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出版者:中国美术学院出版社

作者:陈子平

出品人:

页数:193

译者:

出版时间:1996-3

价格:25.00

装帧:平装

isbn号码:9787810195126

丛书系列:

图书标签:

• 舞美
• 布景设计
• 舞台美术
• 影视布景
• 场景设计
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• 美术
• 布景
• 舞台艺术
• 视觉艺术
• 设计

艺术的幕后：灯光、空间与情感的交织 序言 在剧院的黑暗中，当帷幕缓缓升起，我们看到的不仅仅是演员的表演，更是整个舞台空间在光影、色彩和构图上精心构建的视觉盛宴。然而，这场盛宴的背后，是无数精心设计的细节，是“布景技术”——一个既神秘又至关重要的艺术领域。它不直接呈现于台前，却以无形的力量塑造着我们对故事的感知，引导着我们的情感走向，让虚拟的世界变得触手可及。本书并非直接探讨布景的制作工艺或具体的道具图纸，而是深入剖析布景技术在戏剧、电影、演出等多元艺术形态中所扮演的角色，以及它如何与空间、光线、色彩、材质等元素协同作用，最终服务于叙事和情感表达。我们将从更宏观的视角，理解布景技术是如何成为连接观众与故事、现实与虚幻的桥梁，它如何影响着观众的心理体验，又如何在技术进步的浪潮中不断演变和拓展其艺术边界。 第一章：空间叙事——布景作为舞台语言 戏剧的舞台，本质上是一个被压缩、被符号化的空间。布景不仅仅是演员活动的物理载体，更是一种视觉语言，能够直接传达时代背景、社会环境、人物身份乃至内心状态。一扇斑驳的木门，可能暗示着历史的沧桑；一盏孤零零的台灯，或许映照出人物内心的孤独；高耸的城墙，则能瞬间将观众带入宏大的战争场面。 我们将探讨不同文化背景下，空间元素的象征意义。例如，在中国传统戏曲中，一张桌子、两张椅子就能构建出千变万化的场景，这种“写意”的手法，依靠观众的想象力来填充细节，极大地考验着表演者的功力，同时也体现了东方美学的含蓄与留白。而在西方现实主义戏剧中，精雕细琢的布景，如维多利亚时代的客厅，则力求逼真，通过具象的细节来塑造人物的社会阶层和生活状态，让观众仿佛身临其境。 我们还会分析布景在不同戏剧类型中的功能差异。例如，在表现主义戏剧中，扭曲的线条、倾斜的空间，能够直接传达人物内心的焦虑和不安。在荒诞派戏剧中，简陋甚至空旷的舞台，反而能强化对现实的质疑和对生存困境的描绘。布景不再仅仅是背景，而是参与叙事，与人物对话，甚至成为冲突的载体。 第二章：光影魔术——照明与布景的协同之舞 光，是布景技术中最具表现力的元素之一。它不仅照亮舞台，更雕刻空间，塑造形态，引导视线，营造氛围。一束追光，能聚焦人物情感的爆发；柔和的侧光，能勾勒出人物的轮廓，营造神秘感；而全场灯光的熄灭，则瞬间将观众拉回现实，或暗示故事的终结。 我们将深入研究灯光在布景设计中的关键作用。它如何通过明暗对比来定义空间的深度和立体感？如何利用色彩来传达特定的情绪，例如温暖的橙色带来亲切感，而冰冷的蓝色则渲染出孤独或疏离？我们还会探讨不同类型的灯光设备和技术，如LED、投影技术等，如何为布景的动态变化和视觉效果带来更多可能性。 更重要的是，照明与实体布景并非孤立存在。精心设计的灯光能够巧妙地隐藏布景的不足，放大其亮点，甚至将平淡无奇的道具转化为视觉焦点。反之，布景的材质、颜色、纹理，也会直接影响光线的反射和折射，从而影响最终的照明效果。这种光影与实体的协同作用，是布景技术的核心魅力所在。 第三章：色彩心理学——情绪的调色盘 色彩，是影响观众情绪最直接的视觉语言之一。不同的色彩组合能够唤起不同的心理感受，从而深刻影响观众对故事的理解和情感的投入。