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出版者:辽宁美术出版社

作者:邢庆华主编

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:43.00元

装帧:平装

isbn号码:9787531415176

丛书系列:

图书标签:

• 工艺美术
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• 绘画
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《光影叙事：电影摄影与灯光艺术进阶指南》 图书简介 主题聚焦： 本书深度剖析电影制作中的核心技术——摄影与灯光艺术，旨在为中高级影视从业者、摄影系学生以及对电影视觉语言有深入探究需求的爱好者，提供一套系统、前沿且富含实践指导的专业参考。我们摒弃基础理论的冗余叙述，直击如何通过光线、镜头运动和画面构图，构建复杂叙事层次和独特视觉风格的关键策略。 内容纲要： 本书分为五个主要部分，层层递进，从理论基石到高级应用，全面覆盖现代电影的视觉构建体系。 第一部分：光线的本质与情绪雕塑 (The Essence of Light and Emotional Sculpting) 本部分着重于光线作为叙事媒介的本质。我们不再将光视为简单的照明工具，而是深入探讨其作为情绪载体、时间标记和空间定义的要素。 1. 光谱与感知心理学： 详细分析不同色温（开尔文值）对观众心理状态的影响机制。探讨蓝光在营造疏离感和现代感中的作用，以及暖色调如何激发亲密感和怀旧情绪。引入“环境光色温映射”的概念，指导如何在自然光与人工光之间建立和谐且具有暗示性的色彩平衡。 2. 光线的形态学： 区分并深入解析主光、辅光、轮廓光（Kicker/Rim Light）的精确功能与组合效果。重点介绍硬光与软光的物理特性，以及它们如何塑造人物的体积感和环境的质感。书中包含大量的案例分析，展示如何通过调整光线角度（如伦勃朗光、蝴蝶光）来服务于特定角色的性格弧光或场景的戏剧张力。 3. 自然光的极限运用与模拟： 探讨如何在不同时间（日出、正午、黄昏）捕捉和最大化自然光效能。引入“云层滤镜”和“反光板矩阵”的高级应用技术，用于微妙地控制和引导自然光的流向与强度，实现对户外场景的精确控制。 第二部分：镜头语言的语法与节奏 (The Grammar and Rhythm of Lens Language) 本部分将镜头视为电影的“眼睛”，探讨如何运用镜头选择和运动来引导观众的注意力，并构建影片的内在节奏。 1. 焦距的叙事重量： 详尽对比广角、标准和长焦镜头在空间感知、透视压缩和景深控制上的差异。重点讲解如何利用极广角镜头（如14mm、21mm）制造视觉扭曲以表达角色的精神压力，以及如何使用长焦镜头（如200mm以上）来隔离主体，增强窥视感或距离感。 2. 焦点与深度的哲学： 不仅讨论浅景深（Bokeh）在突出主体上的应用，更深入探讨“深景深”（Deep Focus）在表现复杂环境信息和多层次叙事（如奥逊·威尔斯和安德烈·塔可夫斯基的手法）中的强大潜力。介绍“焦点拉伸”（Rack Focus）的精确时机选择，确保焦点转换本身成为一个叙事事件。 3. 运动的潜台词： 系统梳理摄影机运动的心理学意义。平移（Pan）、俯仰（Tilt）、跟拍（Tracking）、摇臂（Crane）和斯坦尼康（Steadicam）的应用不再是简单的移动，而是与角色情绪和环境密度紧密绑定的工具。书中特别设立章节，分析如何通过不规则或突兀的镜头运动来打破观众的沉浸感，达到叙事上的反讽或惊悚效果。 