码调色指南》的书，本来是抱着随便翻翻的心态，没想到却被它深深吸引。这本书的内容，简直是为我这种“色彩小白”量身定制的。它没有一开始就灌输那些晦涩难懂的理论，而是从最基础的色彩构成讲起，比如三原色、二次色、三次色，还有色相、明度、饱和度的概念，用非常生动的例子解释了这些抽象的概念。书中大量的图示和案例，让我在理解色轮关系时不再感到迷茫。最让我惊喜的是，它还详细讲解了不同色彩搭配在情绪表达上的作用，比如暖色调带来的热情与活力，冷色调带来的宁静与深邃，以及互补色、邻近色等不同搭配产生的视觉效果。我尤其喜欢其中关于“色彩情绪板”的章节，作者教我们如何根据想要传达的情感，去收集、组合不同的色彩元素，这对于我在自己的创作中把握整体氛围非常有帮助。以前我画画，总是凭感觉乱调色，结果出来的作品总是不伦不类，现在有了这本书的指导，我感觉自己仿佛打开了新世界的大门，开始真正懂得如何运用色彩来“说话”，让我的画作更加有生命力和感染力。这本书的语言也非常平实易懂，没有任何专业术语的压迫感，读起来就像和一位经验丰富的老师在轻松交流。

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我一直对插画的创作过程感到好奇，尤其想了解那些能够打动人心的作品是如何诞生的。最近我偶然接触到了一本名为《灵感的炼金术：故事插画的情感注入与意境营造》的书，它为我揭示了插画创作背后更深层次的秘密。这本书的内容，并不侧重于具体的绘画技巧，而是深入探讨了如何将情感和意境注入到插画作品之中。作者以其丰富的经验，分享了如何从生活中汲取灵感，如何将抽象的情感转化为具象的画面元素，以及如何通过画面的构图、色彩、光影等来营造出独特的故事氛围。书中有很多对经典插画作品的深度剖析，从情感的表达、故事的讲述、再到意境的营造，都进行了细致入微的解读。我尤其欣赏书中关于“情感色彩学”的章节，它不仅仅是告诉你红色代表热情，蓝色代表忧郁，而是更深入地探讨了色彩在不同情境下所能引发的复杂情感联想。此外，书中还提供了许多实用的创作方法，比如如何通过“象征主义”和“隐喻”来丰富画面的内涵，如何通过“留白”和“节奏感”来引导观众的情绪。这本书让我明白，优秀的插画不仅仅是技巧的展示，更是一种情感的传递和意境的共鸣，它能够触动观者内心最柔软的部分，引发共鸣和思考。

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我近期对数字艺术产生了浓厚的兴趣，尤其是那些充满想象力和细节的数字绘画作品。偶然间，我翻到了一本名为《像素叙事：数字绘画的故事构思与场景设计》的书，它恰好触及了我一直以来在创作中遇到的瓶颈——如何将脑海中零散的灵感转化为引人入胜的视觉故事。这本书并非直接教授绘画技巧，而是着重于“讲故事”本身。作者以极其深刻的洞察力，剖析了故事的核心要素：角色设定、情节发展、冲突构建以及主题升华。书中运用了大量的优秀数字绘画作品作为案例，详细拆解了它们是如何通过画面来传达信息、引发情感共鸣的。我印象最深的是关于“场景叙事”的部分，作者讲解了如何通过环境的细节，比如光影的运用、道具的摆放、甚至背景的色彩，来暗示角色的状态、揭示故事的背景，甚至是预示未来的发展。书中还提供了一些非常实用的构思流程和方法论，比如“故事板绘制”、“情绪板设计”以及“视觉隐喻”的应用，这些都极大地拓展了我的思维方式。读完这本书，我感觉自己不再只是一个画匠，而是一个能够用画面“说故事”的艺术家。它教会我如何从一个更宏观、更具深度的角度去思考我的数字绘画作品，如何让我的每一笔线条、每一个色彩都服务于故事的表达，而不是孤立存在的技巧展示。

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作为一个热爱观察生活细节的人，我最近对“手绘日志”这种形式产生了浓厚的兴趣。我在浏览书店时，偶然发现了一本名为《光影的低语：素描速写中的捕捉与表达》的书，它彻底点燃了我对素描速写的热情。这本书的内容，可以说完全专注于如何用最直接、最纯粹的笔触去记录瞬间的观察和感受。它没有涉及那些复杂的色彩理论或者数字绘画的工具，而是回归到最根本的“线条”和“明暗”上。书中对“观察方式”的讲解非常到位，作者教我如何去“看”——不仅仅是看到物体的外形，更是去捕捉它的光影变化、材质纹理以及它所处的空间关系。我特别喜欢关于“速写”的章节，作者强调了“快速捕捉”的重要性，以及如何在有限的时间内抓住事物的本质特征。书中提供了大量的写生示范，从简单的物体到复杂的场景，每一个都充满了灵动和生命力。我印象深刻的是关于“线条的表情”的探讨，不同粗细、不同方向的线条，能够传达出不同的情感和质感，这让我开始重新审视我手中的画笔。这本书让我明白，素描速写不仅仅是绘画的基础，更是一种与世界对话的方式，它能够培养敏锐的观察力，记录下生活中那些转瞬即逝的美好，并且用最真诚的笔触将其留存下来。

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最近我正在学习一些关于平面设计的原理，一直对构图和视觉引导方面感到有些困惑。偶然间，我读到了一本名为《排版之魂：版式设计中的视觉引导艺术》的书，这本书的内容让我眼前一亮。它深入浅出地讲解了排版设计中至关重要的视觉引导原则，这对于任何从事视觉传达工作的人来说都至关重要。书中详细阐述了如何利用元素的“位置”、“大小”、“颜色”、“对比度”以及“留白”等基本要素，来巧妙地引导观众的视线，让他们能够自然而然地接收到信息，并且按照设计师的意图去理解内容。我尤其喜欢书中关于“视觉流”的分析，作者通过大量的实例，展示了不同的排版方式如何影响观众的阅读路径，以及如何通过精心设计的“焦点”、“次要焦点”来突出重点信息。书中还对“网格系统”的运用进行了深入的讲解，这对于建立统一、和谐的版式设计至关重要，并且能够大大提高设计效率。更让我惊喜的是，书中还探讨了不同文化背景下人们对视觉元素的感知差异，以及如何在设计中考虑这些因素，以实现更广泛的传播效果。这本书不仅仅是关于版式设计的技巧，更是关于如何与观众进行有效沟通的艺术，它让我对“信息如何被看到、被理解”有了全新的认识。

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