暖色调的布景，如红色、黄色、橙色，通常与热情、活力、喜悦相关；而冷色调的布景，如蓝色、绿色、紫色，则可能营造出宁静、忧郁、神秘的氛围。 本书将探讨色彩在布景设计中的应用原则。我们将分析经典的色彩搭配方案，以及它们在不同时代和文化中所代表的意义。例如，在中国传统绘画和建筑中，红色寓意吉祥和喜庆，而青色则常用于表现自然景物。在现代舞台设计中，色彩的选择往往需要与剧本的主题、人物的性格以及想要传达的情绪紧密结合。 我们还会讨论色彩如何与其他布景元素相互作用。例如，相同颜色的布景，在不同的材质上呈现出的质感和光泽会有所不同，进而影响整体的视觉感受。同时，光线的色彩也会对布景的色彩产生叠加和影响。理解色彩的心理学效应，能够帮助布景设计师更有效地引导观众的情绪，加深他们对故事的共鸣。 第四章：材质肌理——触觉与视觉的共鸣 布景的材质，不仅决定了其视觉质感，更在潜移默化中影响着观众的触觉想象。粗糙的麻布、光滑的丝绸、冰冷的金属、温润的木材，每一种材质都带着独特的气质，能够赋予布景不同的生命力。 我们将深入研究各种常用材质的特性及其在布景设计中的表现力。例如，木材的自然纹理和温和色调，常用于营造温馨、怀旧或质朴的氛围；金属的冰冷光泽和硬朗线条，则适合表现科技感、现代感或压迫感；而布料的垂坠感和柔软质地，则能为舞台增添飘逸、梦幻或柔美的气息。 我们还会探讨如何通过材质的组合来创造丰富的视觉肌理。例如，在同一场景中，将粗糙的石头与光滑的玻璃结合，能够在视觉上产生强烈的对比和冲突，丰富空间的层次感。此外，材质的耐用性、可塑性和成本也是布景设计师在选择时需要考虑的重要因素。理解材质的语言，能够让布景不仅仅是看得见的，更能引发观众的联想，甚至“触”到故事的质感。 第五章：抽象与具象——布景的表达方式 布景的表达方式并非只有一种。从极度写实的场景复刻，到象征抽象的符号运用，布景技术在不断探索着与观众沟通的更多可能。 我们将分析具象布景的优势与局限。它能够提供清晰的叙事信息，让观众迅速进入情境，但有时也可能限制观众的想象空间，甚至流于表面。而抽象布景，则通过简化的形式、象征的元素，激发观众的思考和联想，将更多的主动权交予观众。例如，一棵孤零零的枯树，可能象征着生命的衰败，也可能代表着希望的渺茫，其解读的多样性正是抽象艺术的魅力所在。 我们将探讨在不同的艺术形式中，如何平衡抽象与具象。在现实主义戏剧中，具象布景是主流；而在实验戏剧、装置艺术等领域，抽象的表达方式则更加常见。更重要的是，许多优秀的布景设计，能够巧妙地融合抽象与具象，既提供必要的叙事信息，又不乏艺术的象征和想象空间。 第六章：技术革新与艺术演进——布景的未来图景 随着科技的飞速发展，布景技术也迎来了前所未有的变革。数字投影、虚拟现实（VR）、增强现实（AR）、动态LED屏幕等新兴技术的出现，极大地拓展了布景的边界，为舞台艺术带来了无限可能。 我们将探讨这些新技术如何颠覆传统的布景模式。例如，数字投影能够实现逼真的自然景观、城市风貌，甚至神话世界的构建，其变化的速度和表现力远超传统的手绘背景。VR和AR技术则能够将观众带入沉浸式的体验，模糊真实与虚拟的界限。 然而，技术并非万能。布景技术的最终目的，始终是服务于艺术表达。我们也将探讨如何在技术革新的同时，不失布景的艺术性和情感温度。当技术变得日益复杂，如何让观众专注于故事本身，而不是被炫目的技术所迷惑，是一个值得深思的问题。布景技术的未来，将是技术与艺术的深度融合，是科技创新为叙事和情感表达注入新活力的时代。 结语 布景技术，是舞台艺术的无声诗人，是空间的情感画家，是光影的建筑师。它在黑暗中默默工作，却以强大的力量塑造着我们每一次的观赏体验。理解布景的艺术语言，不仅能让我们更深刻地欣赏戏剧、电影等艺术作品，更能体会到隐藏在幕后那份严谨、智慧与浪漫。本书希望通过对布景技术多维度的剖析，开启读者一扇通往艺术世界更深层次的窗口，感受那份属于“布景”的独特魅力。

