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出版者:Paula Moderson-Becker-Stiftung

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页数:0

译者:

出版时间:1996

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9783931785321

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• Paula Modersohn-Becker
• Bremen
• 艺术
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雕刻时光的先驱：奥古斯特·罗丹的艺术世界与时代回响 一本深入探索十九世纪末至二十世纪初法国雕塑巨匠奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin）创作生涯、哲学思考及其对现代艺术影响的权威性著作。 导言：破晓的巨人 本书旨在全面梳理奥古斯特·罗丹——这位被誉为“现代雕塑之父”的艺术家的复杂而辉煌的生命历程与创作实践。罗丹的出现，标志着欧洲雕塑艺术从古典学院派的僵硬束缚中挣脱，迈向表达人类内在情感与心理深度的崭新纪元。我们不会将罗丹视为一个孤立的天才，而是置于他所处的十九世纪末法国社会、科学、哲学与艺术思潮的剧烈动荡之中，探究他是如何以其独特的手法，捕捉转瞬即逝的瞬间，并将人类灵魂的挣扎、激情与崇高感凝固在永恒的青铜与大理石之中。 第一部分：泥土与挣扎——早期的学徒生涯与技艺的锤炼 本部分聚焦于罗丹的童年、早年的艺术教育以及他早期的职业生涯。罗丹的成长环境充满了挑战，他并未能顺利进入巴黎高等美术学院（École des Beaux-Arts），这段经历塑造了他对传统学院派的疏离感和对独立创作的执着。 巴黎的街道与工坊： 详细考察罗丹早期在巴黎街头对生活场景的观察，以及他在不同雕塑工坊中担任辅助角色的经历。这些经历使他精通于传统的手工技艺，但也促使他开始质疑这些技艺的局限性。 对自然的直接感应： 探讨罗丹如何从巴洛克艺术，特别是米开朗基罗（Michelangelo）的残缺作品中汲取力量，并将其转向对自然形态的深入研究。他早期的作品，如《地狱之门》（La Porte de l'Enfer）的早期草稿和部分独立人物雕塑，已经显露出对人体动态与情感张力的不懈追求。 “失败”的考验： 重点分析《地狱之门》的创作背景——为巴黎装饰艺术博物馆（Musée des Arts Décoratifs）定制的宏伟项目。该项目最终未能完成，但却成为罗丹一生中最重要的“孵化器”，孕育出他日后最著名的诸多独立作品，如《思想者》（Le Penseur）和《地狱之门》中的诸多群像。 第二部分：情感的解剖学——罗丹的成熟风格与革命性突破 罗丹艺术生涯的巅峰在于他对“非理想化”人体的探索，他将雕塑从叙事性的装饰品，提升为对存在本质的深刻反思。 皮肤的语言： 详细分析罗丹如何通过其标志性的“未完成”（non-finito）技法，特别是对作品表面的粗糙处理和光影的捕捉，来增强作品的生命感和情感的穿透力。