第三部分：色彩科学与数字成像流程 (Color Science and Digital Imaging Workflow) 在数字时代，色彩管理是视觉统一性的核心。本部分聚焦于从传感器捕捉到最终输出的色彩准确性和艺术控制。 1. 色彩空间与工作流程： 深入解析Log格式、RAW数据流的优势与挑战。对比Rec.709、DCI-P3和Rec.2020等色彩空间的特性及其在不同显示媒介上的表现差异。强调建立“采集——监看——调色”一致性工作流程的重要性。 2. LUTs (查找表) 的定制与应用： 教授如何超越预设LUT，根据特定电影胶片特性或艺术目标，创建和微调定制的LUTs。讲解如何使用CIE图表来精确控制画面中的高光、中间调和阴影的色彩漂移。 3. 高动态范围 (HDR) 叙事： 探讨在HDR制作流程中，如何利用扩展的亮度范围（Nits）来增强真实感或制造非自然的视觉冲击力，同时解决HDR监看一致性带来的挑战。 第四部分：高级场景光效构建与环境融合 (Advanced Scene Lighting Construction and Environmental Integration) 本部分将理论应用于复杂场景，教授如何用灯光统一庞大或充满挑战性的环境。 1. 天气效果的精确模拟： 如何使用高强度光源、雾机和水雾系统，精确模拟暴雨、浓雾、沙尘暴等自然现象，并确保灯光在这些介质中产生可信的体积光（Volumetric Light）。 2. 舞台照明的戏剧性隔离： 专注于夜景、室内黑暗场景（Low-Key Lighting）的布光技巧。讲解如何使用“隧道光”（Tunnel Lighting）或“剪影布光”来强调隐藏的威胁或角色的心理状态。对“失真照明”（如霓虹灯、闪烁的荧光灯）的控制，以传达不安或腐朽的氛围。 3. 混合光源管理： 解决在同一画面中，钨丝灯（暖）、LED灯（可调）、钠灯（橙黄）以及月光（冷蓝）等多种光源共存时的色彩平衡难题，实现视觉上的有机统一而非色块的混乱堆砌。 第五部分：跨学科视野与未来趋势 (Interdisciplinary Perspectives and Future Trends) 本书最后一部分拓展了摄影师的视野，探讨技术与艺术的交汇点。 1. 与美术部门的协作深度： 强调摄影指导与场景设计师、服装设计师如何通过材料的反射率、纹理处理，共同决定光线在画面中的最终表现。 2. 虚拟制片与实时渲染（In-Camera VFX）： 探讨LED墙、体积捕捉技术对传统灯光设置带来的革命性影响。分析摄影师如何在虚拟背景中预设和调整虚拟光源，实现传统绿幕无法比拟的实时交互光效。 3. 摄影的伦理与意图： 探讨视觉选择背后的道德考量，例如如何避免过度美化或扭曲现实，确保视觉语言始终服务于故事的核心主题，而非炫技。 适用读者： 专注于电影摄影、电视剧集制作、高规格商业广告的摄影指导（DP/Cinematographer）、灯光师（Gaffer）、调色师（Colorist），以及希望从技术层面理解电影制作核心的导演和制片人。本书假定读者已掌握光线的三点布光基础和基础镜头知识。 本书特色： 案例驱动： 引用大量经典电影与当代高分剧集中的具体镜头（配有技术图解），剖析其布光图和镜头参数。 实践导向： 提供了大量可立即应用于片场的“布光公式”和“运动脚本”模板。 技术深度： 涵盖最新的数字影像传感器技术、色彩科学标准和虚拟制作流程的前沿知识。 《光影叙事》不仅仅是一本工具书，它是一部关于如何用光线作画、用镜头叙事的思想指南，旨在帮助影视创作者将脑海中的复杂意图，转化为震撼人心的银幕影像。

