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出版者:湖南人民出版社

作者:张雄,王彬 主编

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:2007-8

价格:58.00元

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isbn号码:9787543849297

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雕塑的沉默与光影的对话：布朗丘斯雕塑艺术探微 作者： 艾丽西亚·范德堡 (Alicia van der Velde) 出版社： 鸿鹄艺术文献出版社 ISBN： 978-1-4098-7654-3 页数： 588页 --- 内容概要： 本书旨在对二十世纪雕塑艺术中一位至关重要但常被主流叙事边缘化的巨人——康斯坦丁·布朗丘斯（Constantin Brâncuși，1876-1957）的创作生涯、哲学思想及其对现代艺术的深远影响进行一次全面而深入的考察。不同于侧重于分析印象派或立体派影响下雕塑的演变，本书将焦点完全锁定在布朗丘斯对“本质”的永恒追寻上，探讨他如何通过极简的形态、对材料的极致尊重以及对非具象（Abstraction）边界的反复试探，彻底重塑了雕塑这一艺术门类。 全书结构严谨，分为五个主要部分，辅以大量的珍贵文献资料、未发表的信件摘录以及与他同时代艺术家（如莫迪利亚尼、毕加索，甚至波德莱尔的诗学）的间接对话分析。 --- 第一部分： 罗马尼亚的根基与巴黎的觉醒 (The Romanian Roots and the Parisian Awakening) 本部分深入追溯了布朗丘斯早年的生活环境——他成长于喀尔巴阡山脉脚下，对民间艺术、神话和原始材料的接触如何为他后来的创作哲学奠定基调。我们详细分析了他在布加勒斯特艺术学院的学习，以及他决定徒步前往巴黎的壮举。 抵达巴黎后，布朗丘斯初期曾短暂地受雇于奥古斯特·罗丹的工作室。本书细致比对了两者在雕塑手法上的根本差异：罗丹对形体的戏剧性、情感的充沛表达，与布朗丘斯对形式的凝练、对“内在生命力”的捕捉，构成了早期现代雕塑发展中一次关键的理念冲突。通过分析他早期作品如《祈祷者》（The Prayer）和《大地之母》（The Mother of Sorrows）的演变，揭示了布朗丘斯如何迅速摆脱学院派的束缚，开始向着他独有的极简主义语言靠拢。 第二部分： 形式的提炼：从具象到本质 (The Refinement of Form: From Representation to Essence) 这是本书的核心理论探讨部分。布朗丘斯艺术生涯的转折点在于他对“简化”的执着——他坚信，一件雕塑只有剔除所有不必要的细节和叙事性描述，才能触及其所描绘物体的永恒本质。 本部分聚焦于布朗丘斯最具标志性的系列作品： 1. 《吻》（The Kiss, 1907-1908）： 我们不将其视为简单的立体主义尝试，而是将其解读为对“二元性统一”的几何表达。通过对比早期和后期的《吻》，展示了材料（石材）与主题（亲密关系）如何相互渗透，最终融合成一个单一、封闭的纪念碑结构。 2. 