Appreciation of Dunhuang Grottoes-敦煌鉴赏.英文 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:江苏美术

作者:樊锦诗

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页数:0

译者:

出版时间:

价格:60.0

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isbn号码:9787534422959

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瀚海拾遗：中古丝路上的信仰、艺术与文明交响 图书名称：《丝绸之路上的信仰之光：中古时期中亚佛教艺术的流变与融合》 内容提要： 本书旨在深度探究中古时期（约公元4世纪至10世纪）丝绸之路上，佛教艺术如何作为一种强大的文化载体，在中亚广袤的地域内经历孕育、传播、演变乃至最终与本土文化深度融合的全过程。本书摒弃传统上将敦煌、克孜尔等石窟孤立研究的视角，转而构建一个宏大的区域性视野，以“信仰的地理扩散”为核心线索，梳理了犍陀罗艺术的源头影响、贵霜帝国在艺术史上的关键地位、粟特商人在文化传播中的桥梁作用，以及佛教艺术在不同绿洲城邦间（如高昌、焉耆、龟兹乃至西域诸国）的在地化转型。 全书分为五大部分，力求详实而细腻地勾勒出这一复杂而辉煌的文明交汇图景。 --- 第一部：犍陀罗的遗产与婆罗门的回响 本部分聚焦于佛教艺术的“原初形态”与早期西传的路径。我们详细考察了公元1世纪至4世纪，在贵霜王朝统治下，犍陀罗地区（今巴基斯坦北部与阿富汗东部）如何成为希腊化艺术与印度本土宗教哲学碰撞的熔炉。 犍陀罗造像的结构分析： 详细剖析了最早一批人身佛像的特征——深邃的五官、清晰的卷发、希腊式的衣褶（特别是“湿衣式”的处理），并将其置于亚历山大东征后的文化背景下考察。我们不仅关注其造型美学，更深入探讨了这种“拟人化”表达对后来佛教教义传播的深刻意义。 婆罗门教元素的渗透： 探讨了毗湿奴、湿婆等印度教神祇形象如何在佛教的“护法神”体系中被重新挪用和转化，例如那伽王（龙王）或力士形象的演变。 早期传道路线的重建： 结合考古发现的钱币、铭文及文献记载，初步勾勒出佛教艺术品和僧侣从中亚高原向东抵达塔里木盆地北缘的早期贸易与宗教交流网络，为后续石窟艺术的兴起奠定文化基础。 --- 第二部：贵霜帝国的兴衰与“帝国艺术”的形成 贵霜王朝（约1世纪至3世纪）是中古佛教艺术发展史上的关键转折点。本章侧重于该帝国如何通过政治统一和宗教赞助，将早期区域性的艺术风格整合、标准化，并使其具有更强的传播力。 秣菟罗（Mathura）学派的崛起与对比： 相对比犍陀罗的“写实主义”，我们深入研究了秣菟罗学派的艺术特点——更趋向印度本土的“圆润饱满”，色彩感强，使用红砂岩材质。通过对比分析同一时期佛陀形象在两地的差异，揭示了在帝国核心区域内部已存在的美学分歧。 贵霜赞助制度与寺院经济： 分析了贵霜王室对佛教寺院的捐赠模式，这些寺院不仅是宗教中心，更是重要的手工业、商业中心。艺术品的生产不再是零星的供奉，而逐渐形成具有一定规模和标准化流程的“作坊体系”。 萨马尔罕的镜影： 借用后世中亚遗址的零星物证，探讨贵霜艺术的边缘影响，即其风格如何通过粟特商人渗透到更远的西部绿洲，为塔里木盆地的早期艺术风格定下了基调。 --- 第三部：塔里木盆地的“前沿阵地”：龟兹、焉耆与高昌的早期融合 当犍陀罗的光芒开始西渐或被后继政权削弱时，焦点转移至丝绸之路的枢纽——塔里木盆地。