安徽花鼓灯舞蹈训练 中国民间舞教材与教法(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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isbn号码:9787880873986

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好的，以下是关于一本与您提供的书名《安徽花鼓灯舞蹈训练 中国民间舞教材与教法(CD)》内容不相关的图书的详细简介。 --- 《敦煌壁画中的飞天艺术探源与审美变迁》 内容提要： 本书是一部深度聚焦于中国敦煌莫高窟壁画艺术中的核心母题——“飞天”形象的专题研究著作。它并非一本舞蹈教学的教材，而是一部融合了艺术史学、宗教图像学、考古学与美学分析的综合性学术专著。全书以时间为轴线，以空间（洞窟编号）为参照，系统梳理了自十六国时期至元代近千年中，敦煌飞天形象在造型、服饰、动态、神态以及文化内涵上的演变轨迹和地域风格的差异。 本书旨在揭示飞天形象并非一成不变的符号，而是中原文化、西域文化与佛教信仰不断碰撞、融合、再创造的活态艺术史。通过对大量高清壁画图像的细致解读，作者探讨了飞天在不同历史阶段所承载的世俗化、本土化乃至审美趣味的转型过程，尤其关注了飞天从早期庄严的佛教供养天神，逐渐演化为具有浓厚盛唐气象和世俗生命力的“天人合一”的艺术象征这一关键转变。 第一部分：图像的诞生与早期形态（十六国至北魏） 本部分着重于飞天艺术在敦煌的早期确立与确立过程。研究始于十六国时期，敦煌石窟初建阶段，飞天的形象大多遵循犍陀罗和中亚艺术的母题，线条相对硬朗，造型受外来影响明显。 一、 佛教图像学的基石： 详细阐述了“乾闼婆”（Gandharva）和“紧那罗”（Kimnara）作为飞天原型在佛教经典中的定位，以及他们作为音乐、舞蹈侍奉者的身份界定。 二、 早期飞天的造型特征： 分析了北魏时期飞天画法的早期特征，如面相清瘦、躯体扁平、飘带简洁，以及其功能主要为烘托佛本生故事的宗教叙事性。重点对比了榆林窟早期壁画与莫高窟早期飞天的异同，探讨早期敦煌匠师如何“翻译”异域母题。 三、 装饰母题的初步本土化： 探讨了在北魏孝文帝推行汉化政策后，飞天服饰和璎珞开始出现初步的中原元素，但整体结构仍保持克制与肃穆。 第二部分：盛唐气象与飞天艺术的巅峰（隋唐时期） 本书认为，隋唐时期，特别是盛唐，是敦煌飞天艺术的黄金时代，其艺术成就和审美价值达到了顶峰。这一阶段的飞天形象彻底摆脱了早期异域的影响，展现出磅礴的自信与圆润的生命力。 一、 结构与动态的革新： 深入剖析了唐代飞天身体造型的“S”形曲线和饱满度。重点研究了“三飞”结构——“正面飞”、“侧面飞”和“背面或回望飞”的成熟运用，以及飘带不再仅仅是悬浮的线条，而是成为与人体运动高度同步的、富有弹性和张力的“第二生命体”。 二、 审美趣味的世俗化与“人化”： 考察了盛唐飞天服饰的华丽转型，如宝冠、帔帛的层叠与质感表现，以及面容从空灵到丰腴、慈祥的转变，反映了唐代社会对健康、丰盈生命力的推崇。分析了飞天手持莲花、结印或行散花的细节，揭示了其从“供养者”向“接引者”职能的深化。 三、 技法研究： 比较了唐代“晕染法”（特别是朱红、石绿的运用）在塑造飞天立体感和光影感上的高超技艺，并收录了对“三彩飞天”壁画（如第158窟）的专门研究。 第三部分：风格的转型与世俗的沉淀（中晚唐至五代） 随着唐朝的衰落和地方割据的出现，飞天艺术开始展现出新的地域性和风格上的分化。 一、 晚唐的“写实”倾向： 分析了晚唐飞天在身体比例上趋于写实，飘带增多但灵动性略减，部分形象开始带有更多的世俗化人物的影子，反映出信仰的减弱与民间审美趣味的介入。 二、 五代时期的地域特色： 重点区分了归义军统治时期（晚唐至宋初）和吐蕃占领时期飞天的风格差异。吐蕃时期的飞天在色彩运用上更为浓烈，线条勾勒更粗犷，反映了高原文化的审美特征。 三、 “供养飞天”与“装饰性飞天”： 研究了壁画构图中，飞天作为背景衬托或边饰的频率增加，其宗教职能退居次要，装饰功能加强的现象。 第四部分：宋元时期的定型与尾声 本书的最后部分关注飞天艺术在宋元时期的定型化和程式化趋势，以及它最终退出主流壁画叙事中心的过程。 一、 宋代飞天的程式化： 探讨了宋代飞天造型的趋于统一和僵化，笔法上注重工整的勾勒和填色，但生命力和动态感有所衰退。 二、 元代的新融合与消亡： 分析了元代西藏佛教（萨迦派）对敦煌艺术的最后影响，以及飞天形象开始被更复杂的坛城和密宗图像所取代，最终逐渐淡出壁画主体叙事。 研究方法与特色： 本书运用了图像学分析法、风格比较法和考古学年代测定相结合的研究路径。特色在于，它不仅关注“画了什么”，更关注“如何画”以及“为什么这样画”，将飞天视为敦煌历史、宗教信仰、社会风俗和艺术思潮变迁的综合载体。全书配有大量的原色高清拓片与壁画局部放大图，为艺术史研究者、宗教艺术爱好者以及对中国古代审美变迁感兴趣的读者提供了详实而深入的视觉与理论支撑。 本书与舞蹈训练或民间舞教材的性质完全不同，它是一部关于中国古代宗教绘画艺术史的深度学术探究之作。