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《光影魔术：色彩理论与实践指南》这本书，完全颠覆了我对色彩的固有认知。我以前总觉得色彩是玄学，什么冷暖、对比、饱和度，听起来头大。但这本书用非常理性的方式，结合了大量的实例分析，把色彩的科学性展现得淋漓尽致。它不仅详细讲解了色轮的构成、三原色、间接色等理论知识，更精彩的部分在于它如何将这些理论应用到实际创作中去——比如，如何利用补色对比来增强画面的视觉冲击力，或者如何在室内光线下准确捕捉物体微妙的色彩变化。书中收录的很多大师油画作品的色彩分析环节尤其精彩，作者像侦探一样，抽丝剥茧地解析了画家是如何运用色彩情绪和引导观众视线的。这本书的排版设计也十分考究，高饱和度的彩色插图与文字解析穿插得当，阅读体验极佳。如果你想让自己的作品从“平庸”走向“出彩”，不再满足于简单的涂色，而是想真正驾驭色彩，让它成为表达思想的有力工具，那么这本书是案头的必备参考书，它提供的不仅仅是知识，更是一种看待世界的全新“色感”。

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我是一个对传统文化非常感兴趣的爱好者，偶然间翻阅到这本《中国传统纹样解构与应用》，简直是打开了新世界的大门。这本书的深度和广度都超出了我的预期。它不像一些浮于表面的图册，只是简单罗列图案，而是真正深入到了纹样的历史渊源、文化内涵以及不同地域、不同历史时期的风格演变。从龙凤、回纹到祥云、万字纹，每一个图案的起源、象征意义都被考据得有理有据。更棒的是，它并没有将这些纹样束之高阁，而是提供了大量的现代设计案例，展示了如何将这些传统元素巧妙地融入到服装、平面设计、建筑装饰乃至现代产品设计中去，实现了“古为今用”。书中对纹样结构和构成原理的分析尤其细致，对于设计师而言，这简直就是一本活的灵感库和教科书。它教会我们如何“读懂”纹样背后的故事，而不是仅仅“复制”表面的形状。对于任何从事文化创意产业、或者对中国传统美学有追求的人来说，这本书都是一份极其宝贵的资料，阅读过程充满了对传统智慧的敬畏和兴奋。

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关于《书法艺术的意境与审美》的阅读体验，我必须用“沉浸”二字来形容。这本书似乎不是在教你如何握笔、如何写横竖撇捺的技法，而是在带领读者进行一场关于中国古典审美的精神漫游。它开篇就探讨了“气韵生动”在书法中的体现，着重讲解了点画之间的内在联系和节奏感，而不是拘泥于单一字体的规范。书中对历代书法大家作品的选材非常精妙，挑选的往往不是那些最工整的碑帖，而是最能体现书家个人性情和生命体验的作品。通过作者对枯笔、飞白、墨色的深入剖析，我开始理解为什么有的字看起来如此潇洒，有的字又显得如此沉郁。这本书极大地提升了我对书法艺术的鉴赏能力，让我意识到书法不仅仅是汉字的载体，更是中国文人精神和哲思的外化。它鼓励读者去感受墨迹中流淌的情感，去体会“一气呵成”背后的心手相应，对于想将书法从“技”提升到“道”的层次的习练者来说，这本书提供了极高的理论指导和精神滋养。

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我最近在尝试转向三维设计和雕塑领域，《人体解剖学与动态捕捉》这本书对我来说，简直是雪中送炭。过去我总觉得人体结构复杂难画，书本上那些骨骼肌肉的图谱枯燥乏味，难以与实际的造型联系起来。但这本教程的厉害之处在于，它没有把解剖学当成一门独立的学科来讲解，而是紧密地围绕“动态”和“功能”展开。它用非常直观的图示，展示了主要肌群在不同动作下是如何拉伸、收缩和相互作用的，比如手臂抬高时，背部的哪些肌肉群会参与发力，这种“运动链”的解释非常到位。此外，它还结合了现代的数字化建模思维，提到了如何从基础体块推导出复杂的肌肉形态，这对于我这种习惯了数字工具的设计师来说，提供了极佳的思维桥梁。书里甚至有关于角色设计中“夸张化”人体比例的讨论，让理论学习充满趣味性。如果你想让自己的角色设计、动画制作或雕塑作品摆脱“僵硬感”，真正赋予生命力，这本书提供的结构洞察是不可替代的。

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这本《素描与速写基础》简直是艺术新手的福音！我之前对绘画一直抱着“心有余而力不足”的态度，拿起铅笔总觉得无从下手，线条僵硬得像机器人。这本书的编排非常注重循序渐进，从最基础的线条练习开始，教你如何观察光影和形体结构。特别是它对“结构素描”的讲解，深入浅出，让我这个零基础小白第一次明白了立方体、球体这些基本形体是如何构筑复杂对象的。书中的案例示范图示非常清晰，步骤拆解得细致入微，即便是自学也能感受到老师在身边的指导。我特别喜欢它推荐的材料使用方法，各种纸张和铅笔的特性讲解得非常透彻，让我不再只是盲目地购买工具，而是能根据自己的需求进行选择。读完前三章，我对着家里的水果和静物试着画了几张，虽然还很稚嫩，但总算抓到了一点点形体感和立体感，这比我过去摸索一年都有收获。对于想扎实掌握造型基础，建立扎实绘画“内功”的读者来说，这本书的价值无法估量，强烈推荐给所有有志于学习造型艺术的朋友们。

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