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出版者:华南理工大学出版社

作者:林华,姜灵敏

出品人:

页数:454

译者:

出版时间:2007-8

价格:45.00元

装帧:

isbn号码:9787562326120

丛书系列:

图书标签:

• Flash 8
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• 动画
• 动画制作
• 中文教程
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• 软件
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跨越时空的绘梦之旅：动画艺术的经典与前沿 本书聚焦于动画制作的理论基石、艺术表达的深度挖掘，以及在数字时代背景下，动画师如何运用现代工具实现创意愿景的全景式指南。它不仅仅是一本技术手册，更是一部关于如何用动态影像讲述故事、塑造情感的艺术哲学探讨。 --- 第一部分：动画的本质与视觉叙事的心灵契约 本部分深入剖析动画作为一种艺术形式的独特魅力及其核心原理。我们不再仅仅关注软件的操作，而是回归到“运动的魔法”本身。 第一章：运动的诗学——动画二十四法则的现代诠释 本章细致拆解了所有经典动画制作的黄金法则，但立足点是它们的哲学内涵而非机械应用。我们将探讨“挤压与拉伸”如何体现物理的重量与弹性，以及“预备动作”如何建立观众对即将发生事件的心理预期。重点讨论在当代快节奏叙事中，如何通过对这些法则的灵活变通和夸张处理，来达到超越现实的视觉冲击力。例如，分析希区柯克式的悬念构建与动画中关键帧的放置之间的相似性，强调节奏感在视觉叙事中的决定性作用。 第二章：角色设计：从草图到灵魂的塑造 角色是动画的载体。本章将角色设计提升到“人格构建”的高度。我们不教授如何绘制眼睛或手，而是探讨如何通过线条的粗细、形状的构成（圆形代表友好，尖锐则暗示冲突）来预示角色的命运和性格。内容涵盖： 剪影原则的深度运用： 如何确保角色在完全黑暗中也能被瞬间识别，以及剪影在表现情绪张力时的潜力。 色彩心理学在角色皮肤与服装上的应用： 探讨如何通过冷暖色调的对比，无声地揭示角色间的权力关系或内心冲突。 面部表情的微调与“眼神的聚焦”： 深入研究动画中如何利用眼睛的微小变化（如虹膜的放大缩小、眼睑的下垂）来表达复杂、微妙的情感层次，这是传统表演艺术向动画转化的关键。 第三章：场景与环境的无声对白 环境不再是背景板，而是故事的共谋者。本章聚焦于“布景的暗示性”。我们将分析环境光影如何成为叙事工具：清晨的柔和光线与黄昏的戏剧性侧光在情绪烘托上的差异。内容包括： 透视学的叙事功能： 如何利用深远的多点透视制造压迫感，或通过平视的视角建立亲近感。 材质的触感模拟： 探讨在二维或三维空间中，如何通过纹理细节（如粗糙的木头、光滑的金属）来增强观众的沉浸式体验，即便在风格化的动画中，材质的“感觉”也至关重要。 --- 第二部分：动态捕捉与叙事结构的高级构建 本部分将视角从静态的艺术元素转向动态的流程管理与宏大的叙事架构，为深度动画项目做好准备。 第四章：分镜脚本的导演思维：预演与控制 分镜（Storyboard）是连接剧本与成片的桥梁。本书强调，分镜不是简单的画面堆砌，而是导演的“第一部影片”。本章侧重于： 信息流的密度控制： 学会如何在有限的画面内塞入足够的视觉信息，同时避免信息过载。 镜头语言的词汇表： 深入解析不同镜头运动（平移、摇摄、推轨、虚拟的“荷兰角”）在不同情境下传达的情绪效果，以及如何构建一个连贯且富有张力的镜头序列。 音效与画面的协同设计： 在绘制分镜时，即开始考虑声音的入点和出点，确保动作与听觉体验完美同步。 第五章：时间艺术：节奏、速度与蒙太奇的交响 动画制作的核心挑战在于时间管理。本章将时间视为可塑的粘土。 节奏的调控： 如何通过改变每秒的帧数和动作的持续时间，来模拟现实中的紧张、放松、困惑或狂喜。这包括对“慢动作”和“快切”的精确拿捏。 动作捕捉的精修与风格化： 探讨如何运用动态捕捉数据作为基础，但必须通过艺术化的“清理”和“夸张化”处理，以服务于动画的风格，避免陷入“恐怖谷效应”的陷阱。 蒙太奇的类型学： 分析抒情蒙太奇（情感累积）、对比蒙太奇（观念冲突）在动画长片中的应用，如何用快速剪辑来压缩信息或用慢速推移来深化意境。 第六章：跨媒介的融合：从传统到数字管线的整合 本章面向追求高品质、大制作的动画人，探讨如何将不同技术无缝衔接。 2D与3D的辩证关系： 探讨在现代工作流程中，如何将三维模型的流畅运动导入二维的最终绘制环节（如Laying-out），以兼顾效率与手绘的质感。 灯光与氛围的程序化控制： 讨论高级灯光设置（如全局光照、环境光遮蔽）如何影响最终画面的深度和情绪氛围，即使是卡通风格，精确的二次反弹光照也能极大地提升真实感。 后期合成的“润色”哲学： 合成不应只是为了修复错误，而是赋予画面最终的“滤镜”和风格统一性。分析如何通过景深（Depth of Field）的模拟和镜头光晕（Lens Flare）的精确放置，来引导观众的视线和情绪。 --- 第三部分：动画师的职业素养与未来展望 本部分探讨了动画产业的生态、团队协作的艺术，以及对新兴技术的审慎态度。 第七章：团队协作的隐形规则：沟通与迭代的艺术 动画项目是高度依赖团队合作的。本章旨在培养团队成员之间的“项目默契”。 反馈的有效性： 如何提出具体、可操作的建设性意见，以及如何以开放的心态接受来自不同部门（如原画、动画、特效）的反馈，进行有效的迭代。 Pipeline（流程）的优化： 探讨如何建立高效的文件命名规范、资产管理系统，以确保项目在数月甚至数年的制作周期中保持清晰和可追溯性。 第八章：动画的伦理与文化的边界 动画作为全球流行的媒介，其内容承载着文化责任。本章鼓励创作者进行更深层次的思考： 文化挪用与尊重： 如何在借鉴世界各地的艺术元素时，保持对文化根源的尊重，避免刻板印象的固化。 受众的年龄分层与内容分级： 探讨如何根据目标观众的认知水平，巧妙地处理暴力、复杂主题和成人议题，实现艺术表达与社会责任的平衡。 结语：超越工具的限制，回归故事的初心 本书的最终目标是使读者将焦点从“如何操作某个软件”转移到“我希望通过这段动画表达什么”。动画制作的工具和技术会不断更新换代，但驱动人心的优秀故事和精湛的动态艺术原理是永恒的。真正的动画大师，是用其深厚的艺术素养和对人类情感的深刻洞察力，来驾驭技术，而非被技术所奴役。

