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出版者:Weidenfeld & Nicholson

作者:Karl Lagerfeld

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:1988-5

价格:USD 19.98

装帧:Hardcover

isbn号码:9781555840198

丛书系列:

图书标签:

• 时尚
• 设计
• 草图
• 卡尔·拉格斐
• 艺术
• 绘画
• 灵感
• 潮流
• 手绘
• 个人作品

《格调的演变：香奈儿与迪奥的时代回响》 第一章：战后巴黎的重生与时尚的重建 二战的硝烟散去，巴黎这座光之城在废墟之上艰难地重建着它昔日的辉煌。时尚，作为法国文化与精神的象征，承担起了引领社会重塑信心的重任。在这个关键的历史节点，两个名字——香奈儿（Chanel）和迪奥（Dior）——以截然不同的哲学，塑造了战后时装的宏伟蓝图。 香奈儿女士，这位在战争时期选择退隐的传奇人物，在1954年以一场标志性的回归震惊了世界。她的回归不是对过去的简单重复，而是一场对战后女性精神的深刻洞察。在充斥着迪奥“新风貌”（New Look）的沙漏形轮廓下，香奈儿带来了实用主义、舒适感与永恒的优雅。她坚信女性应当享有行动的自由，而非被繁复的束缚所困。 本章将深入剖析香奈儿的“五大手稿”：斜纹软呢套装（Tweed Suit）的结构革命。这种面料，最初源于苏格兰男装，被香奈儿以创新的方式重新剪裁，去除了束缚性的内衬和垫肩，使其拥有了宛如针织品般的柔韧性。我们考察其经典的四袋设计，以及如何通过链条滚边和珍珠点缀，将粗粝的实用性提升为一种无可指摘的奢华。香奈儿套装的成功，在于它赋予了步入职场的女性一种自信而得体的铠甲，是现代职业女性形象的基石。 与此同时，克里斯汀·迪奥（Christian Dior）在1947年推出的“新风貌”不仅仅是一场时装发布会，它是一次文化宣言。经历了战时配给和男性化剪裁的压抑后，迪奥用极度奢华的面料用量、紧束的束腰和饱满的圆形裙摆，宣告了女性气质的回归。这种对丰腴和浪漫主义的推崇，是对战后物质匮乏的一种直接反抗，是对传统女性角色的一种温柔拥抱。 本书将详细对比分析“新风貌”的核心技术：对女性躯干的重新塑形。从“Bar”套装那结构复杂的胸衣到支撑起蓬松裙摆的衬裙，迪奥的构造美学体现了那个时代对“完美女性形态”的集体渴望。我们将研究迪奥如何通过其标志性的A字形和H线条，创造出一种视觉上的和谐与稳定感，为日后奢华时装的复兴奠定了基调。 第二章：面料的魔力与色彩的语言 时尚的生命力根植于面料的选择与处理。在二十世纪中叶，纺织工业的进步为设计师提供了前所未有的可能性，但同时，如何驾驭传统面料，又是衡量一位大师级设计师功力的试金石。 本章聚焦于香奈儿对粗花呢（Tweed）的“征服”。粗花呢的特点在于其复杂的纹理和粗犷的触感。香奈儿的设计师团队如何通过对纱线数量、编织密度和后整理工艺的细致调控，将原本用于狩猎装的粗犷面料，转化为适合晚宴和日常穿着的优雅载体？我们追溯香奈儿与苏格兰工厂的紧密合作，揭示她对天然羊毛纤维特性的理解深度，以及如何利用微妙的色彩混纺（如将黑色、米色与金色纱线交织）来创造出具有立体感和光泽的视觉效果。 相对地，迪奥在“新风貌”中对丝绸、塔夫绸和厚重提花面料的偏爱，则是一种对“重量感”和“奢华感”的追求。迪奥的裙装需要面料具备足够的骨架感来支撑其体积。本节将分析迪奥如何利用层叠的衬里和精密的熨烫技术，赋予面料以雕塑般的形态。特别值得探讨的是，迪奥对色彩的运用——他青睐饱和度高的宝石色调（如深红、宝蓝）以及标志性的“粉红色狂热”（Pétale Pink），这些色彩的选择，无不呼应着战后社会对乐观和繁荣的集体向往。 此外，我们还将讨论配饰在塑造品牌形象中的关键作用。香奈儿的链条包（Quilted Bag）与双色鞋（Two-Tone Shoes），如何在简洁的造型中注入功能性与视觉上的突破。链条代表了对皮具重量的减轻和肩带的革新；而双色鞋，米色鞋身配黑色鞋头，则旨在拉长腿部线条，实现视觉上的优雅幻觉。这些配饰并非点缀，而是与服装本身同等重要的设计语言。 第三章：权力、女性气质与身份的再定义 战后时尚不仅仅是关于裙摆的长度或外套的剪裁，它深刻地触及了社会对女性角色的期望与矛盾。香奈儿与迪奥代表了两种相互对立却又同样重要的现代女性范式。 迪奥的“新风貌”无疑是保守的。它将女性重新置于一个理想化的、被男性凝视的浪漫情境中。它颂扬了家庭的温暖与女性的温柔力量，这在经历动荡后，对许多人而言是一种慰藉。然而，这种极致的女性化也伴随着高昂的成本——时间和对身体的约束。本书将探讨，在迪奥的华服之下，是否隐藏着对女性独立精神的一种暂时性“遏制”。 香奈儿的回归，则像一股清新的空气。她的套装是为那些需要在办公室、社交场合和家庭中穿梭的“新”女性设计的。她借鉴了男装的简洁剪裁，但通过柔软的材质和精致的细节，成功地将“权力着装”的定义权从男性手中解放出来。香奈儿的女性是独立的、移动的、并且不依赖于男性审美的评判。 本章将通过对两位设计师的客户群进行对比分析，来具体展现这种身份差异。迪奥的客户往往是需要出席正式社交场合的上流社会名媛；而香奈儿的客户群体则更加多元化，涵盖了电影明星、成功的女企业家乃至追求简约品味的知识女性。我们考察香奈儿如何通过其标志性的白色衬衫和珍珠项链，创造出一种“毫不费力的优雅”（Effortless Chic），这成为了一种对过度装饰的反叛，并预示了未来极简主义思潮的兴起。 结语：风格的遗产与永恒的对话 香奈儿与迪奥的竞争与互补，构成了战后五十年代时尚的张力核心。他们并非简单的竞争者，而是共同为现代时装奠定了双重基石：一是对永恒优雅的结构化追求，一是对舒适自由的实用化表达。 两位设计师留下的遗产，超越了具体的服装款式。他们教会了世界如何用服装来讲述一个时代的精神状态、社会理想与个体抱负。当我们审视今日的T台，无论是对修身剪裁的回归，还是对解构主义的推崇，都能看到这两种经典语汇的影子。 本书的最终目的，是引导读者超越对“流行”的肤浅追逐，深入理解服装背后的设计哲学、社会语境以及它们如何共同定义了“格调”这一永恒的主题。通过对香奈儿和迪奥这两座丰碑的细致考察，我们得以窥见时装艺术如何介入历史的洪流，并成为我们理解现代身份构建的最有力媒介之一。

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这本书的排版和装帧设计本身就是一件值得称赞的艺术品。它不仅仅是文字的载体，更是一种体验的延伸。内页的留白处理得极为考究，既保证了阅读的舒适度，又给予了那些插图和引用的文字足够的呼吸空间，让人在阅读时能感受到一种沉静的力量。我最喜欢的是其中穿插的一些“未完成的想法”的片段，那些只是只言片语的笔记或随手涂鸦的标注，却往往透露出最纯粹的创作冲动。这些“残篇断简”的呈现方式，极大地增强了读者的代入感，仿佛我们真的在翻阅他私人的工作日志。这种“不完美”的展示，恰恰构成了这本书最动人的部分——它让我们看到了天才创作背后那漫长而曲折的求索过程，而不是成品展示柜里光鲜亮丽的最终结果。它让我明白了，伟大艺术的诞生，往往需要大量的试错、怀疑和自我否定，这种对“过程”的珍视和记录，使得这本书成为了一份极具启示意义的资料，对于任何从事创意工作的人来说，都是一本能够带来持久激励的宝藏。

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作为一名对西方艺术史有一定涉猎的读者，我发现这本书在探讨设计美学时，常常引用大量的文化参照物，这使得它的深度远超一般的时尚传记。它不像那些肤浅地追逐潮流的书籍，只是简单地罗列“今年流行什么颜色”或“明年流行什么廓形”。恰恰相反，它更像是在梳理一种设计哲学，一种植根于欧洲传统审美，又不断与现代性进行对话的复杂体系。我尤其欣赏作者对“结构”二字的探讨，设计师如何通过对布料的物理特性、身体的动态结构以及空间构成的理解，去创造出超越时间的美。书中的某些段落，描述了某个标志性廓形的诞生过程，简直如同文学作品般优美，充满了对形式的敬畏。阅读这些文字，你会明白，真正的创新并非凭空出现，而是对既有经典进行深刻理解和大胆颠覆的结果。每一次的“突破”，背后都有着对历史的沉重致敬。这本书无疑为我提供了一个全新的视角去审视那些我们习以为常的时尚符号，它们不再仅仅是衣服，而是一个个带有强烈时代烙印和个人意志的艺术品。

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坦白讲，我最初是被封面设计吸引的，那种低调的奢华感和内敛的自信，让人忍不住想探究其内核到底蕴藏着怎样的思想力量。然而，这本书带给我的惊喜在于它叙事的节奏感。它并非线性地推进，而是像一部精心剪辑的电影，在不同的时间节点和不同的设计系列之间自由穿梭，却又总能找到一个巧妙的逻辑线索将它们串联起来。有些章节对某个特定系列的解构极其深入，从最初的灵感缪斯——或许是一件古董蕾丝，或是一幅印象派画作——如何层层演化成T台上的震撼亮相，每一个步骤都被描绘得详尽入微，简直像是一堂高级时装解剖课。但有趣的是，叙述者的高明之处在于，他总能在最技术性的分析之后，立刻切入一段关于设计师个人心境的描述，比如某次秀前夜的焦虑，或者面对批评时的坚守。这种结构上的张弛有度，让阅读体验非常流畅，即便我对某些设计历史不太熟悉，也不会感到枯燥，反而会因为这种深入浅出的讲解而产生强烈的求知欲，想要去查阅那些被提及的经典作品。

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说实话，刚开始接触这本书时，我有点担心内容会过于学术化，毕竟涉及的领域如此广阔，从高级定制工艺到全球商业运作。但事实证明，作者的文字功底非常扎实，他有一种魔力，能将那些原本枯燥的商业决策和复杂的生产流程，描绘得如同精彩的商业博弈剧本。书里详细描述了某一个时间段内，品牌如何在市场快速变化的压力下，做出艰难的取舍——是坚守手工技艺的高昂成本，还是为了扩大市场份额而选择效率更高的生产方式。这些决策背后的权衡与挣扎，展现了设计师作为一个商业领导者而非仅仅是艺术家的另一面。更吸引我的是，作者并未回避那些争议性的片段，而是以一种相对客观但又不失洞察力的笔触，去分析了设计师在面对媒体审视、竞争对手挑战以及内部团队管理时的真实状态。这种对复杂人性和商业现实的坦诚剖析，让这本书的价值超越了时尚范畴，成为了一本关于领导力、品牌塑造和坚持自我愿景的教科书。

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这本书的书名听起来就充满了艺术气息和历史的厚重感，我一直对时尚界的幕后故事抱有浓厚的兴趣，尤其那些定义了一个时代的设计师的灵感源泉。翻开这本书，首先映入眼帘的是那种手工制作的质感，纸张的触感仿佛能将你带回到那些充满烟草味和咖啡香的巴黎工作室里。我本以为这会是一本纯粹的图录，罗列着从早期的草图到后期的成品设计，但事实远比我想象的要丰富。作者似乎花了大心思去挖掘那些被时间尘封的轶事，那些关于面料选择的纠结、那些与制版师深夜的争执，以及那些突如其来的灵光乍现。阅读的过程中，我仿佛能听到那个时代特有的喧嚣和低语，那些未被记录在正式传记中的人性化的瞬间，让那些高高在上的设计符号变得鲜活起来。它不仅仅是关于“画什么”，更是关于“如何思考”的过程，那种对线条、比例和光影近乎偏执的追求，是真正区分大师与匠人的关键。我特别欣赏其中穿插的一些他对建筑和古典艺术的引用，那种跨界的思维碰撞，揭示了他是如何将永恒的美学原则融入瞬息万变的时尚潮流之中。

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