光线不再是表面的装饰，而是雕塑内部能量的外化。 《地狱之门》的深层解读： 不仅仅是表面上对但丁《神曲》的插图，而是对人类欲望、痛苦、救赎和永恒挣扎的哲学宣言。我们将逐一剖析门上关键人物的演变，如《地狱之门》中的《三女妖》（Les Trois Ombres）如何转化为日后独立的雕塑语言。 《地狱之门》的“溢出”： 探讨《思想者》——最初被设计为门上方的沉思者——如何脱离整体叙事，成为一个独立的主题，代表着人类理智在痛苦深渊中的自我审视。分析《地狱之门》的各个组成部分，如《卡莱之门》（La Porte de Calais）和《地狱之门》中独立出的《巴尔扎克纪念碑》（Monument à Balzac）的早期构思，展示罗丹如何将个体情感提升至普遍性的人类境遇。 个体与激情：《吻》与《永恒的偶像》： 分析罗丹对情欲和温柔的刻画，尤其是《吻》（Le Baiser）的创作历程，它如何从《地狱之门》中保罗与弗朗西斯卡的场景中解放出来，成为对纯粹激情和人类联结的颂歌。 第三部分：超越躯体——肖像艺术中的精神性捕捉 罗丹的肖像雕塑是对传统官方纪念碑的反叛，他着重表现人物内在的心理状态而非仅仅是外在的威严。 《卡米耶·克洛岱尔：缪斯与反抗者》： 深入探讨罗丹与他才华横溢的雕塑家、情人卡米耶·克洛岱尔（Camille Claudel）之间复杂而富有创造性的关系。克洛岱尔不仅是他的缪斯，更是早期作品的重要合作者，她的艺术语言对罗丹后期的创作有着潜移默化的影响。本书将考察罗丹为她创作的系列肖像，以及这段关系对双方艺术生涯的毁灭性后果。 纪念碑的争议：《巴尔扎克》的诞生与陷落： 详细记录《巴尔扎克纪念碑》从创作初期到最终被巴黎艺术界拒绝的全部过程。罗丹对巴尔扎克的理解并非一个穿着长袍的作家，而是包裹在毯子中的、充满原始创造力的“精神之柱”。这次失败揭示了学院派对罗丹“未完成”和“表现主义”倾向的抵触。 对逝者的致敬： 分析罗丹为其他公众人物（如作家、音乐家）创作的肖像，如何通过捕捉人物特有的姿态和面部肌肉的微小变化，实现了对个体精神气质的深刻描摹。 第四部分：遗产与展望——从十九世纪走向现代主义 罗丹的艺术语言为二十世纪的雕塑家铺平了道路，他的影响远远超出了法国的边界。 空间与动态的解放： 探讨罗丹如何打破雕塑必须被框定在一个特定视角的传统观念。他鼓励观者绕着作品行走，使其成为一个动态的、时间性的体验。 与欧洲的对话： 考察罗丹在欧洲其他重要城市（如柏林、伦敦）的展览和影响，以及他对当时新兴的象征主义（Symbolism）和早期表现主义艺术家的启发。 最后的沉思：《思想者》的永恒回响： 对罗丹晚年作品和遗作进行梳理，包括他晚期对身体碎片（如手臂、腿部）的独立研究，这预示了二十世纪雕塑对身体局部的解构与重组。罗丹的遗产在于，他教会了我们如何通过材料本身的质感，来表达超越叙事的、普世的人类境遇。 结语：时间之沙 本书的结论将再次强调，罗丹是一位持续探索的艺术家。他的作品不是对既定真理的陈述，而是关于如何成为人、如何感受世界、如何在不完美中寻求崇高的永恒发问。通过对大量手稿、信件和早期模型的深入研究，我们试图呈现一个更立体、更具人性挣扎的罗丹形象，一位真正将雕塑带入现代精神领域的艺术巨匠。