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这本书的封面设计挺有意思的，色彩运用大胆又不失专业感，一下子就把我的注意力吸引住了。我本来对动画制作这块就有点好奇，想找本入门级的书看看，没想到这本的内容比我想象的要丰富得多。从最基础的软件操作讲起，非常细致，简直就像手把手教你一样。我之前在网上零散地看过一些教程，总觉得不成体系，学起来很吃力，但这本书的逻辑性很强，章节安排合理，一步步引导你深入。特别是它对一些核心概念的解释，非常到位，不像有些书那样干巴巴地堆砌术语。作者似乎很懂得初学者的困惑，总能在关键节点给出实用的小技巧。我感觉自己很快就上手了，这对我建立学习的信心太重要了。而且书里的配图和案例都很贴合实际，能让我立刻明白理论知识是如何应用到实践中的。对于想从零开始学习动画制作的朋友来说，这绝对是一本值得信赖的向导。

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这本书的排版和细节处理体现了出版方相当的用心。字体清晰易读，关键步骤的截图放大得恰到好处，完全不用担心看不清鼠标点击的位置或者参数设置的细节。我注意到，书里的一些高级技巧并没有直接放在主干流程里，而是巧妙地安排在了“进阶提示”或者“常见误区”的小栏目中，这种设计非常人性化，让不同水平的读者都能有所收获。对于我这种有一定基础的人来说，可以快速跳过基础部分，直奔那些能提升效率的秘籍。而且，书中似乎还整合了一些资源链接或者推荐工具的说明，这为后续的深入学习提供了便利的线索，不会让人在学完书本知识后感到无所适从。这种为读者考虑周全的感觉，让整个阅读体验非常流畅和愉快。能感受到作者在内容组织和呈现方式上所下的苦功。

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坦率地说，这本书的篇幅不算短，但翻阅起来丝毫没有厚重感，原因在于它极强的实用价值和条理性。我个人最欣赏的是它对软件界面的模块化讲解。作者没有笼统地介绍所有功能，而是根据动画制作的不同阶段，有针对性地讲解所需工具栏和面板的用途。这种“用时才学，学了就用”的模式，极大地提高了学习效率。我甚至可以把它当作一本随时可以翻阅的“工具辞典”，遇到某个特定的效果卡壳了，翻到相关章节，马上就能找到解决方案。而且，这本书的语言风格非常平实、亲切，没有那种高高在上的技术说教感，仿佛一位经验丰富的同行在旁边耐心指导。它为我的动画学习之路打下了一个极其坚实的基础，让我对未来在这个领域的发展充满了期待和信心。

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拿到这本书后，我最惊喜的是它对“流程”的梳理。很多技术书籍只告诉你“怎么做”，但这本书却深入讲解了动画从创意构思到最终成片的完整生命周期。这种全局观的培养，对于想成为专业动画师的人来说至关重要。我特别喜欢其中关于“故事板”和“动态预览”的那几章，它们不仅展示了工具的使用，更强调了“叙事”的重要性。这让我意识到，动画不仅仅是炫酷的技术堆砌，更是讲故事的艺术。书里对不同风格动画的特点也有所分析，虽然只是简单提及，但足以让人对未来的学习方向有一个大致的了解。我本来以为这会是一本纯粹的操作手册，结果它更像一本结合了理论、实践和艺术思维的综合教材。阅读过程中，我时常停下来思考作者提出的问题，这极大地激发了我自己的创作灵感。这本书的深度远超我的预期，它没有止步于表面的“如何实现”，而是引导我去思考“为何要这样实现”。

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我周围很多朋友都在摸索动画制作，大家普遍抱怨市面上的教程要么太基础，要么太偏门，很难找到一本能平衡理论深度和实操性的书。这本倒是做到了很好的平衡。它没有一味地追求复杂和高深，而是把重点放在了如何高效、清晰地完成一个作品上。特别是关于时间轴控制和关键帧插值的那部分内容，解释得非常直观，我以前总觉得动画的流畅度很难把握，读完这一段，顿时茅塞顿开，明白了其中的微妙之处。书中对不同动画原理的阐述，比如“预备动作”和“跟随动作”，用非常生动的语言描述，让我体会到了运动的内在逻辑。这不仅仅是软件层面的教学，更是对动画本质的一种提炼和传授。它教会我的，是如何让屏幕上的物体‘活’起来，而不是简单地让它们动起来。

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