本部分集中研究公元4世纪至6世纪，佛教艺术在绿洲城邦中的“落地生根”过程。 龟兹（Kucha）的“胡风”： 重点剖析龟兹作为西域重镇，其艺术如何最早地展现出强烈的异域色彩。这一时期的壁画和塑像，大量采用了源自中亚（可能与波斯萨珊王朝的审美相呼应）的线条、色彩和服饰元素，例如对“连珠纹”和“团窠纹”的偏爱。我们详细考察了这些早期龟兹洞窟中，佛本生故事叙述方式的创新。 焉耆（Karashahr）的宁静与转型： 相对龟兹的“华丽”，焉耆艺术展现出一种更内敛、更注重平面装饰的特点。我们分析了焉耆艺术如何更直接地继承了部分贵霜或犍陀罗的造型，但在色彩运用上却趋向于更明亮的矿物颜料，预示着汉文化元素的介入。 高昌（Gaochang）的政教合一： 讨论高昌王国（特别是麹氏高昌时期）的佛教艺术，是如何反映其作为汉地政权对中原文化“正统性”的强调，艺术风格开始出现向汉地成熟体系靠拢的迹象，但同时又保留了大量西域元素作为其政治合法性的佐证。 --- 第四部：中道之变：粟特商路与佛教艺术的动态传播 本部分将视角从固定的石窟群转向流动的商贸网络。粟特人是连接东亚与西亚的贸易动脉，他们的信仰与艺术品流动，极大地加速了佛教艺术的变异与传播速度。 粟特赞助人与“游牧美学”的介入： 探讨粟特商队与赞助人如何在沿途建立临时或半永久性的宗教场所。这些场所的艺术往往是高度混合的，体现了实用性（如适应长途运输的木雕、泥塑）和审美上的多源性。我们关注粟特语言文献中记录的佛教相关词汇，以及他们对特定护法神的偏好。 “异域”形象的本土化： 研究了如“飞天”形象在不同绿洲城邦中的风格差异。例如，龟兹飞天饱满矫健，而某些北方受柔然或突厥影响的地区，飞天则呈现出更瘦长、更具线条感的“游牧”气韵。 宗教文本与艺术的同步西传： 考察了如《法华经》、《华严经》等重要经典的翻译与传播，如何直接影响了艺术表现的主题选择和叙事结构，从而在广阔的丝路上形成了审美上相互关联但风格上各异的艺术片区。 --- 第五部：艺术的最终交汇与唐代标准的奠定 本部分作为总结，聚焦于公元7世纪至10世纪，在唐朝的强大控制下，西域佛教艺术如何被纳入一个更宏大、更统一的“帝国范式”，并最终形塑了后世佛教艺术的审美标准。 唐代“盛世气象”对西域艺术的再塑： 详细分析了唐代中原审美（如吴带当风的线条、雍容华贵的色彩）如何反向输入到西域的艺术中心，尤其是在安西都护府管辖的地区。这种输入并非简单的复制，而是与当地已经成熟的胡风进行高水平的调和与升华。 晚期风格的衰退与转型： 探讨了在吐蕃崛起和伊斯兰教传入之后，丝绸之路沿线佛教艺术所面临的挑战。这一时期的艺术往往展现出一种“回光返照”式的繁复与精致，或是在题材上转向更具密宗色彩的表达，为后来的衰亡埋下伏笔。 结语：中古丝路——一个流动的艺术博物馆： 总结本书的研究发现，强调中古时期的佛教艺术史，本质上就是一部关于人类文化交流、信仰适应与美学创新的宏大叙事。它证明了文化艺术的生命力在于其在不同地域间的动态平衡与持续的创造性转化。 本书特色： 本书突破了以往单一地域或单一王朝的研究壁垒，首次将犍陀罗、贵霜、粟特、龟兹、高昌等关键节点，置于一个动态的、相互影响的传播链条中进行考察。通过对造像比例、壁画构图、颜料技法、以及赞助人身份的细致比对，本书旨在为理解中古丝绸之路的文明交融提供一个全面且深入的艺术史视角。全书配有大量高清图版（仅为描述，不包含实际图片），并采用严谨的学术语言与清晰的逻辑结构，适合高等院校相关专业的师生及对中亚历史、艺术史感兴趣的深度读者。