鸟的形态研究： 详细剖析了布朗丘斯如何从具象的鸟类形象中抽象出“飞翔”这一动态概念。特别是对《空中之鸟》（Bird in Space）系列（包括青铜和大理石版本）的分析，着重探讨了抛光金属表面对环境光线的吸收与反射，如何使作品脱离其物质性，仿佛真的悬浮于空间之中。我们引入了现象学视角，讨论了观众感知中“重量”与“轻盈”的辩证关系。 第三部分： 材料的自述：石头、木材与青铜 (The Material Speaks: Stone, Wood, and Bronze) 布朗丘斯对材料的理解超越了传统工匠的范畴，他视材料本身具有内在的“意志”和“记忆”。本书花费大量篇幅，系统考察了他在不同材料上的处理方式： 大理石与石灰石： 分析了他如何通过打磨和抛光，使坚硬的石头表面呈现出接近有机体的温润感，质疑了材料的传统硬度概念。 木材的纹理与时间： 考察了他在使用核桃木等材料时，如何顺应木材的天然纹理和裂痕，让时间的流逝成为作品构成的一部分，尤其对他在工作室中保留的“未完成”木雕进行了细致解读。 铸造的精确性： 探讨了与青铜铸造师之间的合作关系，以及他如何通过精准的铸造技术，将自己手工打磨的形态精确地复制和延续，使其成为永恒的形式。 第四部分： 工作室即宇宙：时间、光线与非纪念碑性 (The Studio as Cosmos: Time, Light, and the Non-Monumental) 布朗丘斯的艺术实践与其生活哲学密不可分。我们详细考察了他在蒙帕纳斯的工作室——这个空间本身被视为他思想的延伸和材料的孵化器。 本章重点研究了布朗丘斯对“序列性”（Seriality）和“无限性”（Infinity）的探索： 1. 《无限柱》（The Endless Column）： 这不仅仅是一个装饰元素，而是布朗丘斯对垂直性、节奏感和空间无限延伸的哲学宣言。本书通过分析其模块化设计，探讨了它如何挑战传统纪念碑的封闭性结构，转而成为一种开放的、可以不断延伸的结构系统。 2. 光线的介入： 布朗丘斯的作品对工作室自然光线的依赖是极端的。我们对比分析了不同时间、不同季节，同一件作品在光影作用下的视觉变化，论证了布朗丘斯将时间（光线的移动）内化为雕塑形式动态要素的意图。 第五部分： 遗产能景：布朗丘斯在二十世纪后的回响 (The Legacy Landscape: Brâncuși’s Echoes Post-1957) 最后一部分，本书评估了布朗丘斯对后世艺术家的实际影响。我们认为，他的影响远超美国极简主义的表面联系（如唐纳德·贾德或卡尔·安德烈对形式和材料的关注）。 更深层次的影响体现在： 对艺术自主性的确立： 布朗丘斯坚守艺术品应独立于外部叙事（政治、宗教或情感）的立场，为后来的观念艺术和极简主义铺平了道路。 对“观看”行为的重新定义： 他强迫观众放弃寻找具象参照物的习惯，转而专注于形式、表面肌理和材料的纯粹存在。 本书通过细致的文献梳理和深入的视觉分析，力求将布朗丘斯从被过度浪漫化的“田园牧歌式”的匠人形象中解放出来，展现其作为一位严谨的、具有深刻形而上学思考的现代主义大师的真实面貌。 --- 目标读者： 艺术史研究者、雕塑专业学生、现代主义艺术爱好者，以及对材料哲学和形式美学感兴趣的读者。 （本书不包含任何关于摄影技术、光圈、快门速度或曝光控制的理论和实践内容。）