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这本书的叙事风格非常平实而富有温度，读起来完全没有教材那种刻板的生硬感，反而像是老一辈艺术家对后学的殷切嘱托。作者在讲解过程中，时不时会穿插一些早年间排练和演出的趣闻轶事，这些小故事不仅调节了学习的枯燥感，更重要的是，它们让冰冷的技巧鲜活了起来，让人真切感受到这门舞蹈艺术所承载的时代记忆和人间烟火气。这种情感的注入，使得学习者在模仿动作时，不仅仅是机械地复制外形，而是能够从中汲取到一种内在的精神力量，去体会和表达花鼓灯所蕴含的乐观、淳朴与生命力，这对于培养舞者的舞台感染力是至关重要的。

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这本书的理论深度着实令人惊叹，它并非简单地罗列舞蹈动作口令，而是深入剖析了安徽花鼓灯这一独特艺术门类的历史渊源、地域文化土壤以及其内在的哲学意蕴。作者显然是下过一番苦功进行田野调查和文献梳理的，书中对不同流派的风格差异、身韵的精髓提炼，都进行了细致入微的阐述，旁征博引，引经据典，使得每一个舞姿的背后都有了坚实的文化支撑。读起来，我仿佛不是在学习一套技术动作，而是在与一位资深的民间舞蹈大师进行面对面的对话，他不仅教你“怎么做”，更重要的是让你明白“为什么这么做”，这种从“术”到“道”的提升，是许多同类教材所欠缺的，它极大地拓宽了学习者的艺术视野和文化素养。

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从教学法的角度来看，这本书展现出高度的系统性和前瞻性。它不仅覆盖了从基础的手眼协调到复杂的组合段落，更对如何组织一堂有效的舞蹈课提供了详尽的方案建议，包括热身、技术练习、组合学习、成品排练以及文化背景渗透的各个环节都给出了明确的指导思路。对于舞蹈教师而言，这本书提供的不仅仅是素材，更是一套成熟的、可操作的教学框架。它清晰地阐述了如何根据不同年龄段和不同舞蹈基础的学生调整训练的侧重点和难度递进关系，这使得它不仅适合专业院校，对于基层文化馆站的舞蹈爱好者和普及工作者来说，也是一本不可多得的“武功秘籍”，提供了科学且富有启发性的指导蓝图。

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这本书的装帧设计得非常典雅，封面采用了传统水墨画的风格，色调沉稳大气，一看就知道是经过精心打磨的专业教材。拿到手里，首先感受到的是纸张的质感，厚实而又不失细腻，油墨的印刷清晰锐利，即便是最细微的舞步线条图也纤毫毕现。我特别欣赏它在版式编排上的用心，每一页的留白都恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又使得复杂的动作分解图和文字说明之间形成了良好的视觉平衡。特别是对于初学者而言，这种清晰、不杂乱的排版无疑是极大的福音，它将复杂的技法拆解得井井有条，让人在学习过程中不易产生视觉疲劳和信息过载的焦虑感。整体而言，这本书在视觉传达上已经成功地奠定了其作为一本高品质教材的基调，让人对即将展开的学习内容充满了期待和敬意。

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作为一本训练用书，其实际操作指导的详尽程度是衡量其价值的关键。这本书在这方面做得极为出色，它将每一个基本功的训练都细化到了肌肉群的调动和呼吸的配合上，简直像是一位贴身教练在手把手指导。特别是那些关于“颤”、“拗”、“翻”等花鼓灯特有韵律感的描述，作者使用了大量生动且精准的比喻，比如将某些动作比作“水波的起伏”或“风吹麦浪”，极大地降低了抽象概念的理解门槛。CD的配合也堪称完美，音乐的节奏点与动作的节拍标注几乎是同步的，即便是没有专业老师在旁指导，学习者也能依靠听觉和视觉的双重引导，进行相对准确的模仿和练习，大大提高了自学效率和训练的准确性。

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