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我一直困扰于如何平衡艺术创意与工程实现的矛盾，这本书正好解决了我的痛点。它清晰地划分了“概念设计”和“技术实现”两个阶段，并且强调两者之间必须有顺畅的沟通机制。书中有一部分专门讨论了项目管理在布景制作中的重要性，包括预算控制、时间节点把控，以及如何与灯光师、服装设计师进行高效的跨部门协作。我特别喜欢书中关于“安全规范”的章节，它用图文并茂的方式解释了舞台结构的承重限制、防火处理等关键的安全问题，这在很多设计类书籍中是被忽视的。作者在强调创意的同时，始终把“安全第一”的原则放在首位，这一点非常专业和负责任。阅读过程中，我多次停下来思考，如何将书中学到的知识应用到我正在进行的一个小型实验剧场项目中。这本书不仅教会了我“怎么做”，更重要的是教会了我“如何思考”一个完整的舞台项目。

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这本关于舞台布景技术的书，我拿到手的时候，首先被它的厚度和精美的封面吸引住了。翻开之后，我发现它不像我之前看过的那些理论性太强的书，而是非常注重实践。书里有大量高清的图片和详细的步骤图解，仿佛带着你亲手去搭建一个场景。比如，关于灯光与布景的结合部分，作者不仅仅是罗列了各种灯具的名称和原理，而是深入探讨了如何通过光影的运用，来烘托特定的情绪和营造空间感。特别是关于“可移动布景”的设计，书中介绍了一种模块化的搭建系统，非常具有创新性。我记得有一章专门讲了如何在有限的空间里，通过巧妙的视觉错觉来拓展舞台空间，这对于小型剧团来说简直是福音。而且，书中还收录了一些不同风格（比如古典主义、现代主义、后现代主义）的布景设计案例分析，不仅展示了最终效果图，还详细解析了设计师的创作思路和技术难点，这对于初学者来说，是极好的学习范本。整体感觉这本书非常接地气，理论与实践结合得恰到好处，读起来一点也不枯燥。

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这本书在视觉呈现上达到了很高的水准，每一页都充满了设计感。但更让我惊喜的是，它对“空间叙事”的探讨达到了哲学的高度。作者认为布景不仅仅是背景，它本身就是角色的一部分，是时间的载体。书中通过分析几部经典剧作的舞美设计，展示了布景如何通过自身的形变、增减或色彩变化，来暗示情节的转折和人物的心境。例如，对“开放式舞台”与“封闭式舞台”的深入剖析，让我对舞台空间的心理暗示有了全新的认识。书中引用了大量的艺术史知识，将舞台布景与建筑学、雕塑艺术的演变联系起来，使得整本书的知识体系显得非常宏大且扎实。虽然部分内容涉及较为深奥的理论，但作者总能及时配上直观的图例来佐证观点，使得晦涩的概念变得易于理解。这本书的阅读体验，与其说是在学习技术，不如说是在进行一场深度的艺术鉴赏之旅。

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坦白说，我购买这本书是抱着试一试的心态，因为我对舞台设计了解不多，担心内容会过于晦涩难懂。然而，这本书的语言风格非常亲切，作者似乎一直在用一种过来人的口吻与读者交流。在讲解材料选择时，作者没有一味推崇昂贵的专业材料，而是花了很大篇幅介绍如何利用日常生活中常见的材料，通过创意和技术处理，达到专业级别的视觉效果。比如，如何用泡沫塑料雕刻出逼真的岩石纹理，或者如何用普通的布料和涂料模拟出金属的质感。这种“化腐朽为神奇”的技巧分享，让我这个门外汉也能感受到设计的美妙。书中对传统工艺的尊重也令人印象深刻，对于一些需要手工技艺的部分，比如立体造型、油画背景的绘制，都有详尽的笔触去描绘匠人的耐心和精细。这本书更像是一本充满智慧和经验的工具书，每当遇到实际问题，翻开它总能找到启发性的答案。

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我是一个对新科技很感兴趣的人，这本书在紧跟时代潮流方面做得非常出色。它用了相当大的篇幅介绍了数字技术在现代布景设计中的应用，包括3D打印技术在道具制作中的潜力，以及如何使用投影映射（Projection Mapping）技术来创造动态的、沉浸式的背景效果。作者并没有盲目推崇高科技，而是审慎地分析了这些技术在实际操作中的成本效益和局限性。有一章专门对比了传统手绘背景和数字投影背景的优劣，分析了它们各自在维护、修改和呈现效果上的差异，这对于我们选择合适的表现手法至关重要。更具启发性的是，书中展示了一些融合了机械自动化元素的布景设计，比如可以自动旋转、升降或变形的舞台装置，这些不仅提升了舞台的观赏性，也极大地丰富了导演的表现手法。这本书让我看到，传统的布景艺术正在通过拥抱技术，焕发出新的生命力，非常具有前瞻性。

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