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坦白说，我本来对市面上那些“速成”摄影指南抱持着怀疑态度，总觉得它们要么过于肤浅，要么就是把概念炒得神乎其神。然而，这本让我对“基础”有了全新的认识。它没有急着教你如何使用后期软件进行天花乱坠的修图，而是将重点放在了“看见”世界的角度上。作者对构图的分析尤其独到，不仅仅是罗列三分法、引导线这些老生常谈的规则，更深入探讨了负空间的应用以及如何通过线条的张力来引导观者的视线。我记得有一章专门讲解了“动态与静态的平衡”，通过分析大师们的经典作品，拆解了他们是如何在画面中布置元素以达到视觉上的和谐或冲突。读完这一部分，我开始有意识地审视我拍摄的每一个场景，不再是单纯地记录，而是开始思考：我的主体在哪里？背景如何服务于主体？这种思维深度的提升，远超出了我预期的“基础”范畴，它让我意识到，摄影的本质在于有意识的选择和组织。

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这本书的排版和视觉呈现简直是一场视觉盛宴，这对于一本教授视觉艺术的书籍来说，是至关重要的加分项。纸张的质感很好，印刷出来的照片色彩还原度非常高，这使得书中展示的那些关于色彩理论和白平衡的案例变得异常直观和可信。作者在探讨不同光源（如钨丝灯、荧光灯、自然光）对色彩的影响时，配上的对比图清晰到令人赞叹，让你一眼就能分辨出色温差异带来的细微变化。更让我佩服的是，作者在介绍设备性能时，并没有陷入器材崇拜的泥潭，而是始终将焦点拉回到“如何用手头的工具拍出最佳效果”上来。例如，在谈到镜头选择时，它不是简单地比较焦距的长短，而是对比了不同焦段对透视感的影响，这让我明白了为什么广角镜头适合拍摄宏大的场景，而长焦镜头又如何能压缩空间，营造出戏剧性的效果。这本书的设计本身，就是对摄影美学的一个生动诠释。

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这本书简直是为我这种刚踏入摄影世界的新手量身定做的！我原本对着那些复杂的术语和各种光圈快门设置感到头大，总觉得摄影是一门遥不可及的学问。但这本书的讲解方式简直是化繁为简的典范。它不是堆砌理论，而是通过大量清晰易懂的实例图示，一步步引导你去理解光线是如何塑造画面的，景深又是如何营造出那种令人惊叹的立体感。我特别喜欢它对“曝光三角”的阐述，作者没有直接扔出一堆公式，而是用生活化的比喻将光圈、快门速度和ISO的关系讲得透彻明白，让我这个小白瞬间就明白了为什么在不同场景下需要调整这些参数。读完前几章，我就迫不及待地拿起相机，对着窗外的光影进行实践，惊喜地发现，我居然能大致控制出我想要的效果了！那种从“瞎按快门”到“有目的创作”的质变，带来的成就感是无与伦比的。这本书的价值就在于，它真正做到了将高深的摄影原理，用最亲民的语言，架起了一座通往实践的桥梁。

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我一直困扰于“为什么我拍出来的照片总觉得少了一点什么”的迷思，这本书对“光线语言”的解读可以说是醍醐灌顶。它将光线比喻为摄影师的调色板和雕刻刀，详细剖析了顺光、侧光、逆光各自带来的情绪和质感。最让我受益的是关于“影调”的探讨。作者深入浅出地解释了高调、低调以及中间调的运用，并配有大量的黑白摄影实例进行分析。我过去总觉得黑白摄影是后期处理的结果，但这本书让我明白，很多时候，优秀的光线和影调控制，才是决定一张黑白照片成败的关键。通过学习如何观察和捕捉那些微妙的阴影和高光过渡，我开始在日常生活中发现那些平时被忽略的、充满戏剧性的光影时刻。这不仅仅是教我如何拍照，更是教会我如何用更具层次感的方式去观察世界，这种感知力的提升，比学会某个技术参数设置要宝贵得多。

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这本书的实用性和系统性达到了一个很高的平衡点，让我感觉像是在跟随一位经验丰富、耐心十足的导师进行一对一的指导。它并没有止步于静态的照片技术，而是花了相当篇幅讨论了摄影项目的规划与执行。比如，在谈到人像摄影时，它不仅讲解了如何布光以美化人脸轮廓，更深入探讨了如何与拍摄对象建立信任，捕捉到其真实的情绪和瞬间的眼神交流。这种将技术融入到“人与场景互动”的叙事方式，极大地拓宽了我的视野。此外，书后附带的几个小型“挑战任务”非常棒，它们鼓励读者走出舒适区，比如“尝试只用一种光源拍摄一个静物系列”或者“在一天中不同时刻拍摄同一个主题并记录变化”。这些任务驱动了我进行持续的、有目的性的练习，确保了所学知识能够真正内化为自己的技能，而不是仅仅停留在书本的知识点上。

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