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让我感到惊喜的是，作者处理叙事角度时的灵活转换。在某些章节，他会采用非常严谨的考据口吻，如同考古学家在整理发掘报告一般，一丝不苟地核对壁画的损坏程度与修复历史，这种专业性让人信服。然而，在描述那些描绘世俗生活场景的壁画时，笔锋一转，又变得极其富有人情味。比如描绘农耕、狩猎、婚礼的场景，作者仿佛代入了古代画工的视角，去想象他们是如何观察生活，如何将鲜活的日常场景融入到宗教叙事中的。他会细致分析画中人物衣着的材质、食物的种类，甚至推测这些场景可能反映了当时的社会阶层和风俗习惯。这种从“神圣”到“世俗”的无缝切换，极大地降低了敦煌艺术的门槛，让那些对宗教题材不甚了解的普通读者，也能从中找到共鸣点，发现隐藏在千年佛像背后的，是与我们一样鲜活的古代人的喜怒哀乐，这使得阅读过程充满了发现的乐趣。

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这本书的价值，并不仅仅在于信息量的多少，更在于它如何引导读者“看”艺术。很多时候，我们看壁画，只是匆匆一瞥，被巨大的信息量压倒。而本书则像一个耐心的老师，教导我们如何放慢速度，专注于一个局部。例如，它会花很大篇幅去解读一幅“供养人”画像的细节——他们佩戴的首饰样式、发髻的梳理方式、服饰的剪裁，这些看似“八卦”的细节，却被赋予了重要的历史信息解读价值。作者用这种“微观聚焦”的方式，教会了我们如何从碎片化的图像中重建历史的宏大叙事。这种教学方法，培养了一种细致入微的观察习惯，让我合上书本后，再回顾那些以往在图录中看过的图像时，视角已经完全不同了。我开始留意那些以往忽略的笔触、颜料的层次、以及画面构图中巧妙的留白，这真是一本能提升审美能力和历史洞察力的杰作。

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这本关于敦煌石窟的书，初拿到手时，我其实带着一丝忐忑。毕竟“鉴赏”二字份量不轻，总担心它会像许多同类书籍那样，堆砌着枯燥的年代考证和晦涩的佛学术语，变成一本只能束之高阁的“工具书”。然而，翻开第一页，我就被那种娓娓道来的叙事方式所吸引。作者显然不是一个只沉溺于象牙塔的学者，他更像一位经验老到的导游，手里拿着一串泛着岁月光泽的钥匙，正小心翼翼地引领我们走入那千佛洞的幽深秘境。语言的运用极为考究，既有对壁画色彩饱和度、晕染技巧的细致描摹，令人仿佛能闻到千年古泥土与矿物颜料混合的气息；也有对塑像面部表情、衣褶转折处蕴含的人文关怀的深刻洞察。尤其让我印象深刻的是，书中对不同时期、不同洞窟风格的演变，并非采取简单的罗列对比，而是巧妙地穿插了许多历史背景的小故事，比如某位高僧的弘法事迹，或是某次战乱对艺术创作的影响。这使得敦煌艺术的宏大叙事不再是孤立的符号堆砌，而是有了鲜活的血肉和呼吸，让人在欣赏其绝世之美的同时，也能触摸到历史的脉搏，体会到信仰的力量是如何在漫长时光中凝固、流转，最终化为我们眼前这些不朽的杰作。那种被带入情境的沉浸感，是阅读体验中非常难得的享受。

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这本书在知识体系的构建上，展现出一种令人敬佩的宏观视野。它不仅仅聚焦于我们耳熟能详的那些著名洞窟，例如莫高窟的代表性洞室，而是将视野延伸到了那些相对小众但同样具有研究价值的区域，甚至提到了丝绸之路上其他重要石窟的对照研究。这种全景式的梳理，帮助读者建立起一个清晰的时间轴和地理坐标系。读完后，我感觉自己仿佛拥有了一张详细的敦煌艺术“地图”，能够辨识出不同朝代、不同地域风格的细微差异——比如初唐的饱满雄浑，中唐的雍容华贵，晚唐的朴拙写实，这些概念不再是书本上的抽象标签，而是能通过书中的对比图例，直观地烙印在脑海中。更值得称道的是，作者对于敦煌艺术与同期世界其他艺术思潮的关联性探讨，虽然篇幅不多，但点到为止，极富启发性，暗示了敦煌作为“文明十字路口”的独特地位，为进一步的深度学习指明了方向，避免了将敦煌艺术“中国化”的局限性。

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阅读体验上，我必须赞扬排版和图录选择的匠心独明。现今的艺术书籍，往往陷入一个怪圈：要么是图片质量平平，印刷粗糙，无法展现原作的精微之处；要么是图片数量巨大，但缺乏足够的文字解读，让读者面对精美图片却不得要领。这本书找到了一个绝妙的平衡点。它收录的图片，无论是局部特写还是全景展示，都达到了极高的印刷水准，尤其是那些曾经受损严重的壁画，经过现代高精度扫描和后期处理，那些失落的色彩斑点和飞天衣带的灵动线条，似乎都重新焕发了光彩。更重要的是，每张图片旁边的文字阐释，都极为精准且富有洞察力。它不像那种冗长的学术论文，而是用一种近乎诗意的语言，剖析光影的运用、线条的力度，甚至是画师在勾勒菩萨眼角时那一瞬间的情绪波动。我特别喜欢它对“反弹琵琶”那一组塑像的分析，没有停留在其舞蹈姿态的机械描述上，而是深入探讨了中亚文化元素如何与汉地审美完美融合，形成了一种独树一帜的艺术语言，这让我对敦煌艺术的兼收并蓄有了更深一层的理解，远超出了我以往对佛教艺术的认知。

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英文书很少能找到印刷如此之差的，牛逼。

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