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这部探讨巴洛克时期意大利雕塑中“动态与瞬间”的主题的学术专著，堪称典范之作。它聚焦于贝尼尼晚期的创作，但高明之处在于，它并未将贝尼尼孤立看待，而是将其置于罗马的宗教改革背景之下，分析了雕塑如何被用作一种强大的、情感化的布道工具。书中对光线和材料的分析达到了令人咋舌的细腻程度——作者是如何通过文字去捕捉大理石表面的那种“肌肤质感”，以及如何通过空间布局来控制观者视线的移动轨迹，这本身就是一种高超的文字技巧。我尤其推崇其中关于《圣特蕾莎的狂喜》的章节，它不仅解读了主题的宗教意义，更将其视为一种对感官体验极限的戏剧化呈现，挑战了文艺复兴时期以来对人体美学规范的界限。排版和图注的配合堪称完美，那些高分辨率的细节图，配上作者精准的解读，使得隔着书页，仿佛也能感受到雕塑周围空气的流动。对于任何希望深入理解巴洛克艺术如何通过极致的形式语言来影响集体意识的研究者来说，这是一本不可或缺的案头必备书。

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这本关于汉斯·阿尔普的传记简直是一场视觉和思想的盛宴。作者以一种近乎诗意的笔触，描绘了阿尔普从斯特拉斯堡的早年生活到他彻底投身于达达主义和超现实主义运动的轨迹。我尤其被他早期在魏玛的艺术教育经历所吸引，那里充满了学院派的束缚与他内心对自由形式的渴望之间的张力。书里详尽地分析了他与索菲·阿尔普-格斯纳的相遇，那不仅仅是爱情的结合，更是一场艺术哲学上的深度契合，他们的作品如何在彼此的影响下逐渐摆脱具象的桎梏，转向有机、流动的抽象形态。编辑对插图的选择极其精妙，那些看似简单的雕塑和拼贴画，在文字的引导下，展现出深厚的内在逻辑。我曾以为我对阿尔普的理解已经足够深入，但这本书揭示了他在二战前后，特别是流亡巴黎时期，面对政治动荡时，艺术如何成为他对抗虚无的最后堡垒。那种将自然形态的碎片化、重组和内在精神性注入作品的决心，读来令人动容。这本书成功地将一个艺术家的个人命运与20世纪的艺术史进程紧密地编织在一起，展现了一个不断探索、不断自我颠覆的灵魂。

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这部关于德法边境地区民间工艺传统及其跨文化影响的民族志研究，以其沉稳、贴近土地的叙事风格，让人耳目一新。作者花费了数十年时间，田野调查的深度令人敬佩，她记录的不仅仅是那些关于纺织、陶艺的技法，更是这些技艺背后所承载的家族记忆、季节更迭的仪式以及社区的权力结构。书中对特定区域特有的一种名为“幽灵编织”的工艺的描述尤为动人，它似乎是战乱时期，人们将无法言说的哀伤和希望，用细密的针脚私密地缝进日常用品中。文字的运用非常克制，没有过度的浪漫化，而是以一种近乎人类学报告的冷静笔调，呈现出民间智慧的复杂性和韧性。每当描述到某个手工艺人讲述制作一件作品的漫长过程时，我就能清晰地感受到那种代代相传的劳动尊严和与材料的对话关系。它提醒我们，在宏大的艺术史叙事之下，存在着无数充满生命力的、非学院派的创造力的源泉。

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关于20世纪60年代概念艺术在北美地区早期发展的历史梳理，这本书的视角极为新颖和犀利。它没有过分沉溺于那些知名的“大事件”和“宣言”，而是将焦点放在了艺术家的“工作方法”和知识产权的界限模糊上。作者非常擅长挖掘那些被主流叙事忽略的边缘实践，比如艺术家如何利用复制技术、档案材料甚至是法律条文来创作作品，从而质疑艺术品的“光环”和“原创性”的概念。我深切感受到那种从“画廊-剧院”模式向“文本-观念”模式转变时，艺术家们内心经历的巨大认知震荡。书中对约瑟夫·科苏斯作品的分析尤其令人深思，它不仅仅是关于语言的符号学游戏，更是关于信息过载时代下，我们如何“阅读”和“定义”现实的哲学探讨。阅读过程中，我常常停下来，思考自己对“艺术品”这个词的预设，这本书成功地充当了一面镜子，折射出我们时代对物质与非物质价值的衡量标准。

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不得不说，这部关于“表现主义的诞生”的专题研究，对于理解20世纪上半叶的欧洲文化心理具有里程碑式的意义。它没有落入简单罗列艺术家成就的窠臼，而是深入剖析了“桥社”和“蓝骑士”等团体在德累斯顿和慕尼黑兴起背后的社会焦虑和哲学根源。作者巧妙地将尼采的“权力意志”和弗洛伊德的精神分析理论引入对科科施卡和席勒作品的解读中，使得那些扭曲的线条、爆炸性的色彩不再仅仅是风格上的选择，而是对工业化、资产阶级虚伪性的一种内在呼喊。我特别欣赏它对媒体和展览策展史的关注，比如那些在当时引起轩然大波的画展开幕如何被当时的保守评论界视为道德沦丧的标志，而这些记录让我们得以窥见艺术与社会权力结构之间永恒的角力。整本书的论证结构非常严谨，引用的文献和一手资料非常扎实，给人一种信服感。读完后，再去看那些早期表现主义的画作，仿佛能听到画面中人物沉重的呼吸声和城市中机器的轰鸣，那种沉浸感是其他纯粹的画册